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2009

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Thomas: /* OMAGGIO AD ARMANDO CESTE */

2009

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Thomas: /* OMAGGIO AD ARMANDO CESTE */

2009

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Thomas: /* Evento speciale */

2009

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Thomas: /* Film */

2009

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Thomas: /* CONCORSO ANTEPRIMADOC */

2009

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Thomas:

2008

2025-04-03T14:18:38Z

Thomas: /* Le giornate del cinema privato 2008 percorsi originali d'espressione e di memoria */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini, Associazione Close-Up

=== Direzione ===
[[File:2008 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2008]]Direzione artistica

Fabrizio Grosoli

=== Direzione organizzativa ===
Michela Mercuri

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Cristiana Agostini, Nicoletta Casali, Sara Pierantozzi

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi

=== Catalogo ===
Giorgia Brianzoli, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Lorenzo Mattotti

=== Sigla ===
Alessio Fattori con musica originale di Sergio Loggia

=== Proiezioni ===
Bruno Miselli, Angela Miselli, Ugo Baracchi, Marco Davolio

== PRESENTAZIONE ==
È motivo di grande soddisfazione ritrovarsi anche quest'anno, qui a Bellaria Igea Marina, per festeggiare assieme il cinema italiano Indipendente. Non è un caso se cl riferiamo al cinema italiano tout-court: riteniamo, Infatti, che il documentario, oggi, sia la forma d'espressione cinematografica più adatta (e libera) per raccontare e interpretare i cambiamenti in atto nel mondo. È il cinema della realtà, che, avvicinandoci e mostrandoci senza giudizi precostituiti le cose e i fenomeni di una società che ci appare sempre più frequentemente caotica, insensata, incomprensibile, ci fornisce le chiavi di lettura per riconoscerla, comprenderla, cambiarla. La stessa attualità di queste ore, in qualche modo, sembra confermarcelo: a Cannes hanno ricevuto riconoscimenti importanti due film italiani (di “finzione”, certo, ma) che fanno dell'attenzione verso temi sociali e del linguaggio asciutto mutuato dal cinema della realtà i loro punti di forza: Gomorra e Il divo. Noi a Bellaria Igea Marina abbiamo avuto la fortuna (e forse l'intuito e la capacità di riconoscere | talenti, quando li incrociamo) di aver premiato in passato sia Matteo Garrone che Paolo Sorrentino, vincitori entrambi del Premio Casa Rossa. L'ennesima conferma per un festival come il nostro che vuole essere ancora e sempre “Anteprima”, Detto questo, il menù che il direttore Grosoli ha preparato è talmente ricco, goloso e vario che promette di saziare e soddisfare anche i palati più esigenti: dalle anteprime italiane dei documentari della sezione Diary and Family Movies, alla retrospettiva dedicata ad una icona del documentario musicale (e non solo) come Peter Whitehead; dagli omaggi a due innovatori (nei rispettivi campi) della televisione italiana: Enzo Biagi e Renzo Arbore, all'esplorazione, assieme ad Ascanio Celestini, di una forma nuova di racconto scenico della realtà; dalla riproposta di una stagione particolarmente innovativa nel documentario underground italiano, alla presentazione, con il nuovo concorso CortoDoc, di una nuova modalità di fruizione e distribuzione dei contenuti audiovisivi. Penserà il direttore Grosoli ad esporre meglio tutto; a noi non resta che ringraziare lui e tutti coloro che hanno collaborato alla realizzazione del Bellaria Film Festival e in particolar modo gli enti e le istituzioni che affiancano il Comune di Bellaria Igea Marina nel sostenere la nostra amata AnteprimaDoc.

=== INTRODUZIONE ===
Di Fabrizio Grosoli

Edizione numero 26 del BellariaFilm Festival. La terza che ha per titolo aggiunto: AnteprimaDoc. Arrivati al terzo anno non avvertiamo più l'esigenza di “giustificare” la scelta di campo chiara e netta a favore del cinema documentario. I film del reale sono lì, tra noi; fanno parte integrante della nostra esperienza di spettatori anche se contaminati da una struttura narrativa propria della finzione (che assume di per sé contorni e regole sempre più incerte), anche se “travestiti” da reportage televisivi (e questo perché il solo luogo in cui questi film sembrano non avere ancora uno statuto, un’esistenza riconosciuta, sono le televisioni italiane). Ci preme piuttosto evidenziare una sorta di fil rouge, o di scommessa, che percorre questa edizione del BFF: mostrare il nuovo del cinema documentario e insieme provare a raccontare le radici, i padri occultati e obliati in nome di un visibile sempre più monolitico e invece, a saperli ritrovare, carichi di tesori. Il nuovo è già riassunto dai 3 concorsi, dove non troverete tracce di esperanto televisivo standardizzato ma solo percorsi fortemente personali, anche se a volte esitanti e privi di sicurezze estetiche: AnteprimaDoc, dove ritroviamo i nomi di filmmaker che già abbiamo accompagnato davanti al pubblico in passato insieme a quelli di giovani sul talento dei quali vogliamo puntare ora; Premio Casa Rossa Doc che è ormai il riconoscimento più autentico dell’eccellenza nel settore, grazie a un vero e proprio referendum che segnala i 10 migliori film della stagione; CortoDoc, che è in qualche modo il nuovo del nuovo, a partire dal fatto che si tratta di una prima assoluta per il BFF. In questo caso l’idea di dedicare uno spazio specifico ai documentari fino a 10 minuti nasce anche dalla constatazione che esiste una ritrovata attenzione per le forme corte proprio da parte dei new media (tv internet, video on demand, tv user generated ecc.). E la volontà di stabilire e incrementare un possibile accesso dei filmmaker a un mercato così instabile e volatile come quello della non fiction creativa è da sempre una delle ambizioni del nostro festival. Sull’altro fronte, quello della riscoperta di un passato glorioso e soprattutto pedagogicamente attuale, non potevamo restare insensibili di fronte alle suggestioni di due anniversari: il '68, su cui tutto e troppo è stato detto, ma in tempi recenti con una sospetta e superficiale inclinazione revisionista, e il '78, che rappresenta — a partire dai tragici fatti di quell’anno nel nostro paese — proprio la fine, o l’inizio della fine, del movimento iniziato dieci anni prima aprendo così una nuova stagione sociale e culturale ancora tutto sommato poco indagata. Tra i cineasti che hanno non soltanto “interpretato”, ma letteralmente inventato le tensioni ed esplosioni creative del ’68 fino a imporne l'iconografia stessa, un posto certo non marginale occupa Peter Whitehead. Artista eccentrico quanto anti-intellettuale (il suo rapporto con il cinema è ripreso soltanto oggi, a trent'anni di distanza dal suo ultimo film), Whitehead ha non solo firmato due opere-manifesto, una sulla swinging London (Tonite Let's All Make Love in London) e l’altra sulle rivolte studentesche USA (The Fal), ma nel contempo ha contribuito a costruire l’immagine delle rock band dei sixties, Rolling Stones in primis, creando tra l’altro dal nulla l'estetica delle clip musicali ben prima dell'era video. Certo non possiamo attribuire al BFF la “riscoperta” di Whitehead, i suoi film stanno circolando da qualche tempo nei più innovativi festival internazionali. Ma è in ogni caso per noi motivo d'orgoglio presentare - insieme al Biografilm Festival, partner dell'iniziativa come già avvenne felicemente lo scorso anno per la retrospettiva Pennebaker - per la prima volta in Italia l'integrale del cineasta britannico (incluso il mitico e raro film sui Rolling Stones, bloccato fino ad oggi da una controversia con il manager del gruppo), nonché l'aver realizzato quella che è forse la prima monografia al mondo a lui dedicata (editore Derive & Approdi, a cura di Laura Buffoni e Cristina Piccino). Il '68 ritorna poi nelle tradizionali retrospettive sul documentario italiano, anche se attraverso una piccola selezione che volutamente non tocca i film apertamente militanti ma si concentra invece su meno note sperimentazioni dal tono autobiografico e diaristico inquadrate all’epoca nella cultura underground. In coerenza del resto con la ricerca che il BFF sta portando avanti da tre anni su questi temi e che si concretizza sia nella selezione internazionale che abbiamo chiamato Diary and Family Movies sia nel workshop sul riutilizzo dei film di famiglia nel cinema di oggi organizzato dall’Associazione Home Movies. E in fondo può essere considerata un’ulteriore conferma della vitalità espressiva degli anni Sessanta - non sembri riduttivo affermarlo - anche l'essenziale omaggio ad Enzo Biagi curato per noi dal suo amico e collaboratore Loris Mazzetti, dove emerge la figura di un Biagi non solo grandissimo giornalista (in questo caso) televisivo, ma straordinario documentarista tout court, inventore di un linguaggio spoglio ed estremamente efficace nelle inchieste memorabili dell’epoca. Quando si è trattato invece di riandare con la memoria al 1978, da subito si è fatta strada l’idea di rendere omaggio non a un film (come voleva la tradizione bellariese della Festa di Compleanno), ma alla Tv del periodo. Alla fine degli anni settanta la RAI non si era ancora omologata alla concorrenza delle Tv private come sarebbe avvenuto di lì a poco e c’era ancora spazio per produzioni sperimentali e palinsesti decisamente non convenzionali. Di quell'epoca abbiamo scelto solo due esempi, ma fortemente significativi. Da una parte le 5 puntate di La Macchina Cinema, il colossale documentario che ora ci appare con evidenza come la geniale testimonianza su un grande cinema in via di disfacimento come era allora quello italiano, firmato dal quartetto di per sé d'eccezione Bellocchio, Petraglia, Rulli, Agosti. Dall'altra uno dei programmi più innovativi e trasgressivi della storia della Tv italiana, L'Altra Domenica, che stravolgeva radicalmente le regole dell’intrattenimento televisivo facendosene beffe allegramente e che lanciò sotto la guida di un conduttore come Renzo Arbore una serie di giovani talenti tra cui il “critico cinematografico” Roberto Benigni. E’ grazie alla collaborazione reale dei canali Rai Sat (anche quest'anno sostenitori del BFF) e all'impegno personale del suo presidente Carlo Freccero, che durante il festival sarà possibile ricostruire il clima irripetibile di quell’esperienza di spettacolo in una serata live alla presenza di Arbore e di gran parte della sua “banda” d’allora. Resta da dire che quest'anno molto spazio è concesso anche a ciò che va oltre il momento della proiezione. Tutte le mattine saranno dedicate essenzialmente ad incontri sullo “stato delle cose” del documentario di oggi. L'ultima, quella di lunedì 9, sarà affidata a uno dei grandi del cinema del reale internazionale, Nicolas Philibert, che racconterà del rapporto tra autobiografia e soggetto filmato sulla base dell'esperienza del suo ultimo film Retour en Normandie a sua volta originato dal Moi, Pierre Rivière.... di René Allio del 1976. Le altre mattinate - organizzate in stretta collaborazione con gli amici della D.E-R e di Doc/It , le associazioni di categoria più importanti nel nostro territorio - vogliono fare il punto su questioni aperte: il ruolo dei festival per gli autori e il mercato, l’insegnamento del documentario tra scuola di base, università e corsi professionali, il rapporto tra scrittori che si muovono tra reportage e finzione e cineasti. In fondo, alla base di queste iniziative c'è il fatto che il BFF vuole sempre di più essere il luogo in cui “naturalmente” possano trovare a confrontarsi tutti coloro che al cinema del reale dedicano passione, lavoro, creatività o anche semplice intensa attenzione di spettatori. Il nostro obiettivo più desiderato sarà raggiunto se anche quest'anno Bellaria avrà saputo essere, per tutti una, accogliente, “Casa” del documentario.

== CONCORSO ANTEPRIMADOC ==

=== La giuria ===

* '''Ascanio Celestini''' è nato a Roma nel 1972. I suoi spettacoli teatrali sono legati ad un lavoro di ricerca sul campo e indagano nella memoria di eventi e questioni legate alla storia recente e all'immaginario collettivo. La sua scrittura nasce sempre da un lavoro di indagine condotta attraverso lunghi periodi di interviste e di laboratori. Del 2000 sono Radio Clandestina e Cecafumo, del 2002 Fabbrica. Scemo di Guerra ha debuttato nel 2004 alla Biennale di Venezia. La Pecora Nera nel 2005. Nel 2004 ha girato il documentario Senza Paura e nel 2007 Parole Sante, presentato al BFF 2008. Ha lavorato a Radio3, mentre in ottobre ha partecipato al programma “Parla con me” di RAI3. Con Donzelli Editore ha pubblicato Cecafumo, Fabbrica e il libro-dvd Radio Clandestina. Con Einaudi il romanzo Storie di uno scemo di Guerra, La Pecora Nera e il libro-Dvd Scemo di Guerra. È stato attore e autore nella trasmissione “La storia siamo noi”. Attualmente sta portando in toumée Appunti per un film sulla lotta di classe. Il cd Parole sante (Ascanio Celestini, voce; Roberto Boarini, violoncello; Gianluca Casadei, fisarmonica; Matteo D'Agostino Chitarra) ha vinto il Premio Ciampi 2007 come Miglior debutto discografico dell’anno.

* '''Guido Chiesa''' è nato a Torino nel 1959. Terminata l’Università, si e trasferito negli Stati Uniti dove negli anni Ottanta ha lavorato con Jim Jarmusch, Amos Poe, Michael Cimino e realizzato diversi cortometraggi, videoclip e lavori televisivi. Tornato in Italia, esordisce alla regia cinematografica con il lungometraggio Il caso Martello (1991). Alterna lavori di fiction e documentari. Tra i suoi film Babylon (1994), Materiale resistente (1995), Non mi basta mai (2000, coregia di Daniele Vicari), Una questione privata: vita di Giuseppe Fenoglio (1998), Il partigiano Johnny (2000), Alice è in paradiso (2002), Lavorare con lentezza (2004), Stessa spiaggia, stesso mare (2006), Kishe lone - La nostra chiesa (2007) e Le pere di Adamo, in concorso Premio Casa Rossa al BFF 2008. Per Sky Cinema ha realizzato quest'anno la serie “Quo Vadis Baby?”.

* '''Gabriella Gallozzi''' è nata a Roma, dove vive e lavora. Giornalista de “l'Unità”. Dalla fine degli anni Ottanta si occupa di spettacoli e, in particolare, di cinema che segue anche da inviata ai festival di Cannes e Venezia. Per RAI3 ha collaborato con “Storie vere”, firmando il documentario Le ragazze della Nuova Polonia e come consulente per il programma “La base”. Attualmente sta realizzando, in collaborazione con l'Associazione Antonello Branca, un archivio per la raccolta delle videotestimonianze di tutte le partigiane italiane, “Voci di donne dalla resistenza”.

* '''Francesco Piccolo''' è nato a Caserta nel 1964. Vive e lavora a Roma. Ha pubblicato Scrivere è un tic. I metodi degli scrittori (1994, edizioni minimum fax, ristampato nel 2006), Storie di primogeniti e figli unici (1996, Premio Berto e Premio Chiara), E se c'ero, dormivo (1998), Il tempo imperfetto (2000), Allegro occidentale (2003, finalista Premio Strega), tutti editi da Feltrinelli. Nel 2007 ha pubblicato L'Italia spensierata (Laterza). Collabora con vari quotidiani e riviste, tra cui “la Repubblica” e “Diario”. Per il cinema ha scritto sceneggiature per Paolo Virzì (My name is Tanino, Renato De Maria (Paz), Michele Placido (Ovunque se), Silvio Soldini (Giorni e Nuvole), Nanni Moretti (/ caimano) e Antonello Grimaldi (Caos calmo). Cura il laboratorio di sceneggiatura al D.A.M.S. della terza Università di Roma.

* '''Alba Rohrwacher''' è nata a Firenze. Si è formata artisticamente all’Actors Studio. Nel 2003 si è diplomata al Centro Sperimentale di Cinematografia. Il suo debutto. l cinematografico è del 2004, nel film di Carlo Mazzacurati L'amore ritrovato. Nel 2005 recita per Luca Guadagnino È in Melissa P, nel 2007 si fa notare nel film di Daniele Luchetti Mio fratello è figlio unico, dove interpreta la sorella di Elio Germano e Riccardo Scamarcio. Il 2007 è un anno importante per la sua carriera sempre più in ascesa, infatti partecipa a Piano, solo di Riccardo Milani ed interpreta la figlia di Antonio Albanese e Margherita Buy in Giorni e nuvole di Silvio Soldini, ruolo per cui riceve il David di Donatello 2008 come migliore attrice non protagonista. Nel 2008 partecipa al film Riprendimi di Anna Negri, presentato al Sundance Film Festival, a Caos calmo di Antonello Grimaldi e a // padre di Giovanna di Pupi Avati.

=== Film ===

* [[Il cammino del guerriero]] di Andreas Pichler
* [[Dimmi qual è il colore del cielo]] di Marco Pozzi
* [[Doble Forza Re: centering Periphery 01. Alamar. Cuba]] di Ogino Knauss
* [[L'Été à Zedelbeek]] di Chiara Malta
* [[Gancho Cruzado]] di Frediana Fornari
* [[L'Italia chiamò]] di Leonardo Brogioni, Angelo Miotto, Matteo Scanni
* [[Memoria Esterna]] di ZimmerFrei
* [[Nera - not the promised land]] di Andrea Deaglio
* [[Sgomberi]] di Michael Beltrami
* [[Il terrorista]] di César Meneghetti
* [[Tradurre]] di Pier Paolo Giarolo
* [[Tramas]] di Augusto Contento
* [[Welcome Bucarest]] di Claudio Giovannesi
* [[Lo Zio Sem e il sogno bosniaco]] di Chiara Brambilla

== PREMIO CASA ROSSA DOC ==

* [[ABC Colombia]] di Enrica Colusso
* [[Biùtiful cauntri]] di Esmeralda Calabria, Andrea D'Ambrosio e Giuseppe Ruggiero
* [[Ghiro Ghiro tondo]] di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi
* [[Houcine - OPV, i diari del ritorno]] di Leonardo Di Costanzo
* [[Imatra - Confini d'Europa #3]] di Corso Salani
* [[Improvvisamente l'inverno scorso]] di Gustav Hofer e Luca Ragazzi
* [[Il passaggio della linea]] di Pietro Marcello
* [[Le pere di Adamo]] di Guido Chiesa
* [[I promessi sposi]] di Massimo D'Anolfi e Martina Parenti
* [[Vogliamo anche le rose]] di Alina Marazzi

== CONCORSO CORTODOC ==

* 37 kg di Maurizio Failli
* A piedi sul filo di Enrica Andreetto
* Ain't no Sunshine di Silvio Canini
* Alda di Ricky Farina
* Arte è potere? di Giuseppe Carrieri
* Black Cross Bowl di Invernomuto
* Derivazioni di Stefania Rossi
* Era della ruggine di Esteban Vivaldi
* Le fotografie di Leonilda (Pamparato) di Mario Garofalo
* Il frutto della speranza di Massimiliano Mazzotti
* Un gradino sopra di Alessandro Ceccarelli
* Nato segreta di Vincenzo Frenda
* Senza perdere la tenerezza di Francesca Balbo
* Il viaggio di Antonio Puhalovich
* Le voci di Amerigo (Bajo Dora) di Elena Brusisco, Daniel Ruffino

== 1968. DIARI DI VIAGGIO ==

=== PROGRAMMA 1 ===

* [[Bis]] di Paolo Brunatto
* [[A Charlie Parker]] di Leo De Berardinis, Perla Peragallo

=== PROGRAMMA 2 ===

* [[Fiore d’eringio]] di Massimo Bacigalupo

=== PROGRAMMA 3 ===

* [[Se l'inconscio si rivela/ribella]] di Alfredo Leonardi
* [[Libro dei Santi di Roma eterna]] di Alfredo Leonardi
* [[Occhio privato sul nuovo mondo]] di Alfredo Leonardi

=== PROGRAMMA 4 ===

* [[La favolosa storia]] di Tonino De Bernardi

=== PROGRAMMA 5 ===

* [[Lsd]] di Romano Scavolini
* [[Vieni dolce morte (dell’ego)]] di Paolo Brunatto

=== PROGRAMMA 6 ===

* [[Fractions of Temporary Period ovvero Plans-séquences per una bambina]] di Piero Bargellini
* [[X chiama Y]] di Mario Masini

== FESTA DI COMPLEANNO: LA MACCHINA CINEMA ==

* [[La macchina cinema]] di Silvano Agosti, Marco Bellocchio, Sandro Petraglia, Stefano Rulli

'''Silvano Agosti''' è nato a Brescia nel 1938. Si diploma all'Istituto Magistrale e parte per Londra: vuole vedere la casa dove è nato Charlie Chaplin. Prosegue il suo viaggio alla scoperta del mondo, vivendo in Inghilterra, in Francia, in Germania e infine parte a piedi, come un pellegrino medioevale, per visitare tutto il Medio Oriente e l'Africa del nord. Nel 1960 si iscrive al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, dove si diploma nel 1962, vincendo il Ciak d'oro con il cortometraggio La veglia. Nel 1963 a Mosca, si specializza sull'opera di Ejzenstejn. Dopo aver lavorato con Marco Bellocchio alla sceneggiatura, ai dialoghi e al montaggio de / pugni in tasca, nel 1967 esordisce alla regia col lungometraggio // giardino delle delizie. Nel 1975 dirige con Marco Bellocchio, Sandro Petraglia e Stefano Rulli Matti da slegare - Nessuno o tutti. Dal 1976 al 1978 è docente di montaggio al Centro Sperimentale di Cinematografia, intorno agli anni Ottanta inizia la sua attività letteraria. A partire dal 2003, la sua sala cinematografica, Azzurro Scipioni, nel quartiere Prati, diviene un punto di riferimento per i film d'arte e per quelli impegnati. Filmografia (selezione): // giardino delle delizie (1967), N.P. - Il segreto (1971), Matti da slegare - Nessuno o tutti (1975), Nel più alto dei cieli (1977), La macchina cinema (1978), Quartiere (1987), Uova di garofano (1991), L'uomo proiettile (1995), La seconda ombra (1999), La ragione pura (2001).

'''Marco Bellocchio''' è nato a Piacenza nel 1939. Completati gli studi presso istituti religiosi, si iscrive alla facoltà di Filosofia della Cattolica di Milano. Nel 1959 si trasferisce a Roma per frequentare il Centro Sperimentale di Cinematografia. Dopo aver diretto i cortometraggi Abbasso il zio (1961), La colpa e la pena (1961) e Ginepro fatto uomo (1962), segue i corsi di cinema della Slade School of Fine Arts di Londra. Esordisce nella regia con il lungometraggio / pugni in tasca (1965). Due anni dopo mette sotto accusa i mali della società borghese in La Cina è vicina (1967); in questi tempi il suo nome viene sempre più accostato a quello di un altro illustre emiliano,

'''Bernardo Bertolucci.''' Considerato uno dei registi italiani più politicamente impegnati, negli anni Settanta si spinge all’interno delle istituzioni per denunciare violenze, soprusi ed ingiustizie: un collegio (Me/ nome del padre, 1972), il manicomio (Matti da slegare - Nessuno o tutti, 1975), o l'ambiente militare (Marcia trionfale, 1976). Il conflitto sembra proseguire anche nell’ambito della sua vita privata. A metà degli anni Ottanta è molto criticato per essersi fatto affiancare dal suo psicanalista Massimo Fagioli durante la lavorazione de // diavolo in corpo (1986). In seguito, sempre con Fagioli, si avvia verso un lungo periodo di esplorazione cinematografica dell'inconscio. Con il nuovo millennio, torna a rivolgere la sua attenzione al presente: L'ora di religione (2001), Buongiorno, notte (2003) e /l regista di matrimoni (2006). Nel 2008 gira Vincere.Filmografia: I pugni in tasca (1965), La colpa e la pena (1965), La Cina è vicina (1967), Amore e rabbia (1969), Viva il 1° maggio rosso proletario (1969), Il popolo calabrese ha rialzato la testa - Paola (1969), Nel nome del padre (1972), Sbatti il mostro in prima pagina (1973), Matti da slegare - Nessuno o tutti (1976), Marcia trionfale (1976), Il gabbiano (1977), La macchina cinema (1978), Salto nel vuoto (1979), Vacanze in Val Trebbia (1978-1980), Gli occhi, la bocca (1982), Enrico IV (1984), Il diavolo in corpo (1986), La visione del Sabba (1988), La condanna (1990), Il sogno della farfalla(1994), Sogni infranti - Ragionamenti e deliri (1995), Il principe di Homburg (1997), Elena (1997), La religione della storia (1998), La balia (1999), Un altro mondo è possibile (2001), L'ora di religione - Il sorriso di mia madre (2002), Addio del passato... (2002),A un millimetro dal cuore (2002), Buongiorno, notte (2003), Il regista di matrimoni (2006), Vincere (2008).

'''Sandro Petraglia''' è nato a Roma nel 1947. Si è laureato in filosofia. Ha iniziato la sua carriera nel cinema da critico, poi come regista e successivamente sceneggiatore. Nel 1975, con Silvano Agosti, Marco Bellocchio e Stefano Rulli ha realizzato il film Matti da slegare - Nessuno o tutti e nel 1978 La macchina cinema. Firma la regia anche diIl mondo dentro (1979) e Gran serata futurista (1981). Lavora molto per la televisione, scrivendo di frequente insieme a Stefano Rulli. La coppia di sceneggiatori si ritrova molto spesso anche nel mondo del cinema: Il gabbiano di Marco Bellocchio, Bianca di Nanni Moretti, Dolce assenza di Claudio Sestieri, Giulia e Giulia e Etoile di Peter Del Monte, Mery per sempre di Marco Risi, Domani accadrà di Daniele Luchetti, Pummarò di Michele Placido, Il muro di gomma di Marco Risi, Il portaborse di Daniele Luchetti, Il ladro di bambini di Gianni Amelio, Ambrogio di Wilma Labate, Arriva /a bufera di Daniele Luchetti, Fiorile di Paolo e Vittorio Taviani, Il toro di Carlo Mazzacurati, Poliziotti di Giulio Base, La scuola di Daniele Luchetti, Pasolini, un delitto Italiano di Marco Tullio Giordana, Vesna va veloce di Carlo Mazzacurati, La mia generazione di Wilma Labate, Marianna Ucrìa di Roberto Faenza, La tregua di Francesco Rosi, I piccoli maestri di Daniele Luchetti, La guerra degli Antò di Riccardo Milani, L'amante perduto di Roberto Faenza, Domenica di Wilma Labate, La meglio gioventù di Marco Tullio Giordana, Le chiavi di casa di Gianni Amelio, Romanzo Criminale di Michele Placido, Mio fratello è figlio unico di Daniele Luchetti, La Ragazza del lago di Andrea Molaioli per il quale ha vinto il David di Donatello. Filmografia: Matti da slegare - Nessuno o tutti (1975), La macchina cinema (1978), Il mondo dentro (1979), Gran serata futurista (1981).

'''Stefano Rulli''' è nato a Roma nel 1949. Laureatosi in lettere con una tesi su Neorealismo e critica cinematografica, organizza nel 1974 per la Mostra del Nuovo Cinema di Pesaro il convegno sul neorealismo. In questo periodo pubblica Polansky (Nuova Italia, Castoro, 1975) e collabora alle riviste “Ombre Rosse”, “Scena”, “Quaderni piacentini”, “Essai”, “Cinema sessanta”. Nel 1975 con Marco Bellocchio, Silvano Agosti e Sandro Petraglia, realizza Matti da slegare - Nessuno o tutti e nel 1978 La macchina cinema. Risalgono a questi anni le sue prime sceneggiature: Nel più alto dei cieli di Silvano Agosti e Il gabbiano di Marco Bellocchio. Insieme a Sandro Petraglia realizza una sorta di trilogia sulle borgate romane: Il pane e le mele (1980), Settecamini da Roma (1981) e Lunario d'inverno (1982) e moltissimi altri lavori per la televisione tra cui gli episodi 4, 5 e 6 de La Piovra. Per il cinema ha scritto, spesso in coppia con Petraglia: La donna del traghetto di Amedeo Fago, Mery per sempre di Marco Risi, Pummarò di Michele Placido, Il portaborse di Daniele Luchetti, Muro di gomma di Marco Risi, Il ladro di bambini di Gianni Amelio, Arriva la bufera di Daniele Luchetti, Il Toro di Carlo Mazzacurati, La Scuola di Daniele Luchetti, Pasolini, un delitto Italiano di Marco Tullio Giordana, Vesna va veloce di Carlo Mazzacurati, La tregua di Francesco Rosi, Auguri professore di Riccardo Milani, I piccoli maestri di Daniele Luchetti, Le chiavi di casa di Gianni Amelio, Romanzo Criminale di Michele Placido, Mio fratello è figlio unico di Daniele Luchetti. Dal 1990 si occupa di progetti sociali legati alla malattia mentale e nel 1998 crea insieme a Clara Sereni la fondazione “La città del Sole”. Nel 2004 realizza il documentario da lui scritto, diretto e interpretato, Un silenzio particolare. Filmografia: Matti da slegare - Nessuno o tutti (1975), La macchina cinema (1978), Un silenzio particolare (2004).

== ARBORE E QUELLI DELL'ALTRA DOMENICA ==
Renzo Arbore e il suo talento hanno segnato la storia della radio e della televisione italiana. Come ha scritto Aldo Grasso: “Arbore può essere considerato quella coscienza mediologica della televisione di cui spesso si sente la mancanza, si è dimostrato il solo capace di ricomporre la frammentarietà del mez20 e di afferrarne la natura eterogenea. Ha fatto televisione sapendo che essa è anche radio, cinema, teatro, giornale”. E infatti nei suoi decenni di carriera fortunatissima, caratterizzata anche dalla scelta pervicace di non inflazionare mai se stesso, è stato protagonista incontrastato e grande innovatore di radio, televisione, cinema, musica. Basta scorrere velocemente la biografia artistica di Arbore per comprendere quale sia stata la sua portata nel panorama dello show business di ieri e di oggi. Certo, la prima immagine che può venire alla mente è quella del conduttore televisivo o dell’agitatore di masse con la musica della sua Orchestra Italiana, ma Arbore è stato ed è molto di più, passando per il cinema, fatto con impronta personalissima, l'amore per ogni genere di musica e la sua personalità aperta, che alterna con divertimento e geniale leggerezza “alto” e popolare, amore per Napoli e il mandolino con il jazz e l'America. In coppia con Gianni Boncompagni firma dapprima una serie di trasmissioni radiofoniche che resteranno negli annali e che saranno di ispirazione per generazioni di autori e disc-jockey: nel 1965 “Bandiera gialla” (ideata con Adriano Mazzoletti) che fu anche una rubrica del “Radiocorriere Tv” firmata dallo stesso Arbore per parecchi anni; nel 1966 (con Enrico Roda) “Per voi giovani”, in cui viene dato spazio all'emergente cultura giovanile. Un clamoroso successo fu, in radio, la trasmissione “Alto gradimento”, anch'essa condotta con il sodale Boncompagni, esilarante galleria di personaggi che si alternavano alla messa in onda di musica internazionale, che Arbore stesso (entrato in RAI come programmatore musicale) scovava. Una trasmissione geniale, che realizzò indici di ascolto impensabili, creando tormentoni comici che per anni rimasero nella mente e nei modi di dire della gente. La prima puntata andò in onda il 7 luglio 1970, dalle 13 alle 14, e così sarà per oltre sei anni. Al fianco di Arbore e di Boncompagni c'erano Giorgio Bracardi e Mario Marenco. L'idea nacque da un film americano degli anni Quaranta, Helzapoppin' di Henry G.Potter, una successione ininterrotta di battute e situazioni demenziali e anticonvenzionali. Max Vinella, il colonnello Buttiglione, Scarpantibus, la Sgarambona, il professor Aristogitone, lo studente Verzo, il tenente Catenacci entrarono nell'immaginario collettivo. “Alto gradimento” fu una stralunata dissacrazione delle regole della radio, della pubblicità di prodotti inesistenti e surreali, del ricorso sistematico alla tecnica del tormentone. Divenne un fenomeno di costume, il modello di tutte le radio libere nate negli anni Settanta, e tuttora influenza moltissimi programmi radiofonici. Nel 1969 Arbore inizia la carriera televisiva; quegli anni caldi, di contestazione, gli ispirarono “Speciale per voi”, programma musicale che tenne a battesimo nomi come Lucio Battisti. Per la prima volta famosi cantanti venivano messi sotto il fuoco incrociato di domande e osservazioni, anche cattive, da parte del pubblico in sala. E' il primo talk-show della televisione italiana. Poi arrivò “L'altra domenica”... e ancora “Tagli, ritagli e frattaglie”, “Telepatria International”, “Cari amici, vicini e lontani”, in un - ancora una volta innovativo - connubio fra radio e Tv e nel 1985 “Quelli della notte”, che inaugura la “seconda serata”, in cui Arbore si trova a proprio agio al punto di diventarne un assiduo frequentatore. La trasmissione è il trionfo dell’improvvisazione al suo stato più alto, imponendo uno stile nuovo, in cui i protagonisti nel salotto chiacchierano a ruota libera seguendo un filone decretato dal tema della puntata, sfociando in una comicità improvvisata ed improvvisa. Satira dei dilaganti salotti televisivi, lanciò Nino Frassica nelle vesti di Frate Antonio da Scasazza che con i suoi sproloqui fece divertire mezza Italia. E poi Riccardo Pazzaglia il filosofo partenopeo, Massimo Catalano l’intellettuale viveur, Maurizio Ferrini commerciante romagnolo di pedalò, Simona Marchini romantica sognatrice, Marisa Laurito cugina in attesa perenne del fidanzato. Tornarono poi Marenco, Andy Luotto, tutti orchestrati da Arbore, grande trascinatore. La trasmissione segnò un’epoca e i tormentoni e le battute entrarono nel gergo quotidiano. A riprova del fenomeno, l’album con le musiche della trasmissione vendette 500.000 copie. Nel 1987 parte la striscia quotidiana di “D.0.C.”, programma musicale con Gegè Telesforo e Monica Nannini, che Arbore collocherà un anno dopo nella fascia oraria notturna a lui prediletta nella trasmissione dal titolo “International D.O.C. Club”. Ma questo è soprattutto l’anno di “Indietro tutta”, programma satirico in cui Arbore è ammiraglio di questa nave che naviga all'indietro, coadiuvato, nelle 65 puntate quotidiane, dal “bravo presentatore” Nino Frassica. Il programma stigmatizzava l’invadenza della televisione di tipo commerciale, ridicolizzandone usi e costumi; c'erano le ballerine brasiliane del Cacao Meravigliao, che rappresentavano un surreale sponsor (ma la gente lo chiedeva davvero nei negozi) e le Ragazze Coccodè, un ridicolo corpo di ballo. Ancora accanto ad Arbore, Marenco che impersonava Riccardino, un bambino dispettoso che con tanto di grembiule e cartella passava il tempo a rincorrere il cane Fiocco; il maestro Mazza era a capo dell'orchestra Mamma li Turchi, Francesco Paolantoni era Cupido, appeso all’altalena e intento a lanciare frecce che non andavano mai a segno, Fulvio Falzarano il gonghista. La scenografia rappresentava una nave e Arbore era attorniato da due ragazze che rappresentavano Miss Nord e Miss Sud (Nina Soldano e una giovanissima Maria Grazia Cucinotta). Nel 1990 conduce “Il caso Sanremo”, dove in un processo simulato è giudice su fatti e misfatti della storia canora sanremese attorniato da una improbabile corte e avvocati interpretati da Michele Mirabella e Lino Banfi. Due anni dopo rende omaggio in Tv a Totò con “Caro Totò... ti voglio presentare”. Nel 1996 conduce per 22 ore “La giostra”, in diretta via satellite per Rai International di cui è diventato direttore artistico e testimonial. Il 22 gennaio 2005 il grande ritorno televisivo con “Speciale per me”, ovvero “Meno siamo, meglio stiamo”, in compagnia di Marisa Laurito, Michele Mirabella, il maestro Leo di San Felice e il presentatore Stornaiuolo, tanti ospiti e spezzoni televisivi e cinematografici. Un programma (fascia notturna) in cui i televisivamente “maleducati” spettatori di oggi ascoltano musica jazz, tra una battuta e un’altra, passando per la rivisitazione di reperti televisivi dispersi di artisti che hanno caratterizzato la televisione italiana. Di nuovo un grande successo, con il 25% di share. C'è anche un programma Tv dove Arbore non compare fisicamente: è “Marisa la Nuit”, dove è voce fuori campo per la Laurito. Evidente l'ispirazione di questo modo di fare televisione in successivi programmi di successo, che poi saranno un marchio della Gialappa's Band.

=== IL CINEMA ===
Arbore ha frequentato anche, in varie vesti, il grande schermo: la prima esperienza cinematografica, risalente al 1971, è come attore nel film Giù /a testa... hombre, per la regia di Demofilo Fidani. Lo stesso anno, sempre per la regia di Fidani, interpreta uno sceriffo nel film Per una bara piena di dollari. Nel 1981, scrive, dirige ed interpreta // Pap'occhio, una satira che mischia il sacro e il profano. Assieme ad Arbore e a Benigni, fanno parte del cast del film Mariangela Melato, Andy Luotto, Isabella Rossellini, Diego Abatantuono, Silvia Annichiarico, Luciano De Crescenzo (autore con Arbore della sceneggiatura), Le Sorelle Bandiera. In questo film il Papa, convinto di voler rimodernare il linguaggio della Chiesa, contatta Arbore per fargli dirigere un programma musicale nel nuovo canale televisivo del Vaticano. Arbore accetta, chiamando a sé tutta la sua “sacra famiglia" di collaboratori con i quali invade il palazzo papale. Cantato come un musical, colmo di citazioni (tra cui Prova d'orchestra, di Fellini), è anche un omaggio alla letteratura italiana (Dante), alla cultura dello spettacolo e dell'intrattenimento americano (musical), ed è una divertentissima messa in scena delle più celebri tappe della storia di Gesù, dall'Ultima Cena al tradimento di Giuda per trenta gettoni, dal gallo che canta, sino alla presenza di Dio in persona. È anche l'unico film italiano che gode della partecipazione straordinaria di Martin Scorsese (all'epoca in cui fu girata la pellicola, marito di Isabella Rossellini). Il film venne ritirato dalle sale per una discussa sentenza di un tribunale che vide nel film espliciti attacchi al Vaticano; ne fu disposto il sequestro per vilipendio della religione di Stato nel momento del suo maggior successo. Fu ridistribuito solo nel 1998, e dopo che Benigni ottenne tre premi Oscar. Le scene d'interni furono girate nella Reggia di Caserta. La fotografia appartiene a Luciano Tovoli, lo stesso direttore di Professione: reporter (1975) di Michelangelo Antonioni e di diversi film di Dario Argento. Un'altra interpretazione da attore un anno dopo in Quasi quasi mi sposo per la regia di Vittorio Sindoni; poi cura le musiche, nel 1985, di // mistero di BellaviSta, scritto e diretto da Luciano De Crescenzo. Il 1983 è l'anno di FF.SS, Cioè: che mi hai portato a fare sopra a Posillipo se non mi vuoi più bene?. Un film di un umorismo innovativo, e vitalissimo, che alterna parodia e satira, dialetto e lingua, comicità e invenzioni visive, come sottolineò all'epoca anche Morando Morandini; Arbore ne firma la regia e la sceneggiatura, oltre ad interpretare Onliù Caporetto, che promuove le gesta canore di una talentuosa ragazza (Lucia, interpretata da Pietra Montecorvino) e percorrerà assieme a lei tutti i gradini fino ad arrivare ad affermarsi al Festival di Sanremo. Compare ancora come attore in L'odore della pioggia di Nico Cirasola (1989) e in Il fratello minore di Stefano Gigli (2000).

* L'altra domenica
* Il Pap'occhio di Renzo Arbore

== PETER WHITEHEAD: CINEMA MUSICA RIVOLUZIONE ==
Essere nel posto giusto al momento giusto. Per Peter Whitehead nato anche Lorrimer - la parte del cognome che diventerà il “logo” della sua casa di produzione - la scommessa era difficile ma anche irresistibile. Il luogo e il tempo sono infatti gli anni Sessanta nella Londra che ha già scoperto i Beatles e sta per essere travolta dai Rolling Stones, tra i sussulti che esploderanno nel Maggio ‘68, l'urlo di libertà contro la guerra in Vietnam di Allen Ginsberg e della Beat Generation, la musica psichedelica dei Pink Floyd e la voce morbidamente sensuale di Nico che di fi a poco volerà per sempre in America. Studente d'arte che divide negli anni della facoltà il college insieme a Syd Barrett, l'ispiratore dei Pink Floyd, Peter Whitehead opta per gli studi scientifici senza escludere la pittura, una passione speciale per Francis Bacon, la musica, la scrittura. Invece sarà il cinema a catturarlo e quasi per caso. Mentre frequenta i corsi, tra i quali un laboratorio di cinema, viene ingaggiato dalla RAI che aveva bisogno di un cameraman per il suo inviato a Londra. Un'esperienza fondamentale insieme alla scoperta dei grandi maestri del tempo: Antonioni, Bergman e naturalmente Jean-Luc Godard, il regista che ha più influenzato la sua opera, del quale Whitehead ha anche curato la traduzione inglese delle sceneggiature. Il primo film è anch'esso quasi un caso. Armato di una Eclair e di un registratore Nagra, Whitehead riprende l'evento epico del reading alla londinese Albert Hall che raduna su un palco, nel '65, in Europa, tutta la Beat generation di Ginsberg e Ferlinghetti. Il film si chiama Wholly Communion ('65), appassionata e straordinaria sintesi in poco meno di un'ora di un evento durato quattro ore del quale riesce a rendere atmosfera e tensione. È per questo che Andrew Loog Oldman, il manager dei Rolling Stones allora appena agli inizi, lo chiama per girare un film sul tour in Irlanda del gruppo. Charlie is my Darling ('66), dedicato a Charlie Watts, il batterista, è il primo film di una serie che li vede protagonisti - l’ultimo è Shine a Light (2008) di Martin Scorsese. Charlie racconta il suo rapporto con il pubblico e con gli altri Stones, Whitehead gioca tra la loro immagine pubblica già di “cattivi ragazzi” e un backstage ancora “ingenuo”, da studenti della porta accanto. Il film seguente di Whitehead nasce dall'incontro col regista teatrale e drammaturgo Peter Brook: Benefit of the Doubt(‘67) è una feroce critica alla guerra americana in Vietnam - “tutti i miei film parlano dell’America” dice il regista. Le riprese dello spettacolo si mescolano alla vita quotidiana, le interviste agli attori sul loro lavoro rispetto ai personaggi, Peter Brook che parla del dramma. Il montaggio alterna bianco e nero e colore e alcuni critici inglesi lo considerano sulla stessa linea di Partner di Bernardo Bertolucci. Intanto “Time” ha consacrato la definizione di “Swinging London”. Ed è questo il punto di partenza per 7onite Let's all Make Love in London (‘67), titolo “rubato” a un verso di Ginsberg, nel quale Whitehead mescolando immagini di giornali, cartelloni pubblicitari, la gente ripresa in strada, le star, prova a smantellare il mito mediatico evidenziando il conflitto: la repressione, la povertà. L'influenza della Cia nella politica interna britannica. Il flusso segue il sound dei Pink Floyd che aveva già ripreso in concerto nel leggendario club Ufo e in uno studio durante la registrazione di Interstellar Overdrive diventato poi la colonna sonora di Pink Floyd. London 1966/67. Benefit of the Doubt e Tonite Let's all Make Love in London al New York Film Festival. Nel frattempo Whitehead colpito i John Kennedy lavora a una sceneggiatura sul tema dell’omicidio e immagina come un documentario di finzione con protagonista un ossessionato dalla scelta tra militanza politica e gesto rivoluzionario torna negli Stati uniti nel maggio del ‘68 e nel frattempo viene ucciso Luther King. Un mese dopo gli studenti occupano la Columba University New York. Whitehead riesce a entrare, l’unico con la macchina da mano, “documentando” l'occupazione e il violento intervento finale della milizia. Whitehead parte, in America sparano a Bob Kennedy, lui ha il materiale scottante e straordinario. Il montaggio lo occuperà per i mesi successivi diventando The Fall (69) un racconto personale e politico sui fatti. In seguito Whitehead cade in depressione, lascia il cinema ma stavolta per sempre. Ci torna infatti nel '73 con Daddy, fiaba nera nutrita dalle ossessioni che dell'artista Niki de St.Phalle, anche sua fidanzata al momento delle riprese e nel'77 con Fire in the Water, quasi un requiem per gli anni Sessanta il regista rivede le immagini di quel tempo alternandole all’esperienza di comunione con la natura vissuta in parallelo dalla donna che lo accecò (Nathalie Delon, la sua compagna di allora). Intanto Whitehead ha scoperto i falchi, una vecchia passione come la egizia che evocano. Londra sta vivendo un’altra rivoluzione, sono gli anni del punk, di Johnny Rotten e Sid Vicious, Whitehead si sente già altrove via con i suoi uccelli in Arabia Saudita dove rimarrà per tutti gli anni fino alla prima Guerra del Golfo, lavorando in un allevamento di falchi

* [[The Perception of Life]]
* [[Wholly Communion]]
* [[Benefit of the Doubt]]
* [[Rare Rolling Stones film]]
* [[The Beach Boys in London]]
* [[Pop & Rock Films]]
* [[Pink Floyd. London 1966/67]]
* [[Tonite Let's AIl Make Love in London]]
* [[The Fall]]
* [[Led Zeppelin Live at the Royal Albert Hall]]
* [[Daddy]]
* [[Fire in the Water]]
* [[In the Beginning Was the Image: Conversations with Peter Whitehead di Paul Cronin]]

== DIARY AND FAMILY MOVIES ==

* [[Eine Million Kredit ist normal, sagt mein GroBvater]] di Gabriele Mathes
* [[Elle s'appelle Sabine]] di Sandrine Bonnaire
* [[Georg]] di Caterina Klusemann
* [[Impressioni a distanza]] di Luca Ferro
* [[My Olympic Summer]] di Daniel Robin
* [[“Private Century” (serie televisiva)]] di Jan Sikl
* [[Nizky let]] Low Level Flight
* [[SousoSi dedecka Vindy Statuary]] of Granddad Vinda
* [[She's a Boy i Knew]] di Gwen Haworth
* [[Von Hofler Vagyok (Werther Variaciò)]] di Péter Forgàcs
* [[What Stays Moves]] di Albert Elings

=== Le giornate del cinema privato 2008 percorsi originali d'espressione e di memoria ===
Di Luca Ferro, Paolo Simoni, Gianmarco Torri

Le Giornate del cinema privato nascono nel 2005 in occasione di una rassegna/seminario che si è svolta tra Siena, Firenze e Pisa nel novembre dello anno. L'idea che le origina discende da un’ambizione: cogliere il nuovo e l'antico nel cuore della rivoluzione comunicativa che stiamo vivendo. Svelarne le tracce nel passato e individuame i caratteri più stimolanti a seguito dell'ampliarsi ad una vasta platea del privilegio, fino a ieri riservato a pochi, di esprimersi audiovisivamente. Un'evoluzione questa che già ha dato luogo al moltiplicarsi di tematiche e sensibilità direttamente collegate ad eventi, circostanze ed esperienze private. Che ha evidenziato un approccio originale rispetto alla produzione televisiva e cinematografica. Che tende a superare la classificazione amatoriale/professionale e documentario/film sperimentale, e che elabora strategie espressive assai diverse da quelle del cinema documentario e narrativo industriale. In quella prima occasione furono presentate opere di Joseph Morder, Péter Forgàcs, Stan Brakhage, Jonas Mekas, Abraham Ravett, Jay Rosenblatt, Stephen Dwoskin, insieme all'opera di molti altri cineasti italiani e stranieri che mostravano lavori che in modo incidentale o per una precisa vocazione autoriale affrontavano argomenti leg:t' all'ambito personale e familiare (Caterina Klusemann, Michelangelo Buffa. Jan Peters, Alberto Momo, Mauro Santini, Chiara Malta, Giuseppe Baresi, cole Scherg, Elsa Quinette), accanto a una selezione di film di famiglia provenienti da Home Movies/Archivio Nazionale del Film di Famiglia. L'intenzione era quella di fare una prima mappatura di un territorio che, complice la rinnovata leggerezza del video digitale a basso e bassissimo costo (dalle telecamere MiniDV ai telefonini) e l'esplosione di piattaforme di condivisione di materiali audiovisivi online, sembra emergere e affermarsi come uno dei più fecondi, interessanti e indubbiamente consistenti nella produzione audiovisiva contemporanea. Per questo, e per offrire modelli teorici, elementi di riflessione e di elaborazione, siamo andati alla ricerca di una tradizione che ci sembrava presente in filigrana fin dalle origini del cinema e abbiamo cominciato a riannodare, sia in modo empirico radunando una serie di opere e autori, sia con l’aiuto e il contributo di studiosi come Adriano Aprà e Roger Odin, i fili di una produzione che abbiamo proposto di definire “cinema privato”. Nel tentare di precisare la natura e le caratteristiche dell'espressione cinema privato, ci sembra di poter individuare diversi elementi caratterizzanti: una prevalenza di temi legati all'ambito personale; un interesse specifico legato all'indagine o alla ricostruzione della memoria familiare e autobiografica; il desiderio di filmare la propria vita e di riflettere sul rapporto tra la pratica del filmare diaristico e il vissuto quotidiano; una diffusa vocazione ad evidenziare i riflessi degli accadimenti storici sulla vita privata e quelli delle storie private sulla vita pubblica; il non rivolgersi in origine a un pubblico indistinto ma piuttosto a gruppi ristretti e a cerchie limitate di persone intorno a sé; il partire da universi di prossimità e di vicinanza affettiva con le cose e le persone rappresentate nonché con i destinatari delle stesse opere (cerchie familiari, amicali o artistiche); una modalità produttiva indipendente e tendenzialmente autofinanziata, che trae origine da un'esigenza espressiva estremamente intima, che mantiene il controllo totale su ogni fase del lavoro e che si costruisce giorno dopo giorno, costantemente aperta a modifiche, cambiamenti di rotta e continue rielaborazioni dei risultati; un filmare prevalentemente in solitario, in un rapporto privato con la materia cinematografica (la pellicola, i procedimenti chimici, la postproduzione digitale) e con i soggetti delle riprese (famiglie, animali domestici, paesaggi prossimi e quotidiani). Un approccio di questo tipo ha alle spalle tutta la tradizione del cinema propriamente amatoriale e familiare, nonché l’opera di cineasti sperimentali strettamente legati ai formati minori come l'8mm e il Super8, in qualche caso il 16mm (e poi il video analogico). L'idea delle Giornate del cinema privato è in definitiva quella di rileggere, anche alla luce dell'oggi, opere e autori che hanno praticato nel passato recente o lontano un cinema intimo e personale. Opere che tracciano strade anche profondamente divergenti tra loro ma di cui ci interessa individuare alcuni tratti comuni. Nella pratica contemporanea si tratta di realizzazioni indipendenti a basso costo, a volte semplici raccolte di testimonianze filmate o di vecchio girato che finiscono per originare elaborati frutto di un lavoro solitario e dell'incontro tra la videocamera digitale ed alcune sensibili tracce derivate dall'esperienza quotidiana. Ma può trattarsi anche di opere realizzate da autori affermati, professionisti del cinema che tuttavia scelgono, in questo contesto, di spogliarsi delle certezze e delle competenze tecniche acquisite. Che spontaneamente rinunciano alla protezione della macchina cinema. Che si affidano all'imprevedibile spontaneità di uno sguardo che tradisce sentimenti, emozioni, incertezze, esitazioni recuperando la libertà di un discorso dove il senso non è già preordinato. Un cinema che ci propone esiti originali ed inediti anche perché, da sempre, prescinde dall'invasività delle tecniche, dei set, delle troupe, dei formati, delle modalità di scrittura e di distribuzione prevalenti e necessarie nella produzione industriale. Quello che le Giornate del cinema privato si propongono allora, a partire dalla prima edizione, è di indagare, ricostruire, evidenziare, ricomporre il quadro complesso, sfaccettato e differenziato di questa tensione permanente e sfuggente alla pressione dell'industria audiovisiva, sia attraverso realizzazioni a ciò esplicitamente orientate sia attraverso composizioni che rielaborano materiali privati precedenti, propri o altrui, e che solo a posteriori o in seguito a circoStanze talora imprevedibili, si sono imposti come urgenza espressiva al loro autore. La nostra partecipazione al Bellaria Film Festival di quest'anno vuole dunque contribuire - con la proposta di alcune delle opere della sezione internazionale Diary & Family Movies e con un pomeriggio dedicato ad approfondire possibili percorsi e modalità del cinema privato -, a rendere più acuta, radicale e meno episodica la lettura della tendenza diaristica, autobiografica, privata nell'espressione audiovisiva contemporanea (anche nel documentario industriale, televisivo, spesso di ottima qualità, qui rappresentato dall’illuminato progetto “Private Century” della televisione della Repubblica Ceca). Nonostante queste premesse, e proprio perché il cinema privato è ancora lontano dal trovare una sua ultima definizione, trattandosi piuttosto di un arcipelago di autori, opere e percorsi individuali sia pur accomunati da tratti comuni, una delle specificità delle Giornate del cinema privato è quella di essere un luogo di riflessione e di interrogazione costante in cui radunare e raccogliere il contributo di chi, a livello teorico o pratico, ritiene di poter partecipare alla nostra ricerca. Per questo abbiamo creato un sito, in cui raccogliere i materiali prodotti, i punti di vista, gli studi e le riflessioni che di volta in volta ci sembrano tracciare un confine possibile dell'ambito che ci proponiamo di indagare, e su cui di volta in volta ci parrà opportuno fermare la nostra attenzione. Per questo anche quest'anno, come negli incontri del novembre 2005, il pomeriggio del 9 giugno si proporrà come spazio seminariale, in cui confrontare opinioni e punti di vista di autori e studiosi provenienti da ambiti di ricerca molto diversi. Perché il cinema privato ci sembra in ultima istanza un cinema di prossimità, di relazione, di confidenza e di irriducibile autonomia. Dove il mutare della natura dell'oggetto cinematografico si riverbera inevitabilmente sulla posizione dello spettatore chiamato a situarsi, accanto ed assieme al filmmaker, nel mezzo del suo rapporto col mondo.

== EVENTI SPECIALI ==

* [[Gomorra cinque storie brevi (Work in progress)]] di Melania Cacucci
* [[Parole Sante]] di Ascanio Celestini
* [[Era ieri]] di Matteo Parisini
* [[Moy pierre Rivière, ayant égorgé ma mère, ma soeur et mon frere...]] di René Allio
* [[Retour en Normandie]] di Nicolas Philibert
* [[L’invasione del teatro Teatro in piazza a Santarcangelo]] di Carlo Di Carlo
* [[The War on Democracy]] di John Pilger
* [[Il mio paese 2.0]] Il primo progetto documentario UGC
* [[Una storia comune. Donne sull'orlo di un miracolo economico]] di Stefano Bisulli e Roberto Naccari

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2008]]

2008

2025-04-03T13:49:10Z

Thomas: /* PETER WHITEHEAD: CINEMA MUSICA RIVOLUZIONE */

2008

2025-04-03T13:06:53Z

Thomas: /* PROGRAMMA 6 */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini, Associazione Close-Up

=== Direzione ===
[[File:2008 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2008]]Direzione artistica

Fabrizio Grosoli

=== Direzione organizzativa ===
Michela Mercuri

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Cristiana Agostini, Nicoletta Casali, Sara Pierantozzi

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi

=== Catalogo ===
Giorgia Brianzoli, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Lorenzo Mattotti

=== Sigla ===
Alessio Fattori con musica originale di Sergio Loggia

=== Proiezioni ===
Bruno Miselli, Angela Miselli, Ugo Baracchi, Marco Davolio

== PRESENTAZIONE ==
È motivo di grande soddisfazione ritrovarsi anche quest'anno, qui a Bellaria Igea Marina, per festeggiare assieme il cinema italiano Indipendente. Non è un caso se cl riferiamo al cinema italiano tout-court: riteniamo, Infatti, che il documentario, oggi, sia la forma d'espressione cinematografica più adatta (e libera) per raccontare e interpretare i cambiamenti in atto nel mondo. È il cinema della realtà, che, avvicinandoci e mostrandoci senza giudizi precostituiti le cose e i fenomeni di una società che ci appare sempre più frequentemente caotica, insensata, incomprensibile, ci fornisce le chiavi di lettura per riconoscerla, comprenderla, cambiarla. La stessa attualità di queste ore, in qualche modo, sembra confermarcelo: a Cannes hanno ricevuto riconoscimenti importanti due film italiani (di “finzione”, certo, ma) che fanno dell'attenzione verso temi sociali e del linguaggio asciutto mutuato dal cinema della realtà i loro punti di forza: Gomorra e Il divo. Noi a Bellaria Igea Marina abbiamo avuto la fortuna (e forse l'intuito e la capacità di riconoscere | talenti, quando li incrociamo) di aver premiato in passato sia Matteo Garrone che Paolo Sorrentino, vincitori entrambi del Premio Casa Rossa. L'ennesima conferma per un festival come il nostro che vuole essere ancora e sempre “Anteprima”, Detto questo, il menù che il direttore Grosoli ha preparato è talmente ricco, goloso e vario che promette di saziare e soddisfare anche i palati più esigenti: dalle anteprime italiane dei documentari della sezione Diary and Family Movies, alla retrospettiva dedicata ad una icona del documentario musicale (e non solo) come Peter Whitehead; dagli omaggi a due innovatori (nei rispettivi campi) della televisione italiana: Enzo Biagi e Renzo Arbore, all'esplorazione, assieme ad Ascanio Celestini, di una forma nuova di racconto scenico della realtà; dalla riproposta di una stagione particolarmente innovativa nel documentario underground italiano, alla presentazione, con il nuovo concorso CortoDoc, di una nuova modalità di fruizione e distribuzione dei contenuti audiovisivi. Penserà il direttore Grosoli ad esporre meglio tutto; a noi non resta che ringraziare lui e tutti coloro che hanno collaborato alla realizzazione del Bellaria Film Festival e in particolar modo gli enti e le istituzioni che affiancano il Comune di Bellaria Igea Marina nel sostenere la nostra amata AnteprimaDoc.

=== INTRODUZIONE ===
Di Fabrizio Grosoli

Edizione numero 26 del BellariaFilm Festival. La terza che ha per titolo aggiunto: AnteprimaDoc. Arrivati al terzo anno non avvertiamo più l'esigenza di “giustificare” la scelta di campo chiara e netta a favore del cinema documentario. I film del reale sono lì, tra noi; fanno parte integrante della nostra esperienza di spettatori anche se contaminati da una struttura narrativa propria della finzione (che assume di per sé contorni e regole sempre più incerte), anche se “travestiti” da reportage televisivi (e questo perché il solo luogo in cui questi film sembrano non avere ancora uno statuto, un’esistenza riconosciuta, sono le televisioni italiane). Ci preme piuttosto evidenziare una sorta di fil rouge, o di scommessa, che percorre questa edizione del BFF: mostrare il nuovo del cinema documentario e insieme provare a raccontare le radici, i padri occultati e obliati in nome di un visibile sempre più monolitico e invece, a saperli ritrovare, carichi di tesori. Il nuovo è già riassunto dai 3 concorsi, dove non troverete tracce di esperanto televisivo standardizzato ma solo percorsi fortemente personali, anche se a volte esitanti e privi di sicurezze estetiche: AnteprimaDoc, dove ritroviamo i nomi di filmmaker che già abbiamo accompagnato davanti al pubblico in passato insieme a quelli di giovani sul talento dei quali vogliamo puntare ora; Premio Casa Rossa Doc che è ormai il riconoscimento più autentico dell’eccellenza nel settore, grazie a un vero e proprio referendum che segnala i 10 migliori film della stagione; CortoDoc, che è in qualche modo il nuovo del nuovo, a partire dal fatto che si tratta di una prima assoluta per il BFF. In questo caso l’idea di dedicare uno spazio specifico ai documentari fino a 10 minuti nasce anche dalla constatazione che esiste una ritrovata attenzione per le forme corte proprio da parte dei new media (tv internet, video on demand, tv user generated ecc.). E la volontà di stabilire e incrementare un possibile accesso dei filmmaker a un mercato così instabile e volatile come quello della non fiction creativa è da sempre una delle ambizioni del nostro festival. Sull’altro fronte, quello della riscoperta di un passato glorioso e soprattutto pedagogicamente attuale, non potevamo restare insensibili di fronte alle suggestioni di due anniversari: il '68, su cui tutto e troppo è stato detto, ma in tempi recenti con una sospetta e superficiale inclinazione revisionista, e il '78, che rappresenta — a partire dai tragici fatti di quell’anno nel nostro paese — proprio la fine, o l’inizio della fine, del movimento iniziato dieci anni prima aprendo così una nuova stagione sociale e culturale ancora tutto sommato poco indagata. Tra i cineasti che hanno non soltanto “interpretato”, ma letteralmente inventato le tensioni ed esplosioni creative del ’68 fino a imporne l'iconografia stessa, un posto certo non marginale occupa Peter Whitehead. Artista eccentrico quanto anti-intellettuale (il suo rapporto con il cinema è ripreso soltanto oggi, a trent'anni di distanza dal suo ultimo film), Whitehead ha non solo firmato due opere-manifesto, una sulla swinging London (Tonite Let's All Make Love in London) e l’altra sulle rivolte studentesche USA (The Fal), ma nel contempo ha contribuito a costruire l’immagine delle rock band dei sixties, Rolling Stones in primis, creando tra l’altro dal nulla l'estetica delle clip musicali ben prima dell'era video. Certo non possiamo attribuire al BFF la “riscoperta” di Whitehead, i suoi film stanno circolando da qualche tempo nei più innovativi festival internazionali. Ma è in ogni caso per noi motivo d'orgoglio presentare - insieme al Biografilm Festival, partner dell'iniziativa come già avvenne felicemente lo scorso anno per la retrospettiva Pennebaker - per la prima volta in Italia l'integrale del cineasta britannico (incluso il mitico e raro film sui Rolling Stones, bloccato fino ad oggi da una controversia con il manager del gruppo), nonché l'aver realizzato quella che è forse la prima monografia al mondo a lui dedicata (editore Derive & Approdi, a cura di Laura Buffoni e Cristina Piccino). Il '68 ritorna poi nelle tradizionali retrospettive sul documentario italiano, anche se attraverso una piccola selezione che volutamente non tocca i film apertamente militanti ma si concentra invece su meno note sperimentazioni dal tono autobiografico e diaristico inquadrate all’epoca nella cultura underground. In coerenza del resto con la ricerca che il BFF sta portando avanti da tre anni su questi temi e che si concretizza sia nella selezione internazionale che abbiamo chiamato Diary and Family Movies sia nel workshop sul riutilizzo dei film di famiglia nel cinema di oggi organizzato dall’Associazione Home Movies. E in fondo può essere considerata un’ulteriore conferma della vitalità espressiva degli anni Sessanta - non sembri riduttivo affermarlo - anche l'essenziale omaggio ad Enzo Biagi curato per noi dal suo amico e collaboratore Loris Mazzetti, dove emerge la figura di un Biagi non solo grandissimo giornalista (in questo caso) televisivo, ma straordinario documentarista tout court, inventore di un linguaggio spoglio ed estremamente efficace nelle inchieste memorabili dell’epoca. Quando si è trattato invece di riandare con la memoria al 1978, da subito si è fatta strada l’idea di rendere omaggio non a un film (come voleva la tradizione bellariese della Festa di Compleanno), ma alla Tv del periodo. Alla fine degli anni settanta la RAI non si era ancora omologata alla concorrenza delle Tv private come sarebbe avvenuto di lì a poco e c’era ancora spazio per produzioni sperimentali e palinsesti decisamente non convenzionali. Di quell'epoca abbiamo scelto solo due esempi, ma fortemente significativi. Da una parte le 5 puntate di La Macchina Cinema, il colossale documentario che ora ci appare con evidenza come la geniale testimonianza su un grande cinema in via di disfacimento come era allora quello italiano, firmato dal quartetto di per sé d'eccezione Bellocchio, Petraglia, Rulli, Agosti. Dall'altra uno dei programmi più innovativi e trasgressivi della storia della Tv italiana, L'Altra Domenica, che stravolgeva radicalmente le regole dell’intrattenimento televisivo facendosene beffe allegramente e che lanciò sotto la guida di un conduttore come Renzo Arbore una serie di giovani talenti tra cui il “critico cinematografico” Roberto Benigni. E’ grazie alla collaborazione reale dei canali Rai Sat (anche quest'anno sostenitori del BFF) e all'impegno personale del suo presidente Carlo Freccero, che durante il festival sarà possibile ricostruire il clima irripetibile di quell’esperienza di spettacolo in una serata live alla presenza di Arbore e di gran parte della sua “banda” d’allora. Resta da dire che quest'anno molto spazio è concesso anche a ciò che va oltre il momento della proiezione. Tutte le mattine saranno dedicate essenzialmente ad incontri sullo “stato delle cose” del documentario di oggi. L'ultima, quella di lunedì 9, sarà affidata a uno dei grandi del cinema del reale internazionale, Nicolas Philibert, che racconterà del rapporto tra autobiografia e soggetto filmato sulla base dell'esperienza del suo ultimo film Retour en Normandie a sua volta originato dal Moi, Pierre Rivière.... di René Allio del 1976. Le altre mattinate - organizzate in stretta collaborazione con gli amici della D.E-R e di Doc/It , le associazioni di categoria più importanti nel nostro territorio - vogliono fare il punto su questioni aperte: il ruolo dei festival per gli autori e il mercato, l’insegnamento del documentario tra scuola di base, università e corsi professionali, il rapporto tra scrittori che si muovono tra reportage e finzione e cineasti. In fondo, alla base di queste iniziative c'è il fatto che il BFF vuole sempre di più essere il luogo in cui “naturalmente” possano trovare a confrontarsi tutti coloro che al cinema del reale dedicano passione, lavoro, creatività o anche semplice intensa attenzione di spettatori. Il nostro obiettivo più desiderato sarà raggiunto se anche quest'anno Bellaria avrà saputo essere, per tutti una, accogliente, “Casa” del documentario.

== CONCORSO ANTEPRIMADOC ==

=== La giuria ===

* '''Ascanio Celestini''' è nato a Roma nel 1972. I suoi spettacoli teatrali sono legati ad un lavoro di ricerca sul campo e indagano nella memoria di eventi e questioni legate alla storia recente e all'immaginario collettivo. La sua scrittura nasce sempre da un lavoro di indagine condotta attraverso lunghi periodi di interviste e di laboratori. Del 2000 sono Radio Clandestina e Cecafumo, del 2002 Fabbrica. Scemo di Guerra ha debuttato nel 2004 alla Biennale di Venezia. La Pecora Nera nel 2005. Nel 2004 ha girato il documentario Senza Paura e nel 2007 Parole Sante, presentato al BFF 2008. Ha lavorato a Radio3, mentre in ottobre ha partecipato al programma “Parla con me” di RAI3. Con Donzelli Editore ha pubblicato Cecafumo, Fabbrica e il libro-dvd Radio Clandestina. Con Einaudi il romanzo Storie di uno scemo di Guerra, La Pecora Nera e il libro-Dvd Scemo di Guerra. È stato attore e autore nella trasmissione “La storia siamo noi”. Attualmente sta portando in toumée Appunti per un film sulla lotta di classe. Il cd Parole sante (Ascanio Celestini, voce; Roberto Boarini, violoncello; Gianluca Casadei, fisarmonica; Matteo D'Agostino Chitarra) ha vinto il Premio Ciampi 2007 come Miglior debutto discografico dell’anno.

* '''Guido Chiesa''' è nato a Torino nel 1959. Terminata l’Università, si e trasferito negli Stati Uniti dove negli anni Ottanta ha lavorato con Jim Jarmusch, Amos Poe, Michael Cimino e realizzato diversi cortometraggi, videoclip e lavori televisivi. Tornato in Italia, esordisce alla regia cinematografica con il lungometraggio Il caso Martello (1991). Alterna lavori di fiction e documentari. Tra i suoi film Babylon (1994), Materiale resistente (1995), Non mi basta mai (2000, coregia di Daniele Vicari), Una questione privata: vita di Giuseppe Fenoglio (1998), Il partigiano Johnny (2000), Alice è in paradiso (2002), Lavorare con lentezza (2004), Stessa spiaggia, stesso mare (2006), Kishe lone - La nostra chiesa (2007) e Le pere di Adamo, in concorso Premio Casa Rossa al BFF 2008. Per Sky Cinema ha realizzato quest'anno la serie “Quo Vadis Baby?”.

* '''Gabriella Gallozzi''' è nata a Roma, dove vive e lavora. Giornalista de “l'Unità”. Dalla fine degli anni Ottanta si occupa di spettacoli e, in particolare, di cinema che segue anche da inviata ai festival di Cannes e Venezia. Per RAI3 ha collaborato con “Storie vere”, firmando il documentario Le ragazze della Nuova Polonia e come consulente per il programma “La base”. Attualmente sta realizzando, in collaborazione con l'Associazione Antonello Branca, un archivio per la raccolta delle videotestimonianze di tutte le partigiane italiane, “Voci di donne dalla resistenza”.

* '''Francesco Piccolo''' è nato a Caserta nel 1964. Vive e lavora a Roma. Ha pubblicato Scrivere è un tic. I metodi degli scrittori (1994, edizioni minimum fax, ristampato nel 2006), Storie di primogeniti e figli unici (1996, Premio Berto e Premio Chiara), E se c'ero, dormivo (1998), Il tempo imperfetto (2000), Allegro occidentale (2003, finalista Premio Strega), tutti editi da Feltrinelli. Nel 2007 ha pubblicato L'Italia spensierata (Laterza). Collabora con vari quotidiani e riviste, tra cui “la Repubblica” e “Diario”. Per il cinema ha scritto sceneggiature per Paolo Virzì (My name is Tanino, Renato De Maria (Paz), Michele Placido (Ovunque se), Silvio Soldini (Giorni e Nuvole), Nanni Moretti (/ caimano) e Antonello Grimaldi (Caos calmo). Cura il laboratorio di sceneggiatura al D.A.M.S. della terza Università di Roma.

* '''Alba Rohrwacher''' è nata a Firenze. Si è formata artisticamente all’Actors Studio. Nel 2003 si è diplomata al Centro Sperimentale di Cinematografia. Il suo debutto. l cinematografico è del 2004, nel film di Carlo Mazzacurati L'amore ritrovato. Nel 2005 recita per Luca Guadagnino È in Melissa P, nel 2007 si fa notare nel film di Daniele Luchetti Mio fratello è figlio unico, dove interpreta la sorella di Elio Germano e Riccardo Scamarcio. Il 2007 è un anno importante per la sua carriera sempre più in ascesa, infatti partecipa a Piano, solo di Riccardo Milani ed interpreta la figlia di Antonio Albanese e Margherita Buy in Giorni e nuvole di Silvio Soldini, ruolo per cui riceve il David di Donatello 2008 come migliore attrice non protagonista. Nel 2008 partecipa al film Riprendimi di Anna Negri, presentato al Sundance Film Festival, a Caos calmo di Antonello Grimaldi e a // padre di Giovanna di Pupi Avati.

=== Film ===

* [[Il cammino del guerriero]] di Andreas Pichler
* [[Dimmi qual è il colore del cielo]] di Marco Pozzi
* [[Doble Forza Re: centering Periphery 01. Alamar. Cuba]] di Ogino Knauss
* [[L'Été à Zedelbeek]] di Chiara Malta
* [[Gancho Cruzado]] di Frediana Fornari
* [[L'Italia chiamò]] di Leonardo Brogioni, Angelo Miotto, Matteo Scanni
* [[Memoria Esterna]] di ZimmerFrei
* [[Nera - not the promised land]] di Andrea Deaglio
* [[Sgomberi]] di Michael Beltrami
* [[Il terrorista]] di César Meneghetti
* [[Tradurre]] di Pier Paolo Giarolo
* [[Tramas]] di Augusto Contento
* [[Welcome Bucarest]] di Claudio Giovannesi
* [[Lo Zio Sem e il sogno bosniaco]] di Chiara Brambilla

== PREMIO CASA ROSSA DOC ==

* [[ABC Colombia]] di Enrica Colusso
* [[Biùtiful cauntri]] di Esmeralda Calabria, Andrea D'Ambrosio e Giuseppe Ruggiero
* [[Ghiro Ghiro tondo]] di Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi
* [[Houcine - OPV, i diari del ritorno]] di Leonardo Di Costanzo
* [[Imatra - Confini d'Europa #3]] di Corso Salani
* [[Improvvisamente l'inverno scorso]] di Gustav Hofer e Luca Ragazzi
* [[Il passaggio della linea]] di Pietro Marcello
* [[Le pere di Adamo]] di Guido Chiesa
* [[I promessi sposi]] di Massimo D'Anolfi e Martina Parenti
* [[Vogliamo anche le rose]] di Alina Marazzi

== CONCORSO CORTODOC ==

* 37 kg di Maurizio Failli
* A piedi sul filo di Enrica Andreetto
* Ain't no Sunshine di Silvio Canini
* Alda di Ricky Farina
* Arte è potere? di Giuseppe Carrieri
* Black Cross Bowl di Invernomuto
* Derivazioni di Stefania Rossi
* Era della ruggine di Esteban Vivaldi
* Le fotografie di Leonilda (Pamparato) di Mario Garofalo
* Il frutto della speranza di Massimiliano Mazzotti
* Un gradino sopra di Alessandro Ceccarelli
* Nato segreta di Vincenzo Frenda
* Senza perdere la tenerezza di Francesca Balbo
* Il viaggio di Antonio Puhalovich
* Le voci di Amerigo (Bajo Dora) di Elena Brusisco, Daniel Ruffino

== 1968. DIARI DI VIAGGIO ==

=== PROGRAMMA 1 ===

* [[Bis]] di Paolo Brunatto
* [[A Charlie Parker]] di Leo De Berardinis, Perla Peragallo

=== PROGRAMMA 2 ===

* [[Fiore d’eringio]] di Massimo Bacigalupo

=== PROGRAMMA 3 ===

* [[Se l'inconscio si rivela/ribella]] di Alfredo Leonardi
* [[Libro dei Santi di Roma eterna]] di Alfredo Leonardi
* [[Occhio privato sul nuovo mondo]] di Alfredo Leonardi

=== PROGRAMMA 4 ===

* [[La favolosa storia]] di Tonino De Bernardi

=== PROGRAMMA 5 ===

* [[Lsd]] di Romano Scavolini
* [[Vieni dolce morte (dell’ego)]] di Paolo Brunatto

=== PROGRAMMA 6 ===

* [[Fractions of Temporary Period ovvero Plans-séquences per una bambina]] di Piero Bargellini
* [[X chiama Y]] di Mario Masini

== FESTA DI COMPLEANNO: LA MACCHINA CINEMA ==

* [[La macchina cinema]] di Silvano Agosti, Marco Bellocchio, Sandro Petraglia, Stefano Rulli

'''Silvano Agosti''' è nato a Brescia nel 1938. Si diploma all'Istituto Magistrale e parte per Londra: vuole vedere la casa dove è nato Charlie Chaplin. Prosegue il suo viaggio alla scoperta del mondo, vivendo in Inghilterra, in Francia, in Germania e infine parte a piedi, come un pellegrino medioevale, per visitare tutto il Medio Oriente e l'Africa del nord. Nel 1960 si iscrive al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma, dove si diploma nel 1962, vincendo il Ciak d'oro con il cortometraggio La veglia. Nel 1963 a Mosca, si specializza sull'opera di Ejzenstejn. Dopo aver lavorato con Marco Bellocchio alla sceneggiatura, ai dialoghi e al montaggio de / pugni in tasca, nel 1967 esordisce alla regia col lungometraggio // giardino delle delizie. Nel 1975 dirige con Marco Bellocchio, Sandro Petraglia e Stefano Rulli Matti da slegare - Nessuno o tutti. Dal 1976 al 1978 è docente di montaggio al Centro Sperimentale di Cinematografia, intorno agli anni Ottanta inizia la sua attività letteraria. A partire dal 2003, la sua sala cinematografica, Azzurro Scipioni, nel quartiere Prati, diviene un punto di riferimento per i film d'arte e per quelli impegnati. Filmografia (selezione): // giardino delle delizie (1967), N.P. - Il segreto (1971), Matti da slegare - Nessuno o tutti (1975), Nel più alto dei cieli (1977), La macchina cinema (1978), Quartiere (1987), Uova di garofano (1991), L'uomo proiettile (1995), La seconda ombra (1999), La ragione pura (2001).

'''Marco Bellocchio''' è nato a Piacenza nel 1939. Completati gli studi presso istituti religiosi, si iscrive alla facoltà di Filosofia della Cattolica di Milano. Nel 1959 si trasferisce a Roma per frequentare il Centro Sperimentale di Cinematografia. Dopo aver diretto i cortometraggi Abbasso il zio (1961), La colpa e la pena (1961) e Ginepro fatto uomo (1962), segue i corsi di cinema della Slade School of Fine Arts di Londra. Esordisce nella regia con il lungometraggio / pugni in tasca (1965). Due anni dopo mette sotto accusa i mali della società borghese in La Cina è vicina (1967); in questi tempi il suo nome viene sempre più accostato a quello di un altro illustre emiliano,

'''Bernardo Bertolucci.''' Considerato uno dei registi italiani più politicamente impegnati, negli anni Settanta si spinge all’interno delle istituzioni per denunciare violenze, soprusi ed ingiustizie: un collegio (Me/ nome del padre, 1972), il manicomio (Matti da slegare - Nessuno o tutti, 1975), o l'ambiente militare (Marcia trionfale, 1976). Il conflitto sembra proseguire anche nell’ambito della sua vita privata. A metà degli anni Ottanta è molto criticato per essersi fatto affiancare dal suo psicanalista Massimo Fagioli durante la lavorazione de // diavolo in corpo (1986). In seguito, sempre con Fagioli, si avvia verso un lungo periodo di esplorazione cinematografica dell'inconscio. Con il nuovo millennio, torna a rivolgere la sua attenzione al presente: L'ora di religione (2001), Buongiorno, notte (2003) e /l regista di matrimoni (2006). Nel 2008 gira Vincere.Filmografia: I pugni in tasca (1965), La colpa e la pena (1965), La Cina è vicina (1967), Amore e rabbia (1969), Viva il 1° maggio rosso proletario (1969), Il popolo calabrese ha rialzato la testa - Paola (1969), Nel nome del padre (1972), Sbatti il mostro in prima pagina (1973), Matti da slegare - Nessuno o tutti (1976), Marcia trionfale (1976), Il gabbiano (1977), La macchina cinema (1978), Salto nel vuoto (1979), Vacanze in Val Trebbia (1978-1980), Gli occhi, la bocca (1982), Enrico IV (1984), Il diavolo in corpo (1986), La visione del Sabba (1988), La condanna (1990), Il sogno della farfalla(1994), Sogni infranti - Ragionamenti e deliri (1995), Il principe di Homburg (1997), Elena (1997), La religione della storia (1998), La balia (1999), Un altro mondo è possibile (2001), L'ora di religione - Il sorriso di mia madre (2002), Addio del passato... (2002),A un millimetro dal cuore (2002), Buongiorno, notte (2003), Il regista di matrimoni (2006), Vincere (2008).

'''Sandro Petraglia''' è nato a Roma nel 1947. Si è laureato in filosofia. Ha iniziato la sua carriera nel cinema da critico, poi come regista e successivamente sceneggiatore. Nel 1975, con Silvano Agosti, Marco Bellocchio e Stefano Rulli ha realizzato il film Matti da slegare - Nessuno o tutti e nel 1978 La macchina cinema. Firma la regia anche diIl mondo dentro (1979) e Gran serata futurista (1981). Lavora molto per la televisione, scrivendo di frequente insieme a Stefano Rulli. La coppia di sceneggiatori si ritrova molto spesso anche nel mondo del cinema: Il gabbiano di Marco Bellocchio, Bianca di Nanni Moretti, Dolce assenza di Claudio Sestieri, Giulia e Giulia e Etoile di Peter Del Monte, Mery per sempre di Marco Risi, Domani accadrà di Daniele Luchetti, Pummarò di Michele Placido, Il muro di gomma di Marco Risi, Il portaborse di Daniele Luchetti, Il ladro di bambini di Gianni Amelio, Ambrogio di Wilma Labate, Arriva /a bufera di Daniele Luchetti, Fiorile di Paolo e Vittorio Taviani, Il toro di Carlo Mazzacurati, Poliziotti di Giulio Base, La scuola di Daniele Luchetti, Pasolini, un delitto Italiano di Marco Tullio Giordana, Vesna va veloce di Carlo Mazzacurati, La mia generazione di Wilma Labate, Marianna Ucrìa di Roberto Faenza, La tregua di Francesco Rosi, I piccoli maestri di Daniele Luchetti, La guerra degli Antò di Riccardo Milani, L'amante perduto di Roberto Faenza, Domenica di Wilma Labate, La meglio gioventù di Marco Tullio Giordana, Le chiavi di casa di Gianni Amelio, Romanzo Criminale di Michele Placido, Mio fratello è figlio unico di Daniele Luchetti, La Ragazza del lago di Andrea Molaioli per il quale ha vinto il David di Donatello. Filmografia: Matti da slegare - Nessuno o tutti (1975), La macchina cinema (1978), Il mondo dentro (1979), Gran serata futurista (1981).

'''Stefano Rulli''' è nato a Roma nel 1949. Laureatosi in lettere con una tesi su Neorealismo e critica cinematografica, organizza nel 1974 per la Mostra del Nuovo Cinema di Pesaro il convegno sul neorealismo. In questo periodo pubblica Polansky (Nuova Italia, Castoro, 1975) e collabora alle riviste “Ombre Rosse”, “Scena”, “Quaderni piacentini”, “Essai”, “Cinema sessanta”. Nel 1975 con Marco Bellocchio, Silvano Agosti e Sandro Petraglia, realizza Matti da slegare - Nessuno o tutti e nel 1978 La macchina cinema. Risalgono a questi anni le sue prime sceneggiature: Nel più alto dei cieli di Silvano Agosti e Il gabbiano di Marco Bellocchio. Insieme a Sandro Petraglia realizza una sorta di trilogia sulle borgate romane: Il pane e le mele (1980), Settecamini da Roma (1981) e Lunario d'inverno (1982) e moltissimi altri lavori per la televisione tra cui gli episodi 4, 5 e 6 de La Piovra. Per il cinema ha scritto, spesso in coppia con Petraglia: La donna del traghetto di Amedeo Fago, Mery per sempre di Marco Risi, Pummarò di Michele Placido, Il portaborse di Daniele Luchetti, Muro di gomma di Marco Risi, Il ladro di bambini di Gianni Amelio, Arriva la bufera di Daniele Luchetti, Il Toro di Carlo Mazzacurati, La Scuola di Daniele Luchetti, Pasolini, un delitto Italiano di Marco Tullio Giordana, Vesna va veloce di Carlo Mazzacurati, La tregua di Francesco Rosi, Auguri professore di Riccardo Milani, I piccoli maestri di Daniele Luchetti, Le chiavi di casa di Gianni Amelio, Romanzo Criminale di Michele Placido, Mio fratello è figlio unico di Daniele Luchetti. Dal 1990 si occupa di progetti sociali legati alla malattia mentale e nel 1998 crea insieme a Clara Sereni la fondazione “La città del Sole”. Nel 2004 realizza il documentario da lui scritto, diretto e interpretato, Un silenzio particolare. Filmografia: Matti da slegare - Nessuno o tutti (1975), La macchina cinema (1978), Un silenzio particolare (2004).

== ARBORE E QUELLI DELL'ALTRA DOMENICA ==
Renzo Arbore e il suo talento hanno segnato la storia della radio e della televisione italiana. Come ha scritto Aldo Grasso: “Arbore può essere considerato quella coscienza mediologica della televisione di cui spesso si sente la mancanza, si è dimostrato il solo capace di ricomporre la frammentarietà del mez20 e di afferrarne la natura eterogenea. Ha fatto televisione sapendo che essa è anche radio, cinema, teatro, giornale”. E infatti nei suoi decenni di carriera fortunatissima, caratterizzata anche dalla scelta pervicace di non inflazionare mai se stesso, è stato protagonista incontrastato e grande innovatore di radio, televisione, cinema, musica. Basta scorrere velocemente la biografia artistica di Arbore per comprendere quale sia stata la sua portata nel panorama dello show business di ieri e di oggi. Certo, la prima immagine che può venire alla mente è quella del conduttore televisivo o dell’agitatore di masse con la musica della sua Orchestra Italiana, ma Arbore è stato ed è molto di più, passando per il cinema, fatto con impronta personalissima, l'amore per ogni genere di musica e la sua personalità aperta, che alterna con divertimento e geniale leggerezza “alto” e popolare, amore per Napoli e il mandolino con il jazz e l'America. In coppia con Gianni Boncompagni firma dapprima una serie di trasmissioni radiofoniche che resteranno negli annali e che saranno di ispirazione per generazioni di autori e disc-jockey: nel 1965 “Bandiera gialla” (ideata con Adriano Mazzoletti) che fu anche una rubrica del “Radiocorriere Tv” firmata dallo stesso Arbore per parecchi anni; nel 1966 (con Enrico Roda) “Per voi giovani”, in cui viene dato spazio all'emergente cultura giovanile. Un clamoroso successo fu, in radio, la trasmissione “Alto gradimento”, anch'essa condotta con il sodale Boncompagni, esilarante galleria di personaggi che si alternavano alla messa in onda di musica internazionale, che Arbore stesso (entrato in RAI come programmatore musicale) scovava. Una trasmissione geniale, che realizzò indici di ascolto impensabili, creando tormentoni comici che per anni rimasero nella mente e nei modi di dire della gente. La prima puntata andò in onda il 7 luglio 1970, dalle 13 alle 14, e così sarà per oltre sei anni. Al fianco di Arbore e di Boncompagni c'erano Giorgio Bracardi e Mario Marenco. L'idea nacque da un film americano degli anni Quaranta, Helzapoppin' di Henry G.Potter, una successione ininterrotta di battute e situazioni demenziali e anticonvenzionali. Max Vinella, il colonnello Buttiglione, Scarpantibus, la Sgarambona, il professor Aristogitone, lo studente Verzo, il tenente Catenacci entrarono nell'immaginario collettivo. “Alto gradimento” fu una stralunata dissacrazione delle regole della radio, della pubblicità di prodotti inesistenti e surreali, del ricorso sistematico alla tecnica del tormentone. Divenne un fenomeno di costume, il modello di tutte le radio libere nate negli anni Settanta, e tuttora influenza moltissimi programmi radiofonici. Nel 1969 Arbore inizia la carriera televisiva; quegli anni caldi, di contestazione, gli ispirarono “Speciale per voi”, programma musicale che tenne a battesimo nomi come Lucio Battisti. Per la prima volta famosi cantanti venivano messi sotto il fuoco incrociato di domande e osservazioni, anche cattive, da parte del pubblico in sala. E' il primo talk-show della televisione italiana. Poi arrivò “L'altra domenica”... e ancora “Tagli, ritagli e frattaglie”, “Telepatria International”, “Cari amici, vicini e lontani”, in un - ancora una volta innovativo - connubio fra radio e Tv e nel 1985 “Quelli della notte”, che inaugura la “seconda serata”, in cui Arbore si trova a proprio agio al punto di diventarne un assiduo frequentatore. La trasmissione è il trionfo dell’improvvisazione al suo stato più alto, imponendo uno stile nuovo, in cui i protagonisti nel salotto chiacchierano a ruota libera seguendo un filone decretato dal tema della puntata, sfociando in una comicità improvvisata ed improvvisa. Satira dei dilaganti salotti televisivi, lanciò Nino Frassica nelle vesti di Frate Antonio da Scasazza che con i suoi sproloqui fece divertire mezza Italia. E poi Riccardo Pazzaglia il filosofo partenopeo, Massimo Catalano l’intellettuale viveur, Maurizio Ferrini commerciante romagnolo di pedalò, Simona Marchini romantica sognatrice, Marisa Laurito cugina in attesa perenne del fidanzato. Tornarono poi Marenco, Andy Luotto, tutti orchestrati da Arbore, grande trascinatore. La trasmissione segnò un’epoca e i tormentoni e le battute entrarono nel gergo quotidiano. A riprova del fenomeno, l’album con le musiche della trasmissione vendette 500.000 copie. Nel 1987 parte la striscia quotidiana di “D.0.C.”, programma musicale con Gegè Telesforo e Monica Nannini, che Arbore collocherà un anno dopo nella fascia oraria notturna a lui prediletta nella trasmissione dal titolo “International D.O.C. Club”. Ma questo è soprattutto l’anno di “Indietro tutta”, programma satirico in cui Arbore è ammiraglio di questa nave che naviga all'indietro, coadiuvato, nelle 65 puntate quotidiane, dal “bravo presentatore” Nino Frassica. Il programma stigmatizzava l’invadenza della televisione di tipo commerciale, ridicolizzandone usi e costumi; c'erano le ballerine brasiliane del Cacao Meravigliao, che rappresentavano un surreale sponsor (ma la gente lo chiedeva davvero nei negozi) e le Ragazze Coccodè, un ridicolo corpo di ballo. Ancora accanto ad Arbore, Marenco che impersonava Riccardino, un bambino dispettoso che con tanto di grembiule e cartella passava il tempo a rincorrere il cane Fiocco; il maestro Mazza era a capo dell'orchestra Mamma li Turchi, Francesco Paolantoni era Cupido, appeso all’altalena e intento a lanciare frecce che non andavano mai a segno, Fulvio Falzarano il gonghista. La scenografia rappresentava una nave e Arbore era attorniato da due ragazze che rappresentavano Miss Nord e Miss Sud (Nina Soldano e una giovanissima Maria Grazia Cucinotta). Nel 1990 conduce “Il caso Sanremo”, dove in un processo simulato è giudice su fatti e misfatti della storia canora sanremese attorniato da una improbabile corte e avvocati interpretati da Michele Mirabella e Lino Banfi. Due anni dopo rende omaggio in Tv a Totò con “Caro Totò... ti voglio presentare”. Nel 1996 conduce per 22 ore “La giostra”, in diretta via satellite per Rai International di cui è diventato direttore artistico e testimonial. Il 22 gennaio 2005 il grande ritorno televisivo con “Speciale per me”, ovvero “Meno siamo, meglio stiamo”, in compagnia di Marisa Laurito, Michele Mirabella, il maestro Leo di San Felice e il presentatore Stornaiuolo, tanti ospiti e spezzoni televisivi e cinematografici. Un programma (fascia notturna) in cui i televisivamente “maleducati” spettatori di oggi ascoltano musica jazz, tra una battuta e un’altra, passando per la rivisitazione di reperti televisivi dispersi di artisti che hanno caratterizzato la televisione italiana. Di nuovo un grande successo, con il 25% di share. C'è anche un programma Tv dove Arbore non compare fisicamente: è “Marisa la Nuit”, dove è voce fuori campo per la Laurito. Evidente l'ispirazione di questo modo di fare televisione in successivi programmi di successo, che poi saranno un marchio della Gialappa's Band.

=== IL CINEMA ===
Arbore ha frequentato anche, in varie vesti, il grande schermo: la prima esperienza cinematografica, risalente al 1971, è come attore nel film Giù /a testa... hombre, per la regia di Demofilo Fidani. Lo stesso anno, sempre per la regia di Fidani, interpreta uno sceriffo nel film Per una bara piena di dollari. Nel 1981, scrive, dirige ed interpreta // Pap'occhio, una satira che mischia il sacro e il profano. Assieme ad Arbore e a Benigni, fanno parte del cast del film Mariangela Melato, Andy Luotto, Isabella Rossellini, Diego Abatantuono, Silvia Annichiarico, Luciano De Crescenzo (autore con Arbore della sceneggiatura), Le Sorelle Bandiera. In questo film il Papa, convinto di voler rimodernare il linguaggio della Chiesa, contatta Arbore per fargli dirigere un programma musicale nel nuovo canale televisivo del Vaticano. Arbore accetta, chiamando a sé tutta la sua “sacra famiglia" di collaboratori con i quali invade il palazzo papale. Cantato come un musical, colmo di citazioni (tra cui Prova d'orchestra, di Fellini), è anche un omaggio alla letteratura italiana (Dante), alla cultura dello spettacolo e dell'intrattenimento americano (musical), ed è una divertentissima messa in scena delle più celebri tappe della storia di Gesù, dall'Ultima Cena al tradimento di Giuda per trenta gettoni, dal gallo che canta, sino alla presenza di Dio in persona. È anche l'unico film italiano che gode della partecipazione straordinaria di Martin Scorsese (all'epoca in cui fu girata la pellicola, marito di Isabella Rossellini). Il film venne ritirato dalle sale per una discussa sentenza di un tribunale che vide nel film espliciti attacchi al Vaticano; ne fu disposto il sequestro per vilipendio della religione di Stato nel momento del suo maggior successo. Fu ridistribuito solo nel 1998, e dopo che Benigni ottenne tre premi Oscar. Le scene d'interni furono girate nella Reggia di Caserta. La fotografia appartiene a Luciano Tovoli, lo stesso direttore di Professione: reporter (1975) di Michelangelo Antonioni e di diversi film di Dario Argento. Un'altra interpretazione da attore un anno dopo in Quasi quasi mi sposo per la regia di Vittorio Sindoni; poi cura le musiche, nel 1985, di // mistero di BellaviSta, scritto e diretto da Luciano De Crescenzo. Il 1983 è l'anno di FF.SS, Cioè: che mi hai portato a fare sopra a Posillipo se non mi vuoi più bene?. Un film di un umorismo innovativo, e vitalissimo, che alterna parodia e satira, dialetto e lingua, comicità e invenzioni visive, come sottolineò all'epoca anche Morando Morandini; Arbore ne firma la regia e la sceneggiatura, oltre ad interpretare Onliù Caporetto, che promuove le gesta canore di una talentuosa ragazza (Lucia, interpretata da Pietra Montecorvino) e percorrerà assieme a lei tutti i gradini fino ad arrivare ad affermarsi al Festival di Sanremo. Compare ancora come attore in L'odore della pioggia di Nico Cirasola (1989) e in Il fratello minore di Stefano Gigli (2000).

* L'altra domenica
* Il Pap'occhio di Renzo Arbore

== PETER WHITEHEAD: CINEMA MUSICA RIVOLUZIONE ==
Essere nel posto giusto al momento giusto. Per Peter Whitehead nato anche Lorrimer - la parte del cognome che diventerà il “logo” della sua casa di produzione - la scommessa era difficile ma anche irresistibile. Il luogo e il tempo sono infatti gli anni Sessanta nella Londra che ha già scoperto i Beatles e sta per essere travolta dai Rolling Stones, tra i sussulti che esploderanno nel Maggio ‘68, l'urlo di libertà contro la guerra in Vietnam di Allen Ginsberg e della Beat Generation, la musica psichedelica dei Pink Floyd e la voce morbidamente sensuale di Nico che di fi a poco volerà per sempre in America. Studente d'arte che divide negli anni della facoltà il college insieme a Syd Barrett, l'ispiratore dei Pink Floyd, Peter Whitehead opta per gli studi scientifici senza escludere la pittura, una passione speciale per Francis Bacon, la musica, la scrittura. Invece sarà il cinema a catturarlo e quasi per caso. Mentre frequenta i corsi, tra i quali un laboratorio di cinema, viene ingaggiato dalla RAI che aveva bisogno di un cameraman per il suo inviato a Londra. Un'esperienza fondamentale insieme alla scoperta dei grandi maestri del tempo: Antonioni, Bergman e naturalmente Jean-Luc Godard, il regista che ha più influenzato la sua opera, del quale Whitehead ha anche curato la traduzione inglese delle sceneggiature. Il primo film è anch'esso quasi un caso. Armato di una Eclair e di un registratore Nagra, Whitehead riprende l'evento epico del reading alla londinese Albert Hall che raduna su un palco, nel '65, in Europa, tutta la Beat generation di Ginsberg e Ferlinghetti. Il film si chiama Wholly Communion ('65), appassionata e straordinaria sintesi in poco meno di un'ora di un evento durato quattro ore del quale riesce a rendere atmosfera e tensione. È per questo che Andrew Loog Oldman, il manager dei Rolling Stones allora appena agli inizi, lo chiama per girare un film sul tour in Irlanda del gruppo. Charlie is my Darling ('66), dedicato a Charlie Watts, il batterista, è il primo film di una serie che li vede protagonisti - l’ultimo è Shine a Light (2008) di Martin Scorsese. Charlie racconta il suo rapporto con il pubblico e con gli altri Stones, Whitehead gioca tra la loro immagine pubblica già di “cattivi ragazzi” e un backstage ancora “ingenuo”, da studenti della porta accanto. Il film seguente di Whitehead nasce dall'incontro col regista teatrale e drammaturgo Peter Brook: Benefit of the Doubt(‘67) è una feroce critica alla guerra americana in Vietnam - “tutti i miei film parlano dell’America” dice il regista. Le riprese dello spettacolo si mescolano alla vita quotidiana, le interviste agli attori sul loro lavoro rispetto ai personaggi, Peter Brook che parla del dramma. Il montaggio alterna bianco e nero e colore e alcuni critici inglesi lo considerano sulla stessa linea di Partner di Bernardo Bertolucci. Intanto “Time” ha consacrato la definizione di “Swinging London”. Ed è questo il punto di partenza per 7onite Let's all Make Love in London (‘67), titolo “rubato” a un verso di Ginsberg, nel quale Whitehead mescolando immagini di giornali, cartelloni pubblicitari, la gente ripresa in strada, le star, prova a smantellare il mito mediatico evidenziando il conflitto: la repressione, la povertà. L'influenza della Cia nella politica interna britannica. Il flusso segue il sound dei Pink Floyd che aveva già ripreso in concerto nel leggendario club Ufo e in uno studio durante la registrazione di Interstellar Overdrive diventato poi la colonna sonora di Pink Floyd. London 1966/67. Benefit of the Doubt e Tonite Let's all Make Love in London al New York Film Festival. Nel frattempo Whitehead colpito i John Kennedy lavora a una sceneggiatura sul tema dell’omicidio e immagina come un documentario di finzione con protagonista un ossessionato dalla scelta tra militanza politica e gesto rivoluzionario torna negli Stati uniti nel maggio del ‘68 e nel frattempo viene ucciso Luther King. Un mese dopo gli studenti occupano la Columba University New York. Whitehead riesce a entrare, l’unico con la macchina da mano, “documentando” l'occupazione e il violento intervento finale della milizia. Whitehead parte, in America sparano a Bob Kennedy, lui ha il materiale scottante e straordinario. Il montaggio lo occuperà per i mesi successivi diventando The Fall (69) un racconto personale e politico sui fatti. In seguito Whitehead cade in depressione, lascia il cinema ma stavolta per sempre. Ci torna infatti nel '73 con Daddy, fiaba nera nutrita dalle ossessioni che dell'artista Niki de St.Phalle, anche sua fidanzata al momento delle riprese e nel'77 con Fire in the Water, quasi un requiem per gli anni Sessanta il regista rivede le immagini di quel tempo alternandole all’esperienza di comunione con la natura vissuta in parallelo dalla donna che lo accecò (Nathalie Delon, la sua compagna di allora). Intanto Whitehead ha scoperto i falchi, una vecchia passione come la egizia che evocano. Londra sta vivendo un’altra rivoluzione, sono gli anni del punk, di Johnny Rotten e Sid Vicious, Whitehead si sente già altrove via con i suoi uccelli in Arabia Saudita dove rimarrà per tutti gli anni fino alla prima Guerra del Golfo, lavorando in un allevamento di falchi

* [[The Perception of Life]]
* [[Wholly Communion]]
* [[Benefit of the Doubt]]
* [[Rare Rolling Stones film]]
* [[The Beach Boys in London]]
* [[Pop & Rock Films]]
* [[Pink Floyd. London 1966/67]]
* [[Tonite Let's AIl Make Love in London]]
* [[The Fall]]
* [[Led Zeppelin Live at the Royal Albert Hall]]
* [[Daddy]]
* [[Fire in the Water]]
* [[In the Beginning Was the Image: Conversations with Peter Whitehead di Paul Cronin]]

DIARY AND FAMILY MOVIES
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2008]]

2008

2025-04-03T12:09:11Z

Thomas: /* PREMIO CASA ROSSA DOC */

2008

2025-04-03T11:32:46Z

Thomas:

2007

2025-04-02T15:55:42Z

Thomas: /* Programma 4 */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

=== Film ===

* [[20 mg]] di Margherita Ferri
* [[Agente apri]] di Marina Ballo Charmet, Walter Niedermayr
* [[Cammino e dietro camminano le stelle]] di Wiliam Farnesi
* [[Casa mia]] di Debora Scaperrotta
* [[Frammenti d’Italia. Partitura per immagini, suoni e parole]] di Bruno Bigoni
* [[Hypno-bici]] di Silvio Canini
* [[Martha, memorie di una strega]] di Giovanni Calamari
* [[Ombre lucenti]] di Nino Bizzarri
* [[Onibus]] di Augusto Contento
* [[Polistirene]] di Anna Franceschini
* [[Le regole del gioco]] di Francesco Gatti
* [[R-Esistenze]] di Marco Pasquini
* [[Taccone. Fuga in salita]] di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* [[Terra ferma]] di Michael Beltrami
* [[Urgon]] di Frediana Fornari
* [[Le vie dei farmaci|Le vie deiBaby inchiesta di Elisa Fattori farmaci]] di Michele Mellara, Alessandro Rossi
* [[La vita come viaggio aziendale]] di Paolo Muran
* [[Zapato verde zapato rosa]] di Francesca Maria Svampa

== Concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso: inchiesta ==
Seconda edizione del concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso riservato a filmati realizzati con telefoni cellulari. Il tema 2007 è inchiesta.

* Baby inchiesta di Elisa Fattori
* Inchiesta: Rapporto vallette/intercettazioni/politi
* Inchiesta sull’amor perduto di Alessio Fattori
* Un po’ di Simona Meriggi
* La politica in anteprima . Gli anni 70 di Federico Betta
* L'uomo dalle mille domande di Enrico Grossetti, Vincenzo Grassi

== Premio Casa Rossa Doc ==

* [[Il mio paese]] di Daniele Vicari
* [[Il mondo addosso]] di Costanza Quatriglio
* [[L'orchestra di Piazza Vittorio]] di Agostino Ferrente
* [[Pasolini prossimo nostro]] di Giuseppe Bertolucci
* [[Primavera in Kurdistan]] di Stefano Savona
* [[Quijote]] di Mimmo Paladino
* [[Rio de Onor]] di Corso Salani
* [[La strada di Levi]] di Davide Ferrario
* [[L'udienza è aperta]] di Vincenzo Marra

== Omaggio a Marco Ferreri ==
Di Dario Zonta

Può sembrare bizzarro omaggiare, in un catalogo, Marco Ferreri attraverso una intervista televisiva rilasciata a Gigi Marzullo per un programma, “Mezzanotte e dintorni” (per l'occasione in trasferta alla Mostra di Venezia) , intessuto di ritratti di vita e biografie più o meno eccellenti. Ma la bizzarria è una caratteristica del cinema e del personaggio Ferreri. Leggendo questa chiacchierata (editata per la versione cartacea) bisognerebbe fare uno sforzo di immaginazione, pensando a un giovane Marzullo, assiso su una panchina a fianco di Ferreri, a sua volta leggermente imbarazzato, con gli occhi arrossati e la voce roca. Marzullo incalza, replicando le sue modalità, un Ferreri sfuggente, che qualche volta rimane impigliato nella rete fitta delle ariose domande marzulliane, qualche altra centra il buco e scivola oltre. Ed è grazie a questo che Marzullo riesce a strappare a Ferreri ricordi, squarci di memoria, vera 0 inventata, su se stesso e la sua vita. Alla fine quasi si intuisce che Ferreri, giocando sul paradosso, abbia scelto il Marzullo televisivo per rilasciare un'intervista più autentica di altre.

Marco Ferreri ha ricevuto all'ultima Mostra del Cinema di Venezia il premio Pietro Bianchi, assegnato dal Sindacato critici cinematografici, “per l'originalità e l'elevato contenuto artistico delle sue opere”. Cosa si prova quando si riceve un premio, Ferreri, in particolar modo dal sindacato autonomo dei giornalisti? Ormai ho 64 anni e di premi ne ho presi abbastanza, più importanti e meno importanti. Insomma, non posso dire di rimanere rimango fulminato. Comunque, sono contento perché è un premio che ricorda un critico che era critico e amico. Sono contento perché ho potuto proiettare il mio film Chiedo asilo a cui tengo molto. Insomma, sono contento! Lei ha avuto sempre un buon rapporto con i giornalisti, con i critici, oppure no? Io ho sempre avuto un rapporto ottimo con i critici. Ogni volta che c'è un film dicono: “questo film è decisamente brutto”. Poi la volta dopo dicono: “questo film è decisamente brutto, mentre quello precedente era bellissimo”. Questa cosa è andata avanti per venti anni. Poi adesso si sono stufati e dicono che sono tutti belli. Perché ha scelto il cinema nella sua vita professionale? Non lo so. Prima non facevo niente, andavo in giro. Non c'erano ancora gli hippies e io andavo in giro a Parigi, a Madrid, in Africa. Poi un giorno, ho letto un libro, “El pisito”, scritto da Azcona, e mi è venuta voglia di farlo dirigere. Ero in Spagna, ho parlato con Berlanga, con Bardem, ma non avevano voglia di farlo. Allora ho cercato Azcona e gli ho detto “vabbè, iniziamo a sceneggiarlo”. E lui mi dice: “come si fa a sceneggiarlo?”. “Si piega la pagina in due, da una parte si scrive l’azione, dall'altra i dialoghi”. E così abbiamo cominciato a lavorare insieme per venti anni. Soddisfatto per la sua attività finora? Ha qualche rimorso, qualche rimpianto, quando ci pensa anche da solo? l’unico rimpianto è che è passato. Era una vita dinamica. Il rimpianto è che è passato. Ora sta per iniziare a girare un nuovo film, una nuova fatica con Jeny Calà. Di che cosa parlerà il nuovo film e perché la scelta è caduta su Jerry Calà? È il diario di un signore, che lo ha scritto per un anno. È un diario straziante, comico, divertente, importante, anche se dice delle cose maramalde, ribalde. Allora ho pensato che l'ideale per fare questo era Calà, che ha sempre fatto delle cose ribalde, non maramalde, ma ribalde. Invece adesso le può fare maramalde, ribalde e tragiche, perché poi ha la faccia, la dimensione, ha gli occhi che guardano come i pazzi. Non serve di dire “fai il pazzo”, è pazzo. Quanti film ha girato finora, Ferreri? Non mi ricordo più, 25 o 26... Quello che le piace di più? Prima parlava di Chiedo asilo... Quello che le è venuto meglio 0 quello che le è venuto peggio. Lei ha mai fatto questo tipo di graduatoria? No, perchè è sempre lo stesso film. Lo dirò alla fine “questo era peggio”. Ogni film è un momento dello stesso film. Come immagina Marco Ferreri proiettato fra qualche anno. Lei prima parlava di qualche rimpianto perché le cose sono passate... Marco Ferreri proiettato fra qualche anno non ci voglio nemmeno pensare. Come era Ferreri piccolo, Marco Ferreri bambino? Non mi ricordo. Non so come ero da bambin. So che ero grasso. Mia madre mi dava riso e latte in faccia, perché non volevo mangiare riso e latte. è stata bella la sua infanzia, la sua adolescenza? No, no... no. No. Perché? Perché l'infanzia non è mai bella. L'infanzia... C'è un sacco di paura. È una galera, l'infanzia, meglio quando si cresce? Quando si cresce, sì, è il momento dell'anarchia e della libertà. È dai diciotto anni, quando si cresce e non si lavora, si riesce a vivere senza lavorare. Quella è la cosa ideale. Che cosa è il cinema per Lei? Che cosa dovrebbe essere, un mezzo di comunicazione? Lei che cosa vuole dare agli altri quando fa un film? sono frasi troppo complicate. Prima di tutto con il cinema è cominciato il lavoro. Mi sono fregato. Il giorno che ho deciso di fare il primo film ho cambiato vita. Poi, però, faccio sempre dei film. Sono un testardo, penso che i film, come li faccio, li faccio bene e che serve farli così. Allora... è come un calzolaio a cui dicono “ah, lei fa le scarpe con la doppia tomaia perché?”. “Perché penso che con la doppia tomaia si cammini bene”. Io faccio i film con la doppia tomaia perché penso che servano a camminare bene. È contento di Marco Ferreri? Lei è felice? Sono assolutamente scontento. Perché? Perché è uno dei personaggi più tragicamente stupidi che conosco. In Italia si fa un buon cinema secondo lei? È attento al cinema che si fa in altri paesi? In Italia si fa del buon cinema. In tutti i paesi c'è un buon cinema e un cattivo cinema. Qual è, secondo lei, il buon cinema e quale quello cattivo? Adesso i ragazzi stanno facendo un buon cinema. Moretti è il capo della fila. C'è anche qualche vecchio. Comunque, tutto il cinema è meglio di quello americano. Quindi Lei non è favorevole al cinema americano? Io dico che tutto il cinema, che lo facciamo noi italiani, che lo facciano i francesi, che lo facciano gli indiani, che lo facciano i cinesi, che lo facciano quelli del Sud, come diceva Solanas, è sempre meglio del cinema americano. Anche se l’altro è un prodotto commerciale, il nostro è sempre, anche se non mondiale, un cinema di ricerca, di frattura. Lei è sempre molto attento anche al cinema francese ed ha scelto di vivere în Francia. Perché? Ho scelto di vivere in Francia perché un giorno sono uscito di casa, abitavo a via Condotti, in una pensione, non avevo una lira e mi sono trovato a Saint Germain, sempre senza lire, come ero a Roma. Sono rimasto lî e ho visto che è facile prendere il treno o il tram, andare da una parte all'altra. Insomma ogni periferia è la periferia della stessa città. Ogni centro è lo stesso centro. Uno apre la porta a Roma e si può trovare a Parigi. Dopo quarant'anni non mi ricordo come facevo a prendere gli aerei, perché gli aerei sono l'unica cosa che bisogna pagare. Non sono riuscito a scoprire come riuscivo a fare i biglietti. Si arriva a non pagare le navi, perché uno prende la nave fermando la cabina del Presidente, perché quella la danno a credito, è difficile affittarla. Ma gli aerei bisogna pagarli e, invece, ho sempre volato... Ora mi fermo a Parigi perché sono un po' più vecchio, anche se gli esterni sono quelli di New York. Con la televisione che rapporto ha, Ferreri? Ma! La vedo sempre. Di notte non dormo. Sono obbligato pure a veder Lei, tutte le sere! Ah, quindi guarda “Mezzanotte e dintorni”? Quindi la notte è un momento di visione della televisione. Che cosa è la notte per lei, visto che non può dormire? La notte preferirei dormire. Quando non posso dormire vedo film, come quelli di Jerry Calà. Poi vedo Mezzanotte e dintorni. Le piace la televisione che si fa in Italia? Molti suoi colleghi la criticano la televisione, il modo in cui si usa e si fa la televisione. Lei che ne pensa? . Io penso che la televisione sia assolutamente negativa. È anche pericolosa, cancerogena. Tutte le donne che vedo si sono rifatte le tette perché Berlusconi ha ordinato di fare le tette alle sue ballerine. Perciò la televisione porta pure il cancro... Quindi meglio la Rai, Ferreri? Pure la Rai usa le tette di Berlusconi. L'anno dopo le usa la Rai. Quindi non fa bene în questo senso la Rai. La Rai fa la lotta per l'audience. Uno fa Amore Mio, e l'altro fa Mio Amore. L'uso della televisione è molto zotico. E il cinema in televisione... che ne pensa? C'è tutta una disputa: il cinema lo si deve vedere al cinema, non deve essere fatto in televisione. Lei cosa ne pensa, visto che è uno dei maestri del cinema? Ma! A me sembra che dopo, quando vai în televisione, ormai... Dico che sarebbe stupido parlare adesso di cinema. C'era un cinema, c'è la televisione e ci sarà un nuovo cinema. Il cinema una volta si doveva vedere nelle sale perché c'erano solo le sale. Adesso i ragazzi se si vogliono baciare si mettono lì e lo fanno. Nessuno gli dice “ma che state a fa' în giro in pubblico!”. Una volta non si poteva fare... uno andava al cinema perché così toccava il sedere alla fidanzata. E poi faceva freddo, si pigliava caldo, si mangiava il panino con la mortadella. Il cinema era come per gli arabi la “Ma”. Sî andava al cinema per passare la giornata. Adesso c'è il “body building”, le scarpe da trekking, da trocking... ci sono centomila cose che si possono fare. E fra le mille cose si può anche andare a vedere i cinema. Qual è la sua attrice e il suo attore preferito? Ha delle preferer..in tal senso? No, anche perché siccome lo vedo alle due (di notte), non vedo i miei preferiti. Alle due si vedono sempre i film di Frank Capra film americani o film di Jerry Calà, perciò ho preso per il prossimo, film Jerry Calà, perché l'ho confuso con gli attori americani. Ferreri, quanto di ironia c'è in Marco Ferreri? È una componente importante? Lei, non solo con me, ma con tutti, usa sempre questi aggettivi... l'ironia! Che è l'ironia. Non so, cosa vuol dire? Scherzare anche sul suo modo di essere... c'è l'ironia in Marco Ferren? C'è una difesa, non è una questione di ironia. Non è... non lo so! Con gli altri che tipo di rapporto ha? Con gli altri vorrei avere un rapporto meraviglioso, ma non ce l'ho. E come mai? Perché? E non ce l'ho perché è così. È colpa 0 merito suo, o degli altri? È colpa mia. Ma Leî è un solitario, Ferreri? È un solitario che vorrebbe morire circondato da duemila persone in un bar, con duemila persone. Sono un solitario ma vorrei stare sempre a mangia’ una frittata enorme di duemila uova con tutti. Capito! Però poi per forza di cose... Perché s'è fatto crescere la barba, Ferreri? Mi sono fatto crescere la barba perchè... c'erano i due fratelli Guevara, il Che e il fratello, che stavano in Spagna, venivano dalla Galizia dove sono nati prima di andare a fare la rivoluzione. E ci siamo visti tutti e tre. Avevamo il doppio mento e allora abbiamo detto “facciamoci crescere la barba, così non si vede, la pappagorgia”. Sul set come è Marco Ferreri, con i suoi attori è un dittatore sul set? Non mi importa se dicono le mie frasi, non mi importa... Tognazzi molte volte, durante La grande abbuffata andava avanti un quarto d'ora con quella grassa che faceva la maestra a trattarla da puttana. Poi un giorno gli ho detto: “ma cosa vuol dire a parlare con quella come una puttana, è una maestra!”. “Ma io ho detto un primo trattamento dove si parlava di una puttana”. “Ma è cambiata, non hai letto la sceneggiatura?”. “No”. E allora che segno sono! Preferisco che facciano come voglio. Con sua madre che rapporto ha avuto? Bello, molto bello. Come la ricorda sua madre? Me la ricordo che aveva affittato, durante l'estate, i locali di un asilo. Andava sempre in vacanza in un asilo. Però bisognava andare a fare pipì, lei compresa, sui cessetti dei bambini, che sono piccoli. Allora me la ricordo seduta sui banchi dei bambini. Ricordo così mia madre. E con suo padre, Ferrerì, che tipo di rapporto ha avuto? Non mi voglio ricordare di mia madre, di mio padre. Non mi voglio ricordare. Non me li voglio ricordare. C'è un momento che si dice “ah è morto quel giorno lì". Poi basta. Perché sempre vuol dire cominciare un esame la mattina, mettersi allo specchio e dire: chi sono? Guardarsi allo specchio e vedere trecento immagini così. E adesso dire, atto secondo, mi ricordo di mia madre. No. Invece mi alzo la mattina, e una volta era ancora vero, uscivo e andavo per strada. La cosa che amo di più è la strada. La strada! La strada. Andare nei mercati. Io sono stato nei mercati. Io sono stato in Africa, andavo in giro nei mercati come andavano loro. Mi fermavo, mangiavo, pigliavo l'acqua, prendevo il sole, sentivo il vento, questa è la cosa che amo di più. Facevo la pipì in un prato. Entravo in un porto e dormivo. Questa è la cosa completa. Poi, man mano, tutto questo... Beati quelli che arrivano così fino a morire. Mi ha fregato il cinema. Sono stato fregato dal cinema. Perché è stato fregato dal cinema? Perché è stato il lavoro. Il cinema è stato il mio lavoro. Perché Lei avrebbe voluto non lavorare? Non ho lavorato per venti anni, stavo in giro. Poi ho cominciato a fare film... però la vita è camminare. Ferreri, quando andremo în onda sarà notte fonda, lei lo sa bene perché vede “Mezzanotte e dintorni”. Cosa sente di dire ai nostri amici che guarderanno questo nostro incontro? Non voglio dire proprio niente. Altri notturni, altri nottambuli come lei? Che prendano un sonnifero, che dormire è bellissimo! (...)

=== Marco Ferreri ===
“L'ape regina l'ho fatto come ho fatto tutti i film, combinandolo io, un attore italiano e un'attrice francese, due produttori italiani e due produttori francesi. Era più difficile? Sì, perché ero via dall'Italia da parecchio tempo e in Italia non mi conosceva più nessuno”: quando Marco Ferreri realizza il suo primo lungometraggio in Italia, ha 34 anni (è nato a Milano, l'11 maggio 1928), ha vissuto in Spagna dal 1958 dove ha fatto il rappresentante di obiettivi cinematografici e dove, contemporaneamente, ha diretto tre film, scritti insieme al giovane umorista Rafael Azcona, che si sono messi in luce a Locarno e a Venezia (El pisito, 1958; Los chicos, 1959 ed El cochecito, 1960). Difficile immaginare un curriculum più insolito per un autore di cinema italiano. In realtà, Ferreri , ha alle sue spalle anche un tentativo di laurea in veterinaria, il lavoro di rappresentante di liquori e quello di produttore sul set di Cronaca di un amore di Antonioni e di Amore in città tratto da Zavattini e in mezzo un progetto di “rivista cinematografica” (“Documento mensile”) che fallisce dopo otto numeri ma che passerà alla storia come uno dei più originali cinegiornali mai realizzati in Italia. È a partire dagli anni santa, tuttavia, che il suo sguardo si afferma come formidabil esempio di libertà espressiva, intelligenza provocatoria, anticonformismo e critica sociale. Film come Dillinger è morto (1964) La cagna (1972), La grande abbuffata (1973) corrodono la visione borghese del mondo, danno voce alla rivoluzione del costume di quegli anni e svelano l'affermazione incornata della società dei consumi affidandosi ad apologhi semplici e paradossali che hanno il valore comunicativo di una sorta di mitologia primordiale legata a forme biologiche d'esperienza (il cibo, il sesso, la morte). Sono anche le ragioni che fanno dei suoi film gli oggetti di un'attenzione ossessiva da parte della censura che, sin dalla Donna scimmia, renderà difficile la vita dell'autore fin quasi alla fine (del resto, anche la censura franchista si era opposta ai suoi film spagnoli). Tra gli anni Settanta e il decennio successivo il suo sguardo si fa, allo stesso tempo, più essenziale e radicale, profetico e antinaturalistico: L'ultima donna (1976), Ciao maschio (1978), Storia di Piera, (1983) intrecciano la riflessione quasi antropologica sulla fine della tradizione illuminista e capitalista del mondo occidentale con l'esplorazione dei valori della femminilità come modelli decisivi dell'orizzonte di trasformazione di questa stessa civiltà. In ogni caso, lo humor e grottesco, che ha sempre costituito una risorsa inesauribile suo sguardo, continuerà a innervare i suoi film fino alla fine dimostrano le feroci, e rivelatrici, allegorie di Come sono bianchi (1988) e La casa del sorriso (1996) ma anche i più sordidi emarginati di Diario di un vizio (1993) e Il rimpianto cinefilo di Nitrato d’argento (1996) il suo ultimo. Muore, a Parigi, nel 1997.

* [[Storia di Piera]] di Marco Ferreri
* [[La casa del sorriso]] di Marco Ferreri
* [[Diario di un vizio]] di Marco Ferreri
* [[Nitrate d’argent - Nitrato d'argento]] di Marco Ferreri
* Argento puro di Pappi Corsicato
* Omaggio a Marco Ferreri di Francesca Formisano
* [[Perché pagare per essere felici!!!]] di Marco Ferreri

== Pennebaker Associates Cinema Musica e Utopie ==

* [[Daybreak Express]] di D. A. Pennebaker
* [[Lambert & Co.]] di D. A. Pennebaker
* [[Dont Look Back]] di D. A. Pennebaker
* [[Monterey Pop]] di D. A. Pennebaker
* [[Company: Original Cast Album]] di D. A. Pennebaker
* [[Dance Black America]] di D. A. Pennebaker e Chris Hegedus
* [[Down from the Mountain]] di Nick Doob, Chris Hegedus e D. A. Pennebaker
* [[Only the Strong Survive]] di D. A. Pennebaker e Chris Hegedus
* [[Startup.com]] di Jehane Noujaim e Chris Hegedus

== Diary and family movies ==

* [[8 “Récits express”]] di Alain Cavalier
* [[Lieux Saints]] di Alain Cavalier
* [[Ein gewohnliches Leben - A Common Life]] di Anna Faroghi
* [[Miss Universe 1929. Lisl Goldarbeiter: A Queen in Wien]] di Péter Forgàcs
* [[Mein Vater, der Tirke - My Father the Turk]] di Marcus Vetter, Ariane Riecker
* [[Souvenirim - Souvenirs]] di Shahar Cohen, Halil Efrat
* [[Substitute]] di Fred Poulet, Vikash Dhorasoo
* [[El telòn de azùcar - The Sugar Curtain]] di Camila Guzman Urzùa

== Rock around the Doc ==
[[Leonard Cohen I'm Your Man]] di Lian Lunson

[[Made in Jamaica]] di Jéròme Laperrousaz

[[Metal: A Headbanger's Journey]] di Sam Dunn, Scot McFayden, Jessica Joy Wise

[[When the Road Bends... Tales of a Gipsy Caravan]] di Jasmine Dellal

== Omaggio a Ugo Gregoretti ==

=== Presentazione ===
Di Laura Buffoni

Ugo Gregoretti è una delle personalità più significative della cultura e dello spettacolo italiani degli ultimi cinquant'anni. In particolare, è stato tra gli inventori della televisione, o meglio, delle televisioni, come egli stesso tiene a precisare. La sua prolifica attività di regista abbraccia infatti i generi più disparati, dal documentario allo sceneggiato, dal reportage alla breve notazione di costume, in molti casi anticipandone tendenze e contribuendo a creare una vera e propria “stilistica” della Tv. Abbiamo scelto di raccontare i suoi esordi in questa selezione pressoché completa delle opere di taglio documentario degli anni Cinquanta, la maggior parte delle quali mai più mostrate, almeno per intero.

=== Programma 1 ===

* [[Domenica sulla strada nazionale]] (1956)
* [[Il lago malato]] (1957)
* [[Argini contro la paura]] (1957)
* [[Un campanile alla volta. Castellamare di Stabia]] (1958)

=== Programma 2 ===

* [[I nordici del golfo]] (1956)
* [[La settimana santa]] (1958)
* [[Italiani in Brasile]] (1957)
* [[Viaggio in Africa Occidentale]] (1959)

=== Programma 3 ===

* [[Caccia al quadro- Il mestiere dell’antiquario]] (1958)
* [[Caccia al quadro — La fabbrica delle occasioni]] (1958)

=== Programma 4 ===

* [[Sicilia del Gattopardo]] (1960)

Omaggio a Raffaele Andreassi

Presentazione

Di Laura Buffoni

Non credo di esagerare nell'affermare che Raffaele Andreassi sia, tra i documentaristi italiani, uno tra i più importanti ma anche tra i più ignorati. Alla sua opera non è stato dato il giusto riconoscimento, se si escludono i meritori ma isolati tentativi di studiosi e operatori culturali come Adriano Aprà, Paola Scremin, Paolo Luciani. A Raffaele Andreassi dedichiamo quindi un doveroso omaggio, ripercorrendo qualche tappa della sua prolifica carriera in una selezione assai composita che spazia dai primi cortometraggi anni Cinquanta ai più noti documentari d'arte, passando per un piccolo assaggio della sua produzione televisiva. Ringraziamo per il prezioso contributo alla realizzazione di questo omaggio la Cineteca di Bologna e la Cineteca Nazionale.

=== Programma 1 ===

* Fondovalle
* I fidanzati
* Risveglio
* I maccheroni
* Gli stregoni
* Epilogo

=== Programma 2 ===

* Il cuore in gola
* La città calda
* Il silenzio
* Gli animali
* L'orizzonte

=== Programma 3 ===

* Pascutti il fiuto del gol
* Le ombre di Gaeta
* Vita in Usa. Verso gli anni Settanta
* Vita in Usa IL tempo libero
* Punk delia giungla

=== Programma 4 ===

* Lo specchio, la tigre e la pianura
* Antonio Ligabue pittore
* Il cielo e la terra: Omiccioli

== Eventi speciali ==

* Genova 01 di Fausto Paravidino
* In Memoriam Alexander Litvinenko di Jos de Putter e Masha Novikova

=== Progetto: Ritratto dell'autore da cucciolo ===
Di Gregorio Paonessa

Vivo film è impegnata in un progetto che si discosta, forse più da un punto di vista for- male che sostanziale, rispetto alla “mission” che si è data sin dall'inizio della sua attività, produrre film documentari d'autore. Il progetto, in questo caso particolare, consiste nel convincere registi con i quali la casa di produzione è stata, è, e sarà impegnata in produzioni squisitamente documentarie, a raccontare se stessi, la loro infanzia, la loro adolescenza, partendo da memorie, personalissime, utilizzando privatissimi e intimi materiali di repertorio. Il progetto, il cui titolo provvisorio è “Ritratto dell'autore da cucciolo”, dopo Il cuore del soldatino di Guido Chiesa e Tracce di Corso Salani, presenti quest'anno a Bellaria, prevede per il momento altri due cortometraggi di Costanza Quatriglio e Daniele Vicari.

* [[Il cuore del soldatino]] di Guido Chiesa
* [[Tracce]] di Corso Salani
* [[Direct Cinema. L'arte del documentario]] di Federico Siniscalco e Fabrizio Varesco
* [[Progetto: Sonaso’ Prologo: Tammurriata, Episodio n.1: Marco]] di Gianfranco Pannone
* [[Peter's Dream]] di Enrico Cerasuolo
* [[Different Perspectives Il congresso della Banca Mondiale a Roma raccontato dai giovani degli slum di Nairobi]] di Angelo Loy

=== Fuori concorso ===

* [[Gragas a deus]] di Leonardo Casali
* [[25 anni di BFF]] di Alessio Fattori

=== Workshop ===

* Berlin 10/90 di Robert Kramer
* Il cantiere di Elisabetta Landi, Vittoria Fiumi, Davide Pagano Luigi Capalbo
* Il corpo e la macchina. La breve storia di Prospero Belloni di Luigi Capalbo
* Paola Artigiana della tammorra di Elisabetta Landi
* Il trasloco di Massimiliano Ferraina

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2007

2025-04-02T15:13:51Z

Thomas: /* Pennebaker Associates Cinema Musica e Utopie */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

=== Film ===

* [[20 mg]] di Margherita Ferri
* [[Agente apri]] di Marina Ballo Charmet, Walter Niedermayr
* [[Cammino e dietro camminano le stelle]] di Wiliam Farnesi
* [[Casa mia]] di Debora Scaperrotta
* [[Frammenti d’Italia. Partitura per immagini, suoni e parole]] di Bruno Bigoni
* [[Hypno-bici]] di Silvio Canini
* [[Martha, memorie di una strega]] di Giovanni Calamari
* [[Ombre lucenti]] di Nino Bizzarri
* [[Onibus]] di Augusto Contento
* [[Polistirene]] di Anna Franceschini
* [[Le regole del gioco]] di Francesco Gatti
* [[R-Esistenze]] di Marco Pasquini
* [[Taccone. Fuga in salita]] di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* [[Terra ferma]] di Michael Beltrami
* [[Urgon]] di Frediana Fornari
* [[Le vie dei farmaci|Le vie deiBaby inchiesta di Elisa Fattori farmaci]] di Michele Mellara, Alessandro Rossi
* [[La vita come viaggio aziendale]] di Paolo Muran
* [[Zapato verde zapato rosa]] di Francesca Maria Svampa

== Concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso: inchiesta ==
Seconda edizione del concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso riservato a filmati realizzati con telefoni cellulari. Il tema 2007 è inchiesta.

* Baby inchiesta di Elisa Fattori
* Inchiesta: Rapporto vallette/intercettazioni/politi
* Inchiesta sull’amor perduto di Alessio Fattori
* Un po’ di Simona Meriggi
* La politica in anteprima . Gli anni 70 di Federico Betta
* L'uomo dalle mille domande di Enrico Grossetti, Vincenzo Grassi

== Premio Casa Rossa Doc ==

* [[Il mio paese]] di Daniele Vicari
* [[Il mondo addosso]] di Costanza Quatriglio
* [[L'orchestra di Piazza Vittorio]] di Agostino Ferrente
* [[Pasolini prossimo nostro]] di Giuseppe Bertolucci
* [[Primavera in Kurdistan]] di Stefano Savona
* [[Quijote]] di Mimmo Paladino
* [[Rio de Onor]] di Corso Salani
* [[La strada di Levi]] di Davide Ferrario
* [[L'udienza è aperta]] di Vincenzo Marra

== Omaggio a Marco Ferreri ==
Di Dario Zonta

Può sembrare bizzarro omaggiare, in un catalogo, Marco Ferreri attraverso una intervista televisiva rilasciata a Gigi Marzullo per un programma, “Mezzanotte e dintorni” (per l'occasione in trasferta alla Mostra di Venezia) , intessuto di ritratti di vita e biografie più o meno eccellenti. Ma la bizzarria è una caratteristica del cinema e del personaggio Ferreri. Leggendo questa chiacchierata (editata per la versione cartacea) bisognerebbe fare uno sforzo di immaginazione, pensando a un giovane Marzullo, assiso su una panchina a fianco di Ferreri, a sua volta leggermente imbarazzato, con gli occhi arrossati e la voce roca. Marzullo incalza, replicando le sue modalità, un Ferreri sfuggente, che qualche volta rimane impigliato nella rete fitta delle ariose domande marzulliane, qualche altra centra il buco e scivola oltre. Ed è grazie a questo che Marzullo riesce a strappare a Ferreri ricordi, squarci di memoria, vera 0 inventata, su se stesso e la sua vita. Alla fine quasi si intuisce che Ferreri, giocando sul paradosso, abbia scelto il Marzullo televisivo per rilasciare un'intervista più autentica di altre.

Marco Ferreri ha ricevuto all'ultima Mostra del Cinema di Venezia il premio Pietro Bianchi, assegnato dal Sindacato critici cinematografici, “per l'originalità e l'elevato contenuto artistico delle sue opere”. Cosa si prova quando si riceve un premio, Ferreri, in particolar modo dal sindacato autonomo dei giornalisti? Ormai ho 64 anni e di premi ne ho presi abbastanza, più importanti e meno importanti. Insomma, non posso dire di rimanere rimango fulminato. Comunque, sono contento perché è un premio che ricorda un critico che era critico e amico. Sono contento perché ho potuto proiettare il mio film Chiedo asilo a cui tengo molto. Insomma, sono contento! Lei ha avuto sempre un buon rapporto con i giornalisti, con i critici, oppure no? Io ho sempre avuto un rapporto ottimo con i critici. Ogni volta che c'è un film dicono: “questo film è decisamente brutto”. Poi la volta dopo dicono: “questo film è decisamente brutto, mentre quello precedente era bellissimo”. Questa cosa è andata avanti per venti anni. Poi adesso si sono stufati e dicono che sono tutti belli. Perché ha scelto il cinema nella sua vita professionale? Non lo so. Prima non facevo niente, andavo in giro. Non c'erano ancora gli hippies e io andavo in giro a Parigi, a Madrid, in Africa. Poi un giorno, ho letto un libro, “El pisito”, scritto da Azcona, e mi è venuta voglia di farlo dirigere. Ero in Spagna, ho parlato con Berlanga, con Bardem, ma non avevano voglia di farlo. Allora ho cercato Azcona e gli ho detto “vabbè, iniziamo a sceneggiarlo”. E lui mi dice: “come si fa a sceneggiarlo?”. “Si piega la pagina in due, da una parte si scrive l’azione, dall'altra i dialoghi”. E così abbiamo cominciato a lavorare insieme per venti anni. Soddisfatto per la sua attività finora? Ha qualche rimorso, qualche rimpianto, quando ci pensa anche da solo? l’unico rimpianto è che è passato. Era una vita dinamica. Il rimpianto è che è passato. Ora sta per iniziare a girare un nuovo film, una nuova fatica con Jeny Calà. Di che cosa parlerà il nuovo film e perché la scelta è caduta su Jerry Calà? È il diario di un signore, che lo ha scritto per un anno. È un diario straziante, comico, divertente, importante, anche se dice delle cose maramalde, ribalde. Allora ho pensato che l'ideale per fare questo era Calà, che ha sempre fatto delle cose ribalde, non maramalde, ma ribalde. Invece adesso le può fare maramalde, ribalde e tragiche, perché poi ha la faccia, la dimensione, ha gli occhi che guardano come i pazzi. Non serve di dire “fai il pazzo”, è pazzo. Quanti film ha girato finora, Ferreri? Non mi ricordo più, 25 o 26... Quello che le piace di più? Prima parlava di Chiedo asilo... Quello che le è venuto meglio 0 quello che le è venuto peggio. Lei ha mai fatto questo tipo di graduatoria? No, perchè è sempre lo stesso film. Lo dirò alla fine “questo era peggio”. Ogni film è un momento dello stesso film. Come immagina Marco Ferreri proiettato fra qualche anno. Lei prima parlava di qualche rimpianto perché le cose sono passate... Marco Ferreri proiettato fra qualche anno non ci voglio nemmeno pensare. Come era Ferreri piccolo, Marco Ferreri bambino? Non mi ricordo. Non so come ero da bambin. So che ero grasso. Mia madre mi dava riso e latte in faccia, perché non volevo mangiare riso e latte. è stata bella la sua infanzia, la sua adolescenza? No, no... no. No. Perché? Perché l'infanzia non è mai bella. L'infanzia... C'è un sacco di paura. È una galera, l'infanzia, meglio quando si cresce? Quando si cresce, sì, è il momento dell'anarchia e della libertà. È dai diciotto anni, quando si cresce e non si lavora, si riesce a vivere senza lavorare. Quella è la cosa ideale. Che cosa è il cinema per Lei? Che cosa dovrebbe essere, un mezzo di comunicazione? Lei che cosa vuole dare agli altri quando fa un film? sono frasi troppo complicate. Prima di tutto con il cinema è cominciato il lavoro. Mi sono fregato. Il giorno che ho deciso di fare il primo film ho cambiato vita. Poi, però, faccio sempre dei film. Sono un testardo, penso che i film, come li faccio, li faccio bene e che serve farli così. Allora... è come un calzolaio a cui dicono “ah, lei fa le scarpe con la doppia tomaia perché?”. “Perché penso che con la doppia tomaia si cammini bene”. Io faccio i film con la doppia tomaia perché penso che servano a camminare bene. È contento di Marco Ferreri? Lei è felice? Sono assolutamente scontento. Perché? Perché è uno dei personaggi più tragicamente stupidi che conosco. In Italia si fa un buon cinema secondo lei? È attento al cinema che si fa in altri paesi? In Italia si fa del buon cinema. In tutti i paesi c'è un buon cinema e un cattivo cinema. Qual è, secondo lei, il buon cinema e quale quello cattivo? Adesso i ragazzi stanno facendo un buon cinema. Moretti è il capo della fila. C'è anche qualche vecchio. Comunque, tutto il cinema è meglio di quello americano. Quindi Lei non è favorevole al cinema americano? Io dico che tutto il cinema, che lo facciamo noi italiani, che lo facciano i francesi, che lo facciano gli indiani, che lo facciano i cinesi, che lo facciano quelli del Sud, come diceva Solanas, è sempre meglio del cinema americano. Anche se l’altro è un prodotto commerciale, il nostro è sempre, anche se non mondiale, un cinema di ricerca, di frattura. Lei è sempre molto attento anche al cinema francese ed ha scelto di vivere în Francia. Perché? Ho scelto di vivere in Francia perché un giorno sono uscito di casa, abitavo a via Condotti, in una pensione, non avevo una lira e mi sono trovato a Saint Germain, sempre senza lire, come ero a Roma. Sono rimasto lî e ho visto che è facile prendere il treno o il tram, andare da una parte all'altra. Insomma ogni periferia è la periferia della stessa città. Ogni centro è lo stesso centro. Uno apre la porta a Roma e si può trovare a Parigi. Dopo quarant'anni non mi ricordo come facevo a prendere gli aerei, perché gli aerei sono l'unica cosa che bisogna pagare. Non sono riuscito a scoprire come riuscivo a fare i biglietti. Si arriva a non pagare le navi, perché uno prende la nave fermando la cabina del Presidente, perché quella la danno a credito, è difficile affittarla. Ma gli aerei bisogna pagarli e, invece, ho sempre volato... Ora mi fermo a Parigi perché sono un po' più vecchio, anche se gli esterni sono quelli di New York. Con la televisione che rapporto ha, Ferreri? Ma! La vedo sempre. Di notte non dormo. Sono obbligato pure a veder Lei, tutte le sere! Ah, quindi guarda “Mezzanotte e dintorni”? Quindi la notte è un momento di visione della televisione. Che cosa è la notte per lei, visto che non può dormire? La notte preferirei dormire. Quando non posso dormire vedo film, come quelli di Jerry Calà. Poi vedo Mezzanotte e dintorni. Le piace la televisione che si fa in Italia? Molti suoi colleghi la criticano la televisione, il modo in cui si usa e si fa la televisione. Lei che ne pensa? . Io penso che la televisione sia assolutamente negativa. È anche pericolosa, cancerogena. Tutte le donne che vedo si sono rifatte le tette perché Berlusconi ha ordinato di fare le tette alle sue ballerine. Perciò la televisione porta pure il cancro... Quindi meglio la Rai, Ferreri? Pure la Rai usa le tette di Berlusconi. L'anno dopo le usa la Rai. Quindi non fa bene în questo senso la Rai. La Rai fa la lotta per l'audience. Uno fa Amore Mio, e l'altro fa Mio Amore. L'uso della televisione è molto zotico. E il cinema in televisione... che ne pensa? C'è tutta una disputa: il cinema lo si deve vedere al cinema, non deve essere fatto in televisione. Lei cosa ne pensa, visto che è uno dei maestri del cinema? Ma! A me sembra che dopo, quando vai în televisione, ormai... Dico che sarebbe stupido parlare adesso di cinema. C'era un cinema, c'è la televisione e ci sarà un nuovo cinema. Il cinema una volta si doveva vedere nelle sale perché c'erano solo le sale. Adesso i ragazzi se si vogliono baciare si mettono lì e lo fanno. Nessuno gli dice “ma che state a fa' în giro in pubblico!”. Una volta non si poteva fare... uno andava al cinema perché così toccava il sedere alla fidanzata. E poi faceva freddo, si pigliava caldo, si mangiava il panino con la mortadella. Il cinema era come per gli arabi la “Ma”. Sî andava al cinema per passare la giornata. Adesso c'è il “body building”, le scarpe da trekking, da trocking... ci sono centomila cose che si possono fare. E fra le mille cose si può anche andare a vedere i cinema. Qual è la sua attrice e il suo attore preferito? Ha delle preferer..in tal senso? No, anche perché siccome lo vedo alle due (di notte), non vedo i miei preferiti. Alle due si vedono sempre i film di Frank Capra film americani o film di Jerry Calà, perciò ho preso per il prossimo, film Jerry Calà, perché l'ho confuso con gli attori americani. Ferreri, quanto di ironia c'è in Marco Ferreri? È una componente importante? Lei, non solo con me, ma con tutti, usa sempre questi aggettivi... l'ironia! Che è l'ironia. Non so, cosa vuol dire? Scherzare anche sul suo modo di essere... c'è l'ironia in Marco Ferren? C'è una difesa, non è una questione di ironia. Non è... non lo so! Con gli altri che tipo di rapporto ha? Con gli altri vorrei avere un rapporto meraviglioso, ma non ce l'ho. E come mai? Perché? E non ce l'ho perché è così. È colpa 0 merito suo, o degli altri? È colpa mia. Ma Leî è un solitario, Ferreri? È un solitario che vorrebbe morire circondato da duemila persone in un bar, con duemila persone. Sono un solitario ma vorrei stare sempre a mangia’ una frittata enorme di duemila uova con tutti. Capito! Però poi per forza di cose... Perché s'è fatto crescere la barba, Ferreri? Mi sono fatto crescere la barba perchè... c'erano i due fratelli Guevara, il Che e il fratello, che stavano in Spagna, venivano dalla Galizia dove sono nati prima di andare a fare la rivoluzione. E ci siamo visti tutti e tre. Avevamo il doppio mento e allora abbiamo detto “facciamoci crescere la barba, così non si vede, la pappagorgia”. Sul set come è Marco Ferreri, con i suoi attori è un dittatore sul set? Non mi importa se dicono le mie frasi, non mi importa... Tognazzi molte volte, durante La grande abbuffata andava avanti un quarto d'ora con quella grassa che faceva la maestra a trattarla da puttana. Poi un giorno gli ho detto: “ma cosa vuol dire a parlare con quella come una puttana, è una maestra!”. “Ma io ho detto un primo trattamento dove si parlava di una puttana”. “Ma è cambiata, non hai letto la sceneggiatura?”. “No”. E allora che segno sono! Preferisco che facciano come voglio. Con sua madre che rapporto ha avuto? Bello, molto bello. Come la ricorda sua madre? Me la ricordo che aveva affittato, durante l'estate, i locali di un asilo. Andava sempre in vacanza in un asilo. Però bisognava andare a fare pipì, lei compresa, sui cessetti dei bambini, che sono piccoli. Allora me la ricordo seduta sui banchi dei bambini. Ricordo così mia madre. E con suo padre, Ferrerì, che tipo di rapporto ha avuto? Non mi voglio ricordare di mia madre, di mio padre. Non mi voglio ricordare. Non me li voglio ricordare. C'è un momento che si dice “ah è morto quel giorno lì". Poi basta. Perché sempre vuol dire cominciare un esame la mattina, mettersi allo specchio e dire: chi sono? Guardarsi allo specchio e vedere trecento immagini così. E adesso dire, atto secondo, mi ricordo di mia madre. No. Invece mi alzo la mattina, e una volta era ancora vero, uscivo e andavo per strada. La cosa che amo di più è la strada. La strada! La strada. Andare nei mercati. Io sono stato nei mercati. Io sono stato in Africa, andavo in giro nei mercati come andavano loro. Mi fermavo, mangiavo, pigliavo l'acqua, prendevo il sole, sentivo il vento, questa è la cosa che amo di più. Facevo la pipì in un prato. Entravo in un porto e dormivo. Questa è la cosa completa. Poi, man mano, tutto questo... Beati quelli che arrivano così fino a morire. Mi ha fregato il cinema. Sono stato fregato dal cinema. Perché è stato fregato dal cinema? Perché è stato il lavoro. Il cinema è stato il mio lavoro. Perché Lei avrebbe voluto non lavorare? Non ho lavorato per venti anni, stavo in giro. Poi ho cominciato a fare film... però la vita è camminare. Ferreri, quando andremo în onda sarà notte fonda, lei lo sa bene perché vede “Mezzanotte e dintorni”. Cosa sente di dire ai nostri amici che guarderanno questo nostro incontro? Non voglio dire proprio niente. Altri notturni, altri nottambuli come lei? Che prendano un sonnifero, che dormire è bellissimo! (...)

=== Marco Ferreri ===
“L'ape regina l'ho fatto come ho fatto tutti i film, combinandolo io, un attore italiano e un'attrice francese, due produttori italiani e due produttori francesi. Era più difficile? Sì, perché ero via dall'Italia da parecchio tempo e in Italia non mi conosceva più nessuno”: quando Marco Ferreri realizza il suo primo lungometraggio in Italia, ha 34 anni (è nato a Milano, l'11 maggio 1928), ha vissuto in Spagna dal 1958 dove ha fatto il rappresentante di obiettivi cinematografici e dove, contemporaneamente, ha diretto tre film, scritti insieme al giovane umorista Rafael Azcona, che si sono messi in luce a Locarno e a Venezia (El pisito, 1958; Los chicos, 1959 ed El cochecito, 1960). Difficile immaginare un curriculum più insolito per un autore di cinema italiano. In realtà, Ferreri , ha alle sue spalle anche un tentativo di laurea in veterinaria, il lavoro di rappresentante di liquori e quello di produttore sul set di Cronaca di un amore di Antonioni e di Amore in città tratto da Zavattini e in mezzo un progetto di “rivista cinematografica” (“Documento mensile”) che fallisce dopo otto numeri ma che passerà alla storia come uno dei più originali cinegiornali mai realizzati in Italia. È a partire dagli anni santa, tuttavia, che il suo sguardo si afferma come formidabil esempio di libertà espressiva, intelligenza provocatoria, anticonformismo e critica sociale. Film come Dillinger è morto (1964) La cagna (1972), La grande abbuffata (1973) corrodono la visione borghese del mondo, danno voce alla rivoluzione del costume di quegli anni e svelano l'affermazione incornata della società dei consumi affidandosi ad apologhi semplici e paradossali che hanno il valore comunicativo di una sorta di mitologia primordiale legata a forme biologiche d'esperienza (il cibo, il sesso, la morte). Sono anche le ragioni che fanno dei suoi film gli oggetti di un'attenzione ossessiva da parte della censura che, sin dalla Donna scimmia, renderà difficile la vita dell'autore fin quasi alla fine (del resto, anche la censura franchista si era opposta ai suoi film spagnoli). Tra gli anni Settanta e il decennio successivo il suo sguardo si fa, allo stesso tempo, più essenziale e radicale, profetico e antinaturalistico: L'ultima donna (1976), Ciao maschio (1978), Storia di Piera, (1983) intrecciano la riflessione quasi antropologica sulla fine della tradizione illuminista e capitalista del mondo occidentale con l'esplorazione dei valori della femminilità come modelli decisivi dell'orizzonte di trasformazione di questa stessa civiltà. In ogni caso, lo humor e grottesco, che ha sempre costituito una risorsa inesauribile suo sguardo, continuerà a innervare i suoi film fino alla fine dimostrano le feroci, e rivelatrici, allegorie di Come sono bianchi (1988) e La casa del sorriso (1996) ma anche i più sordidi emarginati di Diario di un vizio (1993) e Il rimpianto cinefilo di Nitrato d’argento (1996) il suo ultimo. Muore, a Parigi, nel 1997.

* [[Storia di Piera]] di Marco Ferreri
* [[La casa del sorriso]] di Marco Ferreri
* [[Diario di un vizio]] di Marco Ferreri
* [[Nitrate d’argent - Nitrato d'argento]] di Marco Ferreri
* Argento puro di Pappi Corsicato
* Omaggio a Marco Ferreri di Francesca Formisano
* [[Perché pagare per essere felici!!!]] di Marco Ferreri

== Pennebaker Associates Cinema Musica e Utopie ==

* [[Daybreak Express]] di D. A. Pennebaker
* [[Lambert & Co.]] di D. A. Pennebaker
* [[Dont Look Back]] di D. A. Pennebaker
* [[Monterey Pop]] di D. A. Pennebaker
* [[Company: Original Cast Album]] di D. A. Pennebaker
* [[Dance Black America]] di D. A. Pennebaker e Chris Hegedus
* [[Down from the Mountain]] di Nick Doob, Chris Hegedus e D. A. Pennebaker
* [[Only the Strong Survive]] di D. A. Pennebaker e Chris Hegedus
* [[Startup.com]] di Jehane Noujaim e Chris Hegedus

== Diary and family movies ==

* [[8 “Récits express”]] di Alain Cavalier
* [[Lieux Saints]] di Alain Cavalier
* [[Ein gewohnliches Leben - A Common Life]] di Anna Faroghi
* [[Miss Universe 1929. Lisl Goldarbeiter: A Queen in Wien]] di Péter Forgàcs
* [[Mein Vater, der Tirke - My Father the Turk]] di Marcus Vetter, Ariane Riecker
* [[Souvenirim - Souvenirs]] di Shahar Cohen, Halil Efrat
* [[Substitute]] di Fred Poulet, Vikash Dhorasoo
* [[El telòn de azùcar - The Sugar Curtain]] di Camila Guzman Urzùa

== Rock around the Doc ==
[[Leonard Cohen I'm Your Man]] di Lian Lunson

[[Made in Jamaica]] di Jéròme Laperrousaz

[[Metal: A Headbanger's Journey]] di Sam Dunn, Scot McFayden, Jessica Joy Wise

[[When the Road Bends... Tales of a Gipsy Caravan]] di Jasmine Dellal

== Omaggio a Ugo Gregoretti ==

=== Presentazione ===
Di Laura Buffoni

Ugo Gregoretti è una delle personalità più significative della cultura e dello spettacolo italiani degli ultimi cinquant'anni. In particolare, è stato tra gli inventori della televisione, o meglio, delle televisioni, come egli stesso tiene a precisare. La sua prolifica attività di regista abbraccia infatti i generi più disparati, dal documentario allo sceneggiato, dal reportage alla breve notazione di costume, in molti casi anticipandone tendenze e contribuendo a creare una vera e propria “stilistica” della Tv. Abbiamo scelto di raccontare i suoi esordi in questa selezione pressoché completa delle opere di taglio documentario degli anni Cinquanta, la maggior parte delle quali mai più mostrate, almeno per intero.

=== Programma 1 ===

* [[Domenica sulla strada nazionale]] (1956)
* [[Il lago malato]] (1957)
* [[Argini contro la paura]] (1957)
* [[Un campanile alla volta. Castellamare di Stabia]] (1958)

=== Programma 2 ===

* [[I nordici del golfo]] (1956)
* [[La settimana santa]] (1958)
* [[Italiani in Brasile]] (1957)
* [[Viaggio in Africa Occidentale]] (1959)

=== Programma 3 ===

* [[Caccia al quadro- Il mestiere dell’antiquario]] (1958)
* [[Caccia al quadro — La fabbrica delle occasioni]] (1958)

=== Programma 4 ===

* [[Sicilia del Gattopardo]] (1960)

Omaggio a Raffaele Andreassi

Presentazione

Non credo di esagerare nell'affermare che Raffaele Andreassi sia,

tra i documentaristi italiani, uno tra i più importanti ma anche

tra i più ignorati. Alla sua opera non è stato dato il giusto ri-

conoscimento, se si escludono i meritori ma isolati tentativi di

studiosi e operatori culturali come Adriano Aprà, Paola Scremin,

Paolo Luciani.

A Raffaele Andreassi dedichiamo quindi un doveroso omaggio,

ripercorrendo qualche tappa della sua prolifica carriera in una

selezione assai composita che spazia dai primi cortometraggi

anni Cinquanta ai più noti documentari d'arte, passando per un

piccolo assaggio della sua produzione televisiva.

Ringraziamo per il prezioso contributo alla realizzazione di que-

sto omaggio la Cineteca di Bologna e la Cineteca Nazionale.

Laura Buffoni

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2007

2025-04-02T14:53:52Z

Thomas: /* Marco Ferreri */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

=== Film ===

* [[20 mg]] di Margherita Ferri
* [[Agente apri]] di Marina Ballo Charmet, Walter Niedermayr
* [[Cammino e dietro camminano le stelle]] di Wiliam Farnesi
* [[Casa mia]] di Debora Scaperrotta
* [[Frammenti d’Italia. Partitura per immagini, suoni e parole]] di Bruno Bigoni
* [[Hypno-bici]] di Silvio Canini
* [[Martha, memorie di una strega]] di Giovanni Calamari
* [[Ombre lucenti]] di Nino Bizzarri
* [[Onibus]] di Augusto Contento
* [[Polistirene]] di Anna Franceschini
* [[Le regole del gioco]] di Francesco Gatti
* [[R-Esistenze]] di Marco Pasquini
* [[Taccone. Fuga in salita]] di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* [[Terra ferma]] di Michael Beltrami
* [[Urgon]] di Frediana Fornari
* [[Le vie dei farmaci|Le vie deiBaby inchiesta di Elisa Fattori farmaci]] di Michele Mellara, Alessandro Rossi
* [[La vita come viaggio aziendale]] di Paolo Muran
* [[Zapato verde zapato rosa]] di Francesca Maria Svampa

== Concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso: inchiesta ==
Seconda edizione del concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso riservato a filmati realizzati con telefoni cellulari. Il tema 2007 è inchiesta.

* Baby inchiesta di Elisa Fattori
* Inchiesta: Rapporto vallette/intercettazioni/politi
* Inchiesta sull’amor perduto di Alessio Fattori
* Un po’ di Simona Meriggi
* La politica in anteprima . Gli anni 70 di Federico Betta
* L'uomo dalle mille domande di Enrico Grossetti, Vincenzo Grassi

== Premio Casa Rossa Doc ==

* [[Il mio paese]] di Daniele Vicari
* [[Il mondo addosso]] di Costanza Quatriglio
* [[L'orchestra di Piazza Vittorio]] di Agostino Ferrente
* [[Pasolini prossimo nostro]] di Giuseppe Bertolucci
* [[Primavera in Kurdistan]] di Stefano Savona
* [[Quijote]] di Mimmo Paladino
* [[Rio de Onor]] di Corso Salani
* [[La strada di Levi]] di Davide Ferrario
* [[L'udienza è aperta]] di Vincenzo Marra

== Omaggio a Marco Ferreri ==
Di Dario Zonta

Può sembrare bizzarro omaggiare, in un catalogo, Marco Ferreri attraverso una intervista televisiva rilasciata a Gigi Marzullo per un programma, “Mezzanotte e dintorni” (per l'occasione in trasferta alla Mostra di Venezia) , intessuto di ritratti di vita e biografie più o meno eccellenti. Ma la bizzarria è una caratteristica del cinema e del personaggio Ferreri. Leggendo questa chiacchierata (editata per la versione cartacea) bisognerebbe fare uno sforzo di immaginazione, pensando a un giovane Marzullo, assiso su una panchina a fianco di Ferreri, a sua volta leggermente imbarazzato, con gli occhi arrossati e la voce roca. Marzullo incalza, replicando le sue modalità, un Ferreri sfuggente, che qualche volta rimane impigliato nella rete fitta delle ariose domande marzulliane, qualche altra centra il buco e scivola oltre. Ed è grazie a questo che Marzullo riesce a strappare a Ferreri ricordi, squarci di memoria, vera 0 inventata, su se stesso e la sua vita. Alla fine quasi si intuisce che Ferreri, giocando sul paradosso, abbia scelto il Marzullo televisivo per rilasciare un'intervista più autentica di altre.

Marco Ferreri ha ricevuto all'ultima Mostra del Cinema di Venezia il premio Pietro Bianchi, assegnato dal Sindacato critici cinematografici, “per l'originalità e l'elevato contenuto artistico delle sue opere”. Cosa si prova quando si riceve un premio, Ferreri, in particolar modo dal sindacato autonomo dei giornalisti? Ormai ho 64 anni e di premi ne ho presi abbastanza, più importanti e meno importanti. Insomma, non posso dire di rimanere rimango fulminato. Comunque, sono contento perché è un premio che ricorda un critico che era critico e amico. Sono contento perché ho potuto proiettare il mio film Chiedo asilo a cui tengo molto. Insomma, sono contento! Lei ha avuto sempre un buon rapporto con i giornalisti, con i critici, oppure no? Io ho sempre avuto un rapporto ottimo con i critici. Ogni volta che c'è un film dicono: “questo film è decisamente brutto”. Poi la volta dopo dicono: “questo film è decisamente brutto, mentre quello precedente era bellissimo”. Questa cosa è andata avanti per venti anni. Poi adesso si sono stufati e dicono che sono tutti belli. Perché ha scelto il cinema nella sua vita professionale? Non lo so. Prima non facevo niente, andavo in giro. Non c'erano ancora gli hippies e io andavo in giro a Parigi, a Madrid, in Africa. Poi un giorno, ho letto un libro, “El pisito”, scritto da Azcona, e mi è venuta voglia di farlo dirigere. Ero in Spagna, ho parlato con Berlanga, con Bardem, ma non avevano voglia di farlo. Allora ho cercato Azcona e gli ho detto “vabbè, iniziamo a sceneggiarlo”. E lui mi dice: “come si fa a sceneggiarlo?”. “Si piega la pagina in due, da una parte si scrive l’azione, dall'altra i dialoghi”. E così abbiamo cominciato a lavorare insieme per venti anni. Soddisfatto per la sua attività finora? Ha qualche rimorso, qualche rimpianto, quando ci pensa anche da solo? l’unico rimpianto è che è passato. Era una vita dinamica. Il rimpianto è che è passato. Ora sta per iniziare a girare un nuovo film, una nuova fatica con Jeny Calà. Di che cosa parlerà il nuovo film e perché la scelta è caduta su Jerry Calà? È il diario di un signore, che lo ha scritto per un anno. È un diario straziante, comico, divertente, importante, anche se dice delle cose maramalde, ribalde. Allora ho pensato che l'ideale per fare questo era Calà, che ha sempre fatto delle cose ribalde, non maramalde, ma ribalde. Invece adesso le può fare maramalde, ribalde e tragiche, perché poi ha la faccia, la dimensione, ha gli occhi che guardano come i pazzi. Non serve di dire “fai il pazzo”, è pazzo. Quanti film ha girato finora, Ferreri? Non mi ricordo più, 25 o 26... Quello che le piace di più? Prima parlava di Chiedo asilo... Quello che le è venuto meglio 0 quello che le è venuto peggio. Lei ha mai fatto questo tipo di graduatoria? No, perchè è sempre lo stesso film. Lo dirò alla fine “questo era peggio”. Ogni film è un momento dello stesso film. Come immagina Marco Ferreri proiettato fra qualche anno. Lei prima parlava di qualche rimpianto perché le cose sono passate... Marco Ferreri proiettato fra qualche anno non ci voglio nemmeno pensare. Come era Ferreri piccolo, Marco Ferreri bambino? Non mi ricordo. Non so come ero da bambin. So che ero grasso. Mia madre mi dava riso e latte in faccia, perché non volevo mangiare riso e latte. è stata bella la sua infanzia, la sua adolescenza? No, no... no. No. Perché? Perché l'infanzia non è mai bella. L'infanzia... C'è un sacco di paura. È una galera, l'infanzia, meglio quando si cresce? Quando si cresce, sì, è il momento dell'anarchia e della libertà. È dai diciotto anni, quando si cresce e non si lavora, si riesce a vivere senza lavorare. Quella è la cosa ideale. Che cosa è il cinema per Lei? Che cosa dovrebbe essere, un mezzo di comunicazione? Lei che cosa vuole dare agli altri quando fa un film? sono frasi troppo complicate. Prima di tutto con il cinema è cominciato il lavoro. Mi sono fregato. Il giorno che ho deciso di fare il primo film ho cambiato vita. Poi, però, faccio sempre dei film. Sono un testardo, penso che i film, come li faccio, li faccio bene e che serve farli così. Allora... è come un calzolaio a cui dicono “ah, lei fa le scarpe con la doppia tomaia perché?”. “Perché penso che con la doppia tomaia si cammini bene”. Io faccio i film con la doppia tomaia perché penso che servano a camminare bene. È contento di Marco Ferreri? Lei è felice? Sono assolutamente scontento. Perché? Perché è uno dei personaggi più tragicamente stupidi che conosco. In Italia si fa un buon cinema secondo lei? È attento al cinema che si fa in altri paesi? In Italia si fa del buon cinema. In tutti i paesi c'è un buon cinema e un cattivo cinema. Qual è, secondo lei, il buon cinema e quale quello cattivo? Adesso i ragazzi stanno facendo un buon cinema. Moretti è il capo della fila. C'è anche qualche vecchio. Comunque, tutto il cinema è meglio di quello americano. Quindi Lei non è favorevole al cinema americano? Io dico che tutto il cinema, che lo facciamo noi italiani, che lo facciano i francesi, che lo facciano gli indiani, che lo facciano i cinesi, che lo facciano quelli del Sud, come diceva Solanas, è sempre meglio del cinema americano. Anche se l’altro è un prodotto commerciale, il nostro è sempre, anche se non mondiale, un cinema di ricerca, di frattura. Lei è sempre molto attento anche al cinema francese ed ha scelto di vivere în Francia. Perché? Ho scelto di vivere in Francia perché un giorno sono uscito di casa, abitavo a via Condotti, in una pensione, non avevo una lira e mi sono trovato a Saint Germain, sempre senza lire, come ero a Roma. Sono rimasto lî e ho visto che è facile prendere il treno o il tram, andare da una parte all'altra. Insomma ogni periferia è la periferia della stessa città. Ogni centro è lo stesso centro. Uno apre la porta a Roma e si può trovare a Parigi. Dopo quarant'anni non mi ricordo come facevo a prendere gli aerei, perché gli aerei sono l'unica cosa che bisogna pagare. Non sono riuscito a scoprire come riuscivo a fare i biglietti. Si arriva a non pagare le navi, perché uno prende la nave fermando la cabina del Presidente, perché quella la danno a credito, è difficile affittarla. Ma gli aerei bisogna pagarli e, invece, ho sempre volato... Ora mi fermo a Parigi perché sono un po' più vecchio, anche se gli esterni sono quelli di New York. Con la televisione che rapporto ha, Ferreri? Ma! La vedo sempre. Di notte non dormo. Sono obbligato pure a veder Lei, tutte le sere! Ah, quindi guarda “Mezzanotte e dintorni”? Quindi la notte è un momento di visione della televisione. Che cosa è la notte per lei, visto che non può dormire? La notte preferirei dormire. Quando non posso dormire vedo film, come quelli di Jerry Calà. Poi vedo Mezzanotte e dintorni. Le piace la televisione che si fa in Italia? Molti suoi colleghi la criticano la televisione, il modo in cui si usa e si fa la televisione. Lei che ne pensa? . Io penso che la televisione sia assolutamente negativa. È anche pericolosa, cancerogena. Tutte le donne che vedo si sono rifatte le tette perché Berlusconi ha ordinato di fare le tette alle sue ballerine. Perciò la televisione porta pure il cancro... Quindi meglio la Rai, Ferreri? Pure la Rai usa le tette di Berlusconi. L'anno dopo le usa la Rai. Quindi non fa bene în questo senso la Rai. La Rai fa la lotta per l'audience. Uno fa Amore Mio, e l'altro fa Mio Amore. L'uso della televisione è molto zotico. E il cinema in televisione... che ne pensa? C'è tutta una disputa: il cinema lo si deve vedere al cinema, non deve essere fatto in televisione. Lei cosa ne pensa, visto che è uno dei maestri del cinema? Ma! A me sembra che dopo, quando vai în televisione, ormai... Dico che sarebbe stupido parlare adesso di cinema. C'era un cinema, c'è la televisione e ci sarà un nuovo cinema. Il cinema una volta si doveva vedere nelle sale perché c'erano solo le sale. Adesso i ragazzi se si vogliono baciare si mettono lì e lo fanno. Nessuno gli dice “ma che state a fa' în giro in pubblico!”. Una volta non si poteva fare... uno andava al cinema perché così toccava il sedere alla fidanzata. E poi faceva freddo, si pigliava caldo, si mangiava il panino con la mortadella. Il cinema era come per gli arabi la “Ma”. Sî andava al cinema per passare la giornata. Adesso c'è il “body building”, le scarpe da trekking, da trocking... ci sono centomila cose che si possono fare. E fra le mille cose si può anche andare a vedere i cinema. Qual è la sua attrice e il suo attore preferito? Ha delle preferer..in tal senso? No, anche perché siccome lo vedo alle due (di notte), non vedo i miei preferiti. Alle due si vedono sempre i film di Frank Capra film americani o film di Jerry Calà, perciò ho preso per il prossimo, film Jerry Calà, perché l'ho confuso con gli attori americani. Ferreri, quanto di ironia c'è in Marco Ferreri? È una componente importante? Lei, non solo con me, ma con tutti, usa sempre questi aggettivi... l'ironia! Che è l'ironia. Non so, cosa vuol dire? Scherzare anche sul suo modo di essere... c'è l'ironia in Marco Ferren? C'è una difesa, non è una questione di ironia. Non è... non lo so! Con gli altri che tipo di rapporto ha? Con gli altri vorrei avere un rapporto meraviglioso, ma non ce l'ho. E come mai? Perché? E non ce l'ho perché è così. È colpa 0 merito suo, o degli altri? È colpa mia. Ma Leî è un solitario, Ferreri? È un solitario che vorrebbe morire circondato da duemila persone in un bar, con duemila persone. Sono un solitario ma vorrei stare sempre a mangia’ una frittata enorme di duemila uova con tutti. Capito! Però poi per forza di cose... Perché s'è fatto crescere la barba, Ferreri? Mi sono fatto crescere la barba perchè... c'erano i due fratelli Guevara, il Che e il fratello, che stavano in Spagna, venivano dalla Galizia dove sono nati prima di andare a fare la rivoluzione. E ci siamo visti tutti e tre. Avevamo il doppio mento e allora abbiamo detto “facciamoci crescere la barba, così non si vede, la pappagorgia”. Sul set come è Marco Ferreri, con i suoi attori è un dittatore sul set? Non mi importa se dicono le mie frasi, non mi importa... Tognazzi molte volte, durante La grande abbuffata andava avanti un quarto d'ora con quella grassa che faceva la maestra a trattarla da puttana. Poi un giorno gli ho detto: “ma cosa vuol dire a parlare con quella come una puttana, è una maestra!”. “Ma io ho detto un primo trattamento dove si parlava di una puttana”. “Ma è cambiata, non hai letto la sceneggiatura?”. “No”. E allora che segno sono! Preferisco che facciano come voglio. Con sua madre che rapporto ha avuto? Bello, molto bello. Come la ricorda sua madre? Me la ricordo che aveva affittato, durante l'estate, i locali di un asilo. Andava sempre in vacanza in un asilo. Però bisognava andare a fare pipì, lei compresa, sui cessetti dei bambini, che sono piccoli. Allora me la ricordo seduta sui banchi dei bambini. Ricordo così mia madre. E con suo padre, Ferrerì, che tipo di rapporto ha avuto? Non mi voglio ricordare di mia madre, di mio padre. Non mi voglio ricordare. Non me li voglio ricordare. C'è un momento che si dice “ah è morto quel giorno lì". Poi basta. Perché sempre vuol dire cominciare un esame la mattina, mettersi allo specchio e dire: chi sono? Guardarsi allo specchio e vedere trecento immagini così. E adesso dire, atto secondo, mi ricordo di mia madre. No. Invece mi alzo la mattina, e una volta era ancora vero, uscivo e andavo per strada. La cosa che amo di più è la strada. La strada! La strada. Andare nei mercati. Io sono stato nei mercati. Io sono stato in Africa, andavo in giro nei mercati come andavano loro. Mi fermavo, mangiavo, pigliavo l'acqua, prendevo il sole, sentivo il vento, questa è la cosa che amo di più. Facevo la pipì in un prato. Entravo in un porto e dormivo. Questa è la cosa completa. Poi, man mano, tutto questo... Beati quelli che arrivano così fino a morire. Mi ha fregato il cinema. Sono stato fregato dal cinema. Perché è stato fregato dal cinema? Perché è stato il lavoro. Il cinema è stato il mio lavoro. Perché Lei avrebbe voluto non lavorare? Non ho lavorato per venti anni, stavo in giro. Poi ho cominciato a fare film... però la vita è camminare. Ferreri, quando andremo în onda sarà notte fonda, lei lo sa bene perché vede “Mezzanotte e dintorni”. Cosa sente di dire ai nostri amici che guarderanno questo nostro incontro? Non voglio dire proprio niente. Altri notturni, altri nottambuli come lei? Che prendano un sonnifero, che dormire è bellissimo! (...)

=== Marco Ferreri ===
“L'ape regina l'ho fatto come ho fatto tutti i film, combinandolo io, un attore italiano e un'attrice francese, due produttori italiani e due produttori francesi. Era più difficile? Sì, perché ero via dall'Italia da parecchio tempo e in Italia non mi conosceva più nessuno”: quando Marco Ferreri realizza il suo primo lungometraggio in Italia, ha 34 anni (è nato a Milano, l'11 maggio 1928), ha vissuto in Spagna dal 1958 dove ha fatto il rappresentante di obiettivi cinematografici e dove, contemporaneamente, ha diretto tre film, scritti insieme al giovane umorista Rafael Azcona, che si sono messi in luce a Locarno e a Venezia (El pisito, 1958; Los chicos, 1959 ed El cochecito, 1960). Difficile immaginare un curriculum più insolito per un autore di cinema italiano. In realtà, Ferreri , ha alle sue spalle anche un tentativo di laurea in veterinaria, il lavoro di rappresentante di liquori e quello di produttore sul set di Cronaca di un amore di Antonioni e di Amore in città tratto da Zavattini e in mezzo un progetto di “rivista cinematografica” (“Documento mensile”) che fallisce dopo otto numeri ma che passerà alla storia come uno dei più originali cinegiornali mai realizzati in Italia. È a partire dagli anni santa, tuttavia, che il suo sguardo si afferma come formidabil esempio di libertà espressiva, intelligenza provocatoria, anticonformismo e critica sociale. Film come Dillinger è morto (1964) La cagna (1972), La grande abbuffata (1973) corrodono la visione borghese del mondo, danno voce alla rivoluzione del costume di quegli anni e svelano l'affermazione incornata della società dei consumi affidandosi ad apologhi semplici e paradossali che hanno il valore comunicativo di una sorta di mitologia primordiale legata a forme biologiche d'esperienza (il cibo, il sesso, la morte). Sono anche le ragioni che fanno dei suoi film gli oggetti di un'attenzione ossessiva da parte della censura che, sin dalla Donna scimmia, renderà difficile la vita dell'autore fin quasi alla fine (del resto, anche la censura franchista si era opposta ai suoi film spagnoli). Tra gli anni Settanta e il decennio successivo il suo sguardo si fa, allo stesso tempo, più essenziale e radicale, profetico e antinaturalistico: L'ultima donna (1976), Ciao maschio (1978), Storia di Piera, (1983) intrecciano la riflessione quasi antropologica sulla fine della tradizione illuminista e capitalista del mondo occidentale con l'esplorazione dei valori della femminilità come modelli decisivi dell'orizzonte di trasformazione di questa stessa civiltà. In ogni caso, lo humor e grottesco, che ha sempre costituito una risorsa inesauribile suo sguardo, continuerà a innervare i suoi film fino alla fine dimostrano le feroci, e rivelatrici, allegorie di Come sono bianchi (1988) e La casa del sorriso (1996) ma anche i più sordidi emarginati di Diario di un vizio (1993) e Il rimpianto cinefilo di Nitrato d’argento (1996) il suo ultimo. Muore, a Parigi, nel 1997.

* [[Storia di Piera]] di Marco Ferreri
* [[La casa del sorriso]] di Marco Ferreri
* [[Diario di un vizio]] di Marco Ferreri
* [[Nitrate d’argent - Nitrato d'argento]] di Marco Ferreri
* Argento puro di Pappi Corsicato
* Omaggio a Marco Ferreri di Francesca Formisano
* [[Perché pagare per essere felici!!!]] di Marco Ferreri

== Pennebaker Associates Cinema Musica e Utopie ==

* [[Daybreak Express]] di D. A. Pennebaker
* [[Lambert & Co.]] di D. A. Pennebaker
* [[Dont Look Back]] di D. A. Pennebaker
* [[Monterey Pop]] di D. A. Pennebaker
* [[Company: Original Cast Album]] di D. A. Pennebaker
* [[Dance Black America]] di D. A. Pennebaker e Chris Hegedus
* [[Down from the Mountain]] di Nick Doob, Chris Hegedus e D. A. Pennebaker
* [[Only the Strong Survive]] di D. A. Pennebaker e Chris Hegedus
* [[Startup.com]] di Jehane Noujaim e Chris Hegedus

== Diary and family movies ==

* [[8 “Récits express”]] di Alain Cavalier
* [[Lieux Saints]] di Alain Cavalier
* [[Ein gewohnliches Leben - A Common Life]] di Anna Faroghi
* [[Miss Universe 1929. Lisl Goldarbeiter: A Queen in Wien]] di Péter Forgàcs
* [[Mein Vater, der Tirke - My Father the Turk]] di Marcus Vetter, Ariane Riecker
* [[Souvenirim - Souvenirs]] di Shahar Cohen, Halil Efrat
* Substitute di Fred Poulet, Vikash Dhorasoo
* El telòn de azùcar - The Sugar Curtain di Camila Guzman Urzùa

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2007

2025-04-02T14:34:59Z

Thomas: /* Marco Ferreri */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

=== Film ===

* [[20 mg]] di Margherita Ferri
* [[Agente apri]] di Marina Ballo Charmet, Walter Niedermayr
* [[Cammino e dietro camminano le stelle]] di Wiliam Farnesi
* [[Casa mia]] di Debora Scaperrotta
* [[Frammenti d’Italia. Partitura per immagini, suoni e parole]] di Bruno Bigoni
* [[Hypno-bici]] di Silvio Canini
* [[Martha, memorie di una strega]] di Giovanni Calamari
* [[Ombre lucenti]] di Nino Bizzarri
* [[Onibus]] di Augusto Contento
* [[Polistirene]] di Anna Franceschini
* [[Le regole del gioco]] di Francesco Gatti
* [[R-Esistenze]] di Marco Pasquini
* [[Taccone. Fuga in salita]] di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* [[Terra ferma]] di Michael Beltrami
* [[Urgon]] di Frediana Fornari
* [[Le vie dei farmaci|Le vie deiBaby inchiesta di Elisa Fattori farmaci]] di Michele Mellara, Alessandro Rossi
* [[La vita come viaggio aziendale]] di Paolo Muran
* [[Zapato verde zapato rosa]] di Francesca Maria Svampa

== Concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso: inchiesta ==
Seconda edizione del concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso riservato a filmati realizzati con telefoni cellulari. Il tema 2007 è inchiesta.

* Baby inchiesta di Elisa Fattori
* Inchiesta: Rapporto vallette/intercettazioni/politi
* Inchiesta sull’amor perduto di Alessio Fattori
* Un po’ di Simona Meriggi
* La politica in anteprima . Gli anni 70 di Federico Betta
* L'uomo dalle mille domande di Enrico Grossetti, Vincenzo Grassi

== Premio Casa Rossa Doc ==

* [[Il mio paese]] di Daniele Vicari
* [[Il mondo addosso]] di Costanza Quatriglio
* [[L'orchestra di Piazza Vittorio]] di Agostino Ferrente
* [[Pasolini prossimo nostro]] di Giuseppe Bertolucci
* [[Primavera in Kurdistan]] di Stefano Savona
* [[Quijote]] di Mimmo Paladino
* [[Rio de Onor]] di Corso Salani
* [[La strada di Levi]] di Davide Ferrario
* [[L'udienza è aperta]] di Vincenzo Marra

== Omaggio a Marco Ferreri ==
Di Dario Zonta

Può sembrare bizzarro omaggiare, in un catalogo, Marco Ferreri attraverso una intervista televisiva rilasciata a Gigi Marzullo per un programma, “Mezzanotte e dintorni” (per l'occasione in trasferta alla Mostra di Venezia) , intessuto di ritratti di vita e biografie più o meno eccellenti. Ma la bizzarria è una caratteristica del cinema e del personaggio Ferreri. Leggendo questa chiacchierata (editata per la versione cartacea) bisognerebbe fare uno sforzo di immaginazione, pensando a un giovane Marzullo, assiso su una panchina a fianco di Ferreri, a sua volta leggermente imbarazzato, con gli occhi arrossati e la voce roca. Marzullo incalza, replicando le sue modalità, un Ferreri sfuggente, che qualche volta rimane impigliato nella rete fitta delle ariose domande marzulliane, qualche altra centra il buco e scivola oltre. Ed è grazie a questo che Marzullo riesce a strappare a Ferreri ricordi, squarci di memoria, vera 0 inventata, su se stesso e la sua vita. Alla fine quasi si intuisce che Ferreri, giocando sul paradosso, abbia scelto il Marzullo televisivo per rilasciare un'intervista più autentica di altre.

Marco Ferreri ha ricevuto all'ultima Mostra del Cinema di Venezia il premio Pietro Bianchi, assegnato dal Sindacato critici cinematografici, “per l'originalità e l'elevato contenuto artistico delle sue opere”. Cosa si prova quando si riceve un premio, Ferreri, in particolar modo dal sindacato autonomo dei giornalisti? Ormai ho 64 anni e di premi ne ho presi abbastanza, più importanti e meno importanti. Insomma, non posso dire di rimanere rimango fulminato. Comunque, sono contento perché è un premio che ricorda un critico che era critico e amico. Sono contento perché ho potuto proiettare il mio film Chiedo asilo a cui tengo molto. Insomma, sono contento! Lei ha avuto sempre un buon rapporto con i giornalisti, con i critici, oppure no? Io ho sempre avuto un rapporto ottimo con i critici. Ogni volta che c'è un film dicono: “questo film è decisamente brutto”. Poi la volta dopo dicono: “questo film è decisamente brutto, mentre quello precedente era bellissimo”. Questa cosa è andata avanti per venti anni. Poi adesso si sono stufati e dicono che sono tutti belli. Perché ha scelto il cinema nella sua vita professionale? Non lo so. Prima non facevo niente, andavo in giro. Non c'erano ancora gli hippies e io andavo in giro a Parigi, a Madrid, in Africa. Poi un giorno, ho letto un libro, “El pisito”, scritto da Azcona, e mi è venuta voglia di farlo dirigere. Ero in Spagna, ho parlato con Berlanga, con Bardem, ma non avevano voglia di farlo. Allora ho cercato Azcona e gli ho detto “vabbè, iniziamo a sceneggiarlo”. E lui mi dice: “come si fa a sceneggiarlo?”. “Si piega la pagina in due, da una parte si scrive l’azione, dall'altra i dialoghi”. E così abbiamo cominciato a lavorare insieme per venti anni. Soddisfatto per la sua attività finora? Ha qualche rimorso, qualche rimpianto, quando ci pensa anche da solo? l’unico rimpianto è che è passato. Era una vita dinamica. Il rimpianto è che è passato. Ora sta per iniziare a girare un nuovo film, una nuova fatica con Jeny Calà. Di che cosa parlerà il nuovo film e perché la scelta è caduta su Jerry Calà? È il diario di un signore, che lo ha scritto per un anno. È un diario straziante, comico, divertente, importante, anche se dice delle cose maramalde, ribalde. Allora ho pensato che l'ideale per fare questo era Calà, che ha sempre fatto delle cose ribalde, non maramalde, ma ribalde. Invece adesso le può fare maramalde, ribalde e tragiche, perché poi ha la faccia, la dimensione, ha gli occhi che guardano come i pazzi. Non serve di dire “fai il pazzo”, è pazzo. Quanti film ha girato finora, Ferreri? Non mi ricordo più, 25 o 26... Quello che le piace di più? Prima parlava di Chiedo asilo... Quello che le è venuto meglio 0 quello che le è venuto peggio. Lei ha mai fatto questo tipo di graduatoria? No, perchè è sempre lo stesso film. Lo dirò alla fine “questo era peggio”. Ogni film è un momento dello stesso film. Come immagina Marco Ferreri proiettato fra qualche anno. Lei prima parlava di qualche rimpianto perché le cose sono passate... Marco Ferreri proiettato fra qualche anno non ci voglio nemmeno pensare. Come era Ferreri piccolo, Marco Ferreri bambino? Non mi ricordo. Non so come ero da bambin. So che ero grasso. Mia madre mi dava riso e latte in faccia, perché non volevo mangiare riso e latte. è stata bella la sua infanzia, la sua adolescenza? No, no... no. No. Perché? Perché l'infanzia non è mai bella. L'infanzia... C'è un sacco di paura. È una galera, l'infanzia, meglio quando si cresce? Quando si cresce, sì, è il momento dell'anarchia e della libertà. È dai diciotto anni, quando si cresce e non si lavora, si riesce a vivere senza lavorare. Quella è la cosa ideale. Che cosa è il cinema per Lei? Che cosa dovrebbe essere, un mezzo di comunicazione? Lei che cosa vuole dare agli altri quando fa un film? sono frasi troppo complicate. Prima di tutto con il cinema è cominciato il lavoro. Mi sono fregato. Il giorno che ho deciso di fare il primo film ho cambiato vita. Poi, però, faccio sempre dei film. Sono un testardo, penso che i film, come li faccio, li faccio bene e che serve farli così. Allora... è come un calzolaio a cui dicono “ah, lei fa le scarpe con la doppia tomaia perché?”. “Perché penso che con la doppia tomaia si cammini bene”. Io faccio i film con la doppia tomaia perché penso che servano a camminare bene. È contento di Marco Ferreri? Lei è felice? Sono assolutamente scontento. Perché? Perché è uno dei personaggi più tragicamente stupidi che conosco. In Italia si fa un buon cinema secondo lei? È attento al cinema che si fa in altri paesi? In Italia si fa del buon cinema. In tutti i paesi c'è un buon cinema e un cattivo cinema. Qual è, secondo lei, il buon cinema e quale quello cattivo? Adesso i ragazzi stanno facendo un buon cinema. Moretti è il capo della fila. C'è anche qualche vecchio. Comunque, tutto il cinema è meglio di quello americano. Quindi Lei non è favorevole al cinema americano? Io dico che tutto il cinema, che lo facciamo noi italiani, che lo facciano i francesi, che lo facciano gli indiani, che lo facciano i cinesi, che lo facciano quelli del Sud, come diceva Solanas, è sempre meglio del cinema americano. Anche se l’altro è un prodotto commerciale, il nostro è sempre, anche se non mondiale, un cinema di ricerca, di frattura. Lei è sempre molto attento anche al cinema francese ed ha scelto di vivere în Francia. Perché? Ho scelto di vivere in Francia perché un giorno sono uscito di casa, abitavo a via Condotti, in una pensione, non avevo una lira e mi sono trovato a Saint Germain, sempre senza lire, come ero a Roma. Sono rimasto lî e ho visto che è facile prendere il treno o il tram, andare da una parte all'altra. Insomma ogni periferia è la periferia della stessa città. Ogni centro è lo stesso centro. Uno apre la porta a Roma e si può trovare a Parigi. Dopo quarant'anni non mi ricordo come facevo a prendere gli aerei, perché gli aerei sono l'unica cosa che bisogna pagare. Non sono riuscito a scoprire come riuscivo a fare i biglietti. Si arriva a non pagare le navi, perché uno prende la nave fermando la cabina del Presidente, perché quella la danno a credito, è difficile affittarla. Ma gli aerei bisogna pagarli e, invece, ho sempre volato... Ora mi fermo a Parigi perché sono un po' più vecchio, anche se gli esterni sono quelli di New York. Con la televisione che rapporto ha, Ferreri? Ma! La vedo sempre. Di notte non dormo. Sono obbligato pure a veder Lei, tutte le sere! Ah, quindi guarda “Mezzanotte e dintorni”? Quindi la notte è un momento di visione della televisione. Che cosa è la notte per lei, visto che non può dormire? La notte preferirei dormire. Quando non posso dormire vedo film, come quelli di Jerry Calà. Poi vedo Mezzanotte e dintorni. Le piace la televisione che si fa in Italia? Molti suoi colleghi la criticano la televisione, il modo in cui si usa e si fa la televisione. Lei che ne pensa? . Io penso che la televisione sia assolutamente negativa. È anche pericolosa, cancerogena. Tutte le donne che vedo si sono rifatte le tette perché Berlusconi ha ordinato di fare le tette alle sue ballerine. Perciò la televisione porta pure il cancro... Quindi meglio la Rai, Ferreri? Pure la Rai usa le tette di Berlusconi. L'anno dopo le usa la Rai. Quindi non fa bene în questo senso la Rai. La Rai fa la lotta per l'audience. Uno fa Amore Mio, e l'altro fa Mio Amore. L'uso della televisione è molto zotico. E il cinema in televisione... che ne pensa? C'è tutta una disputa: il cinema lo si deve vedere al cinema, non deve essere fatto in televisione. Lei cosa ne pensa, visto che è uno dei maestri del cinema? Ma! A me sembra che dopo, quando vai în televisione, ormai... Dico che sarebbe stupido parlare adesso di cinema. C'era un cinema, c'è la televisione e ci sarà un nuovo cinema. Il cinema una volta si doveva vedere nelle sale perché c'erano solo le sale. Adesso i ragazzi se si vogliono baciare si mettono lì e lo fanno. Nessuno gli dice “ma che state a fa' în giro in pubblico!”. Una volta non si poteva fare... uno andava al cinema perché così toccava il sedere alla fidanzata. E poi faceva freddo, si pigliava caldo, si mangiava il panino con la mortadella. Il cinema era come per gli arabi la “Ma”. Sî andava al cinema per passare la giornata. Adesso c'è il “body building”, le scarpe da trekking, da trocking... ci sono centomila cose che si possono fare. E fra le mille cose si può anche andare a vedere i cinema. Qual è la sua attrice e il suo attore preferito? Ha delle preferer..in tal senso? No, anche perché siccome lo vedo alle due (di notte), non vedo i miei preferiti. Alle due si vedono sempre i film di Frank Capra film americani o film di Jerry Calà, perciò ho preso per il prossimo, film Jerry Calà, perché l'ho confuso con gli attori americani. Ferreri, quanto di ironia c'è in Marco Ferreri? È una componente importante? Lei, non solo con me, ma con tutti, usa sempre questi aggettivi... l'ironia! Che è l'ironia. Non so, cosa vuol dire? Scherzare anche sul suo modo di essere... c'è l'ironia in Marco Ferren? C'è una difesa, non è una questione di ironia. Non è... non lo so! Con gli altri che tipo di rapporto ha? Con gli altri vorrei avere un rapporto meraviglioso, ma non ce l'ho. E come mai? Perché? E non ce l'ho perché è così. È colpa 0 merito suo, o degli altri? È colpa mia. Ma Leî è un solitario, Ferreri? È un solitario che vorrebbe morire circondato da duemila persone in un bar, con duemila persone. Sono un solitario ma vorrei stare sempre a mangia’ una frittata enorme di duemila uova con tutti. Capito! Però poi per forza di cose... Perché s'è fatto crescere la barba, Ferreri? Mi sono fatto crescere la barba perchè... c'erano i due fratelli Guevara, il Che e il fratello, che stavano in Spagna, venivano dalla Galizia dove sono nati prima di andare a fare la rivoluzione. E ci siamo visti tutti e tre. Avevamo il doppio mento e allora abbiamo detto “facciamoci crescere la barba, così non si vede, la pappagorgia”. Sul set come è Marco Ferreri, con i suoi attori è un dittatore sul set? Non mi importa se dicono le mie frasi, non mi importa... Tognazzi molte volte, durante La grande abbuffata andava avanti un quarto d'ora con quella grassa che faceva la maestra a trattarla da puttana. Poi un giorno gli ho detto: “ma cosa vuol dire a parlare con quella come una puttana, è una maestra!”. “Ma io ho detto un primo trattamento dove si parlava di una puttana”. “Ma è cambiata, non hai letto la sceneggiatura?”. “No”. E allora che segno sono! Preferisco che facciano come voglio. Con sua madre che rapporto ha avuto? Bello, molto bello. Come la ricorda sua madre? Me la ricordo che aveva affittato, durante l'estate, i locali di un asilo. Andava sempre in vacanza in un asilo. Però bisognava andare a fare pipì, lei compresa, sui cessetti dei bambini, che sono piccoli. Allora me la ricordo seduta sui banchi dei bambini. Ricordo così mia madre. E con suo padre, Ferrerì, che tipo di rapporto ha avuto? Non mi voglio ricordare di mia madre, di mio padre. Non mi voglio ricordare. Non me li voglio ricordare. C'è un momento che si dice “ah è morto quel giorno lì". Poi basta. Perché sempre vuol dire cominciare un esame la mattina, mettersi allo specchio e dire: chi sono? Guardarsi allo specchio e vedere trecento immagini così. E adesso dire, atto secondo, mi ricordo di mia madre. No. Invece mi alzo la mattina, e una volta era ancora vero, uscivo e andavo per strada. La cosa che amo di più è la strada. La strada! La strada. Andare nei mercati. Io sono stato nei mercati. Io sono stato in Africa, andavo in giro nei mercati come andavano loro. Mi fermavo, mangiavo, pigliavo l'acqua, prendevo il sole, sentivo il vento, questa è la cosa che amo di più. Facevo la pipì in un prato. Entravo in un porto e dormivo. Questa è la cosa completa. Poi, man mano, tutto questo... Beati quelli che arrivano così fino a morire. Mi ha fregato il cinema. Sono stato fregato dal cinema. Perché è stato fregato dal cinema? Perché è stato il lavoro. Il cinema è stato il mio lavoro. Perché Lei avrebbe voluto non lavorare? Non ho lavorato per venti anni, stavo in giro. Poi ho cominciato a fare film... però la vita è camminare. Ferreri, quando andremo în onda sarà notte fonda, lei lo sa bene perché vede “Mezzanotte e dintorni”. Cosa sente di dire ai nostri amici che guarderanno questo nostro incontro? Non voglio dire proprio niente. Altri notturni, altri nottambuli come lei? Che prendano un sonnifero, che dormire è bellissimo! (...)

=== Marco Ferreri ===
“L'ape regina l'ho fatto come ho fatto tutti i film, combinandolo io, un attore italiano e un'attrice francese, due produttori italiani e due produttori francesi. Era più difficile? Sì, perché ero via dall'Italia da parecchio tempo e in Italia non mi conosceva più nessuno”: quando Marco Ferreri realizza il suo primo lungometraggio in Italia, ha 34 anni (è nato a Milano, l'11 maggio 1928), ha vissuto in Spagna dal 1958 dove ha fatto il rappresentante di obiettivi cinematografici e dove, contemporaneamente, ha diretto tre film, scritti insieme al giovane umorista Rafael Azcona, che si sono messi in luce a Locarno e a Venezia (El pisito, 1958; Los chicos, 1959 ed El cochecito, 1960). Difficile immaginare un curriculum più insolito per un autore di cinema italiano. In realtà, Ferreri , ha alle sue spalle anche un tentativo di laurea in veterinaria, il lavoro di rappresentante di liquori e quello di produttore sul set di Cronaca di un amore di Antonioni e di Amore in città tratto da Zavattini e in mezzo un progetto di “rivista cinematografica” (“Documento mensile”) che fallisce dopo otto numeri ma che passerà alla storia come uno dei più originali cinegiornali mai realizzati in Italia. È a partire dagli anni santa, tuttavia, che il suo sguardo si afferma come formidabil esempio di libertà espressiva, intelligenza provocatoria, anticonformismo e critica sociale. Film come Dillinger è morto (1964) La cagna (1972), La grande abbuffata (1973) corrodono la visione borghese del mondo, danno voce alla rivoluzione del costume di quegli anni e svelano l'affermazione incornata della società dei consumi affidandosi ad apologhi semplici e paradossali che hanno il valore comunicativo di una sorta di mitologia primordiale legata a forme biologiche d'esperienza (il cibo, il sesso, la morte). Sono anche le ragioni che fanno dei suoi film gli oggetti di un'attenzione ossessiva da parte della censura che, sin dalla Donna scimmia, renderà difficile la vita dell'autore fin quasi alla fine (del resto, anche la censura franchista si era opposta ai suoi film spagnoli). Tra gli anni Settanta e il decennio successivo il suo sguardo si fa, allo stesso tempo, più essenziale e radicale, profetico e antinaturalistico: L'ultima donna (1976), Ciao maschio (1978), Storia di Piera, (1983) intrecciano la riflessione quasi antropologica sulla fine della tradizione illuminista e capitalista del mondo occidentale con l'esplorazione dei valori della femminilità come modelli decisivi dell'orizzonte di trasformazione di questa stessa civiltà. In ogni caso, lo humor e grottesco, che ha sempre costituito una risorsa inesauribile suo sguardo, continuerà a innervare i suoi film fino alla fine dimostrano le feroci, e rivelatrici, allegorie di Come sono bianchi (1988) e La casa del sorriso (1996) ma anche i più sordidi emarginati di Diario di un vizio (1993) e Il rimpianto cinefilo di Nitrato d’argento (1996) il suo ultimo. Muore, a Parigi, nel 1997.
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2007

2025-04-02T14:07:07Z

Thomas: /* Omaggio a Marco Ferreri */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

=== Film ===

* [[20 mg]] di Margherita Ferri
* [[Agente apri]] di Marina Ballo Charmet, Walter Niedermayr
* [[Cammino e dietro camminano le stelle]] di Wiliam Farnesi
* [[Casa mia]] di Debora Scaperrotta
* [[Frammenti d’Italia. Partitura per immagini, suoni e parole]] di Bruno Bigoni
* [[Hypno-bici]] di Silvio Canini
* [[Martha, memorie di una strega]] di Giovanni Calamari
* [[Ombre lucenti]] di Nino Bizzarri
* [[Onibus]] di Augusto Contento
* [[Polistirene]] di Anna Franceschini
* [[Le regole del gioco]] di Francesco Gatti
* [[R-Esistenze]] di Marco Pasquini
* [[Taccone. Fuga in salita]] di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* [[Terra ferma]] di Michael Beltrami
* [[Urgon]] di Frediana Fornari
* [[Le vie dei farmaci|Le vie deiBaby inchiesta di Elisa Fattori farmaci]] di Michele Mellara, Alessandro Rossi
* [[La vita come viaggio aziendale]] di Paolo Muran
* [[Zapato verde zapato rosa]] di Francesca Maria Svampa

== Concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso: inchiesta ==
Seconda edizione del concorso 150<nowiki>''</nowiki> a tema fisso riservato a filmati realizzati con telefoni cellulari. Il tema 2007 è inchiesta.

* Baby inchiesta di Elisa Fattori
* Inchiesta: Rapporto vallette/intercettazioni/politi
* Inchiesta sull’amor perduto di Alessio Fattori
* Un po’ di Simona Meriggi
* La politica in anteprima . Gli anni 70 di Federico Betta
* L'uomo dalle mille domande di Enrico Grossetti, Vincenzo Grassi

== Premio Casa Rossa Doc ==

* [[Il mio paese]] di Daniele Vicari
* [[Il mondo addosso]] di Costanza Quatriglio
* [[L'orchestra di Piazza Vittorio]] di Agostino Ferrente
* [[Pasolini prossimo nostro]] di Giuseppe Bertolucci
* [[Primavera in Kurdistan]] di Stefano Savona
* [[Quijote]] di Mimmo Paladino
* [[Rio de Onor]] di Corso Salani
* [[La strada di Levi]] di Davide Ferrario
* [[L'udienza è aperta]] di Vincenzo Marra

== Omaggio a Marco Ferreri ==
Di Dario Zonta

Può sembrare bizzarro omaggiare, in un catalogo, Marco Ferreri attraverso una intervista televisiva rilasciata a Gigi Marzullo per un programma, “Mezzanotte e dintorni” (per l'occasione in trasferta alla Mostra di Venezia) , intessuto di ritratti di vita e biografie più o meno eccellenti. Ma la bizzarria è una caratteristica del cinema e del personaggio Ferreri. Leggendo questa chiacchierata (editata per la versione cartacea) bisognerebbe fare uno sforzo di immaginazione, pensando a un giovane Marzullo, assiso su una panchina a fianco di Ferreri, a sua volta leggermente imbarazzato, con gli occhi arrossati e la voce roca. Marzullo incalza, replicando le sue modalità, un Ferreri sfuggente, che qualche volta rimane impigliato nella rete fitta delle ariose domande marzulliane, qualche altra centra il buco e scivola oltre. Ed è grazie a questo che Marzullo riesce a strappare a Ferreri ricordi, squarci di memoria, vera 0 inventata, su se stesso e la sua vita. Alla fine quasi si intuisce che Ferreri, giocando sul paradosso, abbia scelto il Marzullo televisivo per rilasciare un'intervista più autentica di altre.

Marco Ferreri ha ricevuto all'ultima Mostra del Cinema di Venezia il premio Pietro Bianchi, assegnato dal Sindacato critici cinematografici, “per l'originalità e l'elevato contenuto artistico delle sue opere”. Cosa si prova quando si riceve un premio, Ferreri, in particolar modo dal sindacato autonomo dei giornalisti? Ormai ho 64 anni e di premi ne ho presi abbastanza, più importanti e meno importanti. Insomma, non posso dire di rimanere rimango fulminato. Comunque, sono contento perché è un premio che ricorda un critico che era critico e amico. Sono contento perché ho potuto proiettare il mio film Chiedo asilo a cui tengo molto. Insomma, sono contento! Lei ha avuto sempre un buon rapporto con i giornalisti, con i critici, oppure no? Io ho sempre avuto un rapporto ottimo con i critici. Ogni volta che c'è un film dicono: “questo film è decisamente brutto”. Poi la volta dopo dicono: “questo film è decisamente brutto, mentre quello precedente era bellissimo”. Questa cosa è andata avanti per venti anni. Poi adesso si sono stufati e dicono che sono tutti belli. Perché ha scelto il cinema nella sua vita professionale? Non lo so. Prima non facevo niente, andavo in giro. Non c'erano ancora gli hippies e io andavo in giro a Parigi, a Madrid, in Africa. Poi un giorno, ho letto un libro, “El pisito”, scritto da Azcona, e mi è venuta voglia di farlo dirigere. Ero in Spagna, ho parlato con Berlanga, con Bardem, ma non avevano voglia di farlo. Allora ho cercato Azcona e gli ho detto “vabbè, iniziamo a sceneggiarlo”. E lui mi dice: “come si fa a sceneggiarlo?”. “Si piega la pagina in due, da una parte si scrive l’azione, dall'altra i dialoghi”. E così abbiamo cominciato a lavorare insieme per venti anni. Soddisfatto per la sua attività finora? Ha qualche rimorso, qualche rimpianto, quando ci pensa anche da solo? l’unico rimpianto è che è passato. Era una vita dinamica. Il rimpianto è che è passato. Ora sta per iniziare a girare un nuovo film, una nuova fatica con Jeny Calà. Di che cosa parlerà il nuovo film e perché la scelta è caduta su Jerry Calà? È il diario di un signore, che lo ha scritto per un anno. È un diario straziante, comico, divertente, importante, anche se dice delle cose maramalde, ribalde. Allora ho pensato che l'ideale per fare questo era Calà, che ha sempre fatto delle cose ribalde, non maramalde, ma ribalde. Invece adesso le può fare maramalde, ribalde e tragiche, perché poi ha la faccia, la dimensione, ha gli occhi che guardano come i pazzi. Non serve di dire “fai il pazzo”, è pazzo. Quanti film ha girato finora, Ferreri? Non mi ricordo più, 25 o 26... Quello che le piace di più? Prima parlava di Chiedo asilo... Quello che le è venuto meglio 0 quello che le è venuto peggio. Lei ha mai fatto questo tipo di graduatoria? No, perchè è sempre lo stesso film. Lo dirò alla fine “questo era peggio”. Ogni film è un momento dello stesso film. Come immagina Marco Ferreri proiettato fra qualche anno. Lei prima parlava di qualche rimpianto perché le cose sono passate... Marco Ferreri proiettato fra qualche anno non ci voglio nemmeno pensare. Come era Ferreri piccolo, Marco Ferreri bambino? Non mi ricordo. Non so come ero da bambin. So che ero grasso. Mia madre mi dava riso e latte in faccia, perché non volevo mangiare riso e latte. è stata bella la sua infanzia, la sua adolescenza? No, no... no. No. Perché? Perché l'infanzia non è mai bella. L'infanzia... C'è un sacco di paura. È una galera, l'infanzia, meglio quando si cresce? Quando si cresce, sì, è il momento dell'anarchia e della libertà. È dai diciotto anni, quando si cresce e non si lavora, si riesce a vivere senza lavorare. Quella è la cosa ideale. Che cosa è il cinema per Lei? Che cosa dovrebbe essere, un mezzo di comunicazione? Lei che cosa vuole dare agli altri quando fa un film? sono frasi troppo complicate. Prima di tutto con il cinema è cominciato il lavoro. Mi sono fregato. Il giorno che ho deciso di fare il primo film ho cambiato vita. Poi, però, faccio sempre dei film. Sono un testardo, penso che i film, come li faccio, li faccio bene e che serve farli così. Allora... è come un calzolaio a cui dicono “ah, lei fa le scarpe con la doppia tomaia perché?”. “Perché penso che con la doppia tomaia si cammini bene”. Io faccio i film con la doppia tomaia perché penso che servano a camminare bene. È contento di Marco Ferreri? Lei è felice? Sono assolutamente scontento. Perché? Perché è uno dei personaggi più tragicamente stupidi che conosco. In Italia si fa un buon cinema secondo lei? È attento al cinema che si fa in altri paesi? In Italia si fa del buon cinema. In tutti i paesi c'è un buon cinema e un cattivo cinema. Qual è, secondo lei, il buon cinema e quale quello cattivo? Adesso i ragazzi stanno facendo un buon cinema. Moretti è il capo della fila. C'è anche qualche vecchio. Comunque, tutto il cinema è meglio di quello americano. Quindi Lei non è favorevole al cinema americano? Io dico che tutto il cinema, che lo facciamo noi italiani, che lo facciano i francesi, che lo facciano gli indiani, che lo facciano i cinesi, che lo facciano quelli del Sud, come diceva Solanas, è sempre meglio del cinema americano. Anche se l’altro è un prodotto commerciale, il nostro è sempre, anche se non mondiale, un cinema di ricerca, di frattura. Lei è sempre molto attento anche al cinema francese ed ha scelto di vivere în Francia. Perché? Ho scelto di vivere in Francia perché un giorno sono uscito di casa, abitavo a via Condotti, in una pensione, non avevo una lira e mi sono trovato a Saint Germain, sempre senza lire, come ero a Roma. Sono rimasto lî e ho visto che è facile prendere il treno o il tram, andare da una parte all'altra. Insomma ogni periferia è la periferia della stessa città. Ogni centro è lo stesso centro. Uno apre la porta a Roma e si può trovare a Parigi. Dopo quarant'anni non mi ricordo come facevo a prendere gli aerei, perché gli aerei sono l'unica cosa che bisogna pagare. Non sono riuscito a scoprire come riuscivo a fare i biglietti. Si arriva a non pagare le navi, perché uno prende la nave fermando la cabina del Presidente, perché quella la danno a credito, è difficile affittarla. Ma gli aerei bisogna pagarli e, invece, ho sempre volato... Ora mi fermo a Parigi perché sono un po' più vecchio, anche se gli esterni sono quelli di New York. Con la televisione che rapporto ha, Ferreri? Ma! La vedo sempre. Di notte non dormo. Sono obbligato pure a veder Lei, tutte le sere! Ah, quindi guarda “Mezzanotte e dintorni”? Quindi la notte è un momento di visione della televisione. Che cosa è la notte per lei, visto che non può dormire? La notte preferirei dormire. Quando non posso dormire vedo film, come quelli di Jerry Calà. Poi vedo Mezzanotte e dintorni. Le piace la televisione che si fa in Italia? Molti suoi colleghi la criticano la televisione, il modo in cui si usa e si fa la televisione. Lei che ne pensa? . Io penso che la televisione sia assolutamente negativa. È anche pericolosa, cancerogena. Tutte le donne che vedo si sono rifatte le tette perché Berlusconi ha ordinato di fare le tette alle sue ballerine. Perciò la televisione porta pure il cancro... Quindi meglio la Rai, Ferreri? Pure la Rai usa le tette di Berlusconi. L'anno dopo le usa la Rai. Quindi non fa bene în questo senso la Rai. La Rai fa la lotta per l'audience. Uno fa Amore Mio, e l'altro fa Mio Amore. L'uso della televisione è molto zotico. E il cinema in televisione... che ne pensa? C'è tutta una disputa: il cinema lo si deve vedere al cinema, non deve essere fatto in televisione. Lei cosa ne pensa, visto che è uno dei maestri del cinema? Ma! A me sembra che dopo, quando vai în televisione, ormai... Dico che sarebbe stupido parlare adesso di cinema. C'era un cinema, c'è la televisione e ci sarà un nuovo cinema. Il cinema una volta si doveva vedere nelle sale perché c'erano solo le sale. Adesso i ragazzi se si vogliono baciare si mettono lì e lo fanno. Nessuno gli dice “ma che state a fa' în giro in pubblico!”. Una volta non si poteva fare... uno andava al cinema perché così toccava il sedere alla fidanzata. E poi faceva freddo, si pigliava caldo, si mangiava il panino con la mortadella. Il cinema era come per gli arabi la “Ma”. Sî andava al cinema per passare la giornata. Adesso c'è il “body building”, le scarpe da trekking, da trocking... ci sono centomila cose che si possono fare. E fra le mille cose si può anche andare a vedere i cinema. Qual è la sua attrice e il suo attore preferito? Ha delle preferer..in tal senso? No, anche perché siccome lo vedo alle due (di notte), non vedo i miei preferiti. Alle due si vedono sempre i film di Frank Capra film americani o film di Jerry Calà, perciò ho preso per il prossimo, film Jerry Calà, perché l'ho confuso con gli attori americani. Ferreri, quanto di ironia c'è in Marco Ferreri? È una componente importante? Lei, non solo con me, ma con tutti, usa sempre questi aggettivi... l'ironia! Che è l'ironia. Non so, cosa vuol dire? Scherzare anche sul suo modo di essere... c'è l'ironia in Marco Ferren? C'è una difesa, non è una questione di ironia. Non è... non lo so! Con gli altri che tipo di rapporto ha? Con gli altri vorrei avere un rapporto meraviglioso, ma non ce l'ho. E come mai? Perché? E non ce l'ho perché è così. È colpa 0 merito suo, o degli altri? È colpa mia. Ma Leî è un solitario, Ferreri? È un solitario che vorrebbe morire circondato da duemila persone in un bar, con duemila persone. Sono un solitario ma vorrei stare sempre a mangia’ una frittata enorme di duemila uova con tutti. Capito! Però poi per forza di cose... Perché s'è fatto crescere la barba, Ferreri? Mi sono fatto crescere la barba perchè... c'erano i due fratelli Guevara, il Che e il fratello, che stavano in Spagna, venivano dalla Galizia dove sono nati prima di andare a fare la rivoluzione. E ci siamo visti tutti e tre. Avevamo il doppio mento e allora abbiamo detto “facciamoci crescere la barba, così non si vede, la pappagorgia”. Sul set come è Marco Ferreri, con i suoi attori è un dittatore sul set? Non mi importa se dicono le mie frasi, non mi importa... Tognazzi molte volte, durante La grande abbuffata andava avanti un quarto d'ora con quella grassa che faceva la maestra a trattarla da puttana. Poi un giorno gli ho detto: “ma cosa vuol dire a parlare con quella come una puttana, è una maestra!”. “Ma io ho detto un primo trattamento dove si parlava di una puttana”. “Ma è cambiata, non hai letto la sceneggiatura?”. “No”. E allora che segno sono! Preferisco che facciano come voglio. Con sua madre che rapporto ha avuto? Bello, molto bello. Come la ricorda sua madre? Me la ricordo che aveva affittato, durante l'estate, i locali di un asilo. Andava sempre in vacanza in un asilo. Però bisognava andare a fare pipì, lei compresa, sui cessetti dei bambini, che sono piccoli. Allora me la ricordo seduta sui banchi dei bambini. Ricordo così mia madre. E con suo padre, Ferrerì, che tipo di rapporto ha avuto? Non mi voglio ricordare di mia madre, di mio padre. Non mi voglio ricordare. Non me li voglio ricordare. C'è un momento che si dice “ah è morto quel giorno lì". Poi basta. Perché sempre vuol dire cominciare un esame la mattina, mettersi allo specchio e dire: chi sono? Guardarsi allo specchio e vedere trecento immagini così. E adesso dire, atto secondo, mi ricordo di mia madre. No. Invece mi alzo la mattina, e una volta era ancora vero, uscivo e andavo per strada. La cosa che amo di più è la strada. La strada! La strada. Andare nei mercati. Io sono stato nei mercati. Io sono stato in Africa, andavo in giro nei mercati come andavano loro. Mi fermavo, mangiavo, pigliavo l'acqua, prendevo il sole, sentivo il vento, questa è la cosa che amo di più. Facevo la pipì in un prato. Entravo in un porto e dormivo. Questa è la cosa completa. Poi, man mano, tutto questo... Beati quelli che arrivano così fino a morire. Mi ha fregato il cinema. Sono stato fregato dal cinema. Perché è stato fregato dal cinema? Perché è stato il lavoro. Il cinema è stato il mio lavoro. Perché Lei avrebbe voluto non lavorare? Non ho lavorato per venti anni, stavo in giro. Poi ho cominciato a fare film... però la vita è camminare. Ferreri, quando andremo în onda sarà notte fonda, lei lo sa bene perché vede “Mezzanotte e dintorni”. Cosa sente di dire ai nostri amici che guarderanno questo nostro incontro? Non voglio dire proprio niente. Altri notturni, altri nottambuli come lei? Che prendano un sonnifero, che dormire è bellissimo! (...)

=== Marco Ferreri ===
“L'ape regina l'ho fatto come ho fatto tutti i film, combinandolo io, un attore italiano e un'attrice francese, due produttori italiani e due produttori francesi. Era più difficile? Sì, perché ero via dall'Italia da parecchio tempo e in Italia non mi conosceva più nessuno”: quando Marco Ferreri realizza il suo primo lungometraggio in Italia, ha 34 anni (è nato a Milano, l'11 maggio 1928), ha vissuto in Spagna dal 1958 dove ha fatto il rappresentante di obiettivi cinematografici e dove, contemporaneamente, ha diretto tre film, scritti insieme al giovane umorista Rafael Azcona, che si sono messi in luce a Locarno e a Venezia (El pisito, 1958; Los chicos, 1959 ed El cochecito, 1960). Difficile immaginare un curriculum più insolito per un autore di cinema italiano. In realtà, Ferreri , ha alle sue spalle anche un tentativo di laurea in veterinaria, il lavoro di rappresentante di liquori e quello di produttore sul set di Cronaca di un amore di Antonioni e di Amore in città tratto da Zavattini e in mezzo un progetto di “rivista cinematografica” (“Documento mensile”) che fallisce dopo otto numeri ma che passerà alla storia come uno dei più originali cinegiornali mai realizzati in Italia. È a partire dagli anni santa, tuttavia, che il suo sguardo si afferma come formi: esempio di libertà espressiva, intelligenza provocatoria, anformismo e critica sociale. Film come Dillinger è morto (19:

cagna (1972), La grande abbuffata (1973) corrodono l'ege

della visione borghese del mondo, danno voce alla rivol.

del costume di quegli anni e svelano l'affermazione incor.

nata della società dei consumi affidandosi ad apologhi ser

e paradossali che hanno il valore comunicativo di una sori

mitologia primordiale legata a forme biologiche d'esperienza (i.

cibo, il sesso, la morte). Sono anche le ragioni che fanno dei suoi

film gli oggetti di un'attenzione ossessiva da parte della censura

che, sin dalla Donna scimmia, renderà difficile la vita dell'autore

fin quasi alla fine (del resto, anche la censura franchista si era

opposta ai suoi film spagnoli). Tra gli anni Settanta e il decennio

successivo il suo sguardo si fa, allo stesso tempo, più essenziale

e radicale, profetico e antinaturalistico: L'ultima donna (1976),

Ciao maschio (1978), Storia di Piera, (1983) intrecciano la riflessione quasi antropologica sulla fine della tradizione illuminista

e capitalista del mondo occidentale con l'esplorazione dei valori

della femminilità come modelli decisivi dell'orizzonte di trasfor-

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2007

2025-04-02T12:34:18Z

Thomas: /* BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

=== Film ===

* [[20 mg]] di Margherita Ferri
* [[Agente apri]] di Marina Ballo Charmet, Walter Niedermayr
* [[Cammino e dietro camminano le stelle]] di Wiliam Farnesi
* [[Casa mia]] di Debora Scaperrotta
* [[Frammenti d’Italia. Partitura per immagini, suoni e parole]] di Bruno Bigoni
* [[Hypno-bici]] di Silvio Canini
* [[Martha, memorie di una strega]] di Giovanni Calamari
* [[Ombre lucenti]] di Nino Bizzarri
* [[Onibus]] di Augusto Contento
* [[Polistirene]] di Anna Franceschini
* [[Le regole del gioco]] di Francesco Gatti
* [[R-Esistenze]] di Marco Pasquini
* [[Taccone. Fuga in salita]] di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* [[Terra ferma]] di Michael Beltrami
* [[Urgon]] di Frediana Fornari
* [[Le vie dei farmaci]] di Michele Mellara, Alessandro Rossi
* [[La vita come viaggio aziendale]] di Paolo Muran
* [[Zapato verde zapato rosa]] di Francesca Maria Svampa

Concorso 150<nowiki>''</nowiki>
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2007

2025-04-01T16:58:00Z

Thomas: /* Presentazione */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Alga Franciosi

Bellaria Igea Marina festeggia le nozze d’argento con il suo Festival del Cinema Indipendente. È un traguardo significativo e simbolico che ci vede consolidare l'impegno a fare emergere opere che difficilmente trovano spazio nei soliti circuiti commerciali. Nel panorama nazionale il BFF ha acquisito un suo ruolo, meglio definito già lo scorso anno quando si è connotato come “piazza” per il film di realtà. Quest'anno si delinea più precisamente la svolta impressa nella precedente edizione verso questo genere che ben si coniuga con una vasta gamma di espressioni. Anteprima doc in questa edizione si presenta con un programma ricco e variegato di opere italiane e con il rafforzamento della sezione internazionale, un passo per ampliare l'orizzonte su ciò che avviene nel mondo. Vanno verso questo fine le sezioni “Rock Around the Doc” e l'omaggio a D. A. Pennebaker che vede l'incontro, sulla strada della musica, con il Biografilm di Bologna. Con il supporto della Regione Emilia-Romagna si terrà un'ideale staffetta che inizierà a Bellaria Igea Marina il 1° e terminerà a Bologna il 10 giugno; una maratona dedicata a due maestri, D.A. Pennebeker e Chris Hegedus, con la proiezione di film musicali sulle perfomance e le figure di vere leggende del rock come Bob Dylan e Jimi Hendrix. Non è che una delle collaborazioni che caratterizzano il BFF 25: altre riguardano l'ante- prima di In Memoriam: Alexander Litvinenko, assieme al Premio Ilaria Alpi di Riccione e Genova 01 di Fausto Paravidino, con il Premio Riccione per il Teatro. Nel contempo si vedrà il completamento del progetto “Film di cassetto” promosso insieme con Cineteca e Provincia di Rimini. La possibilità data ai giovani registi di emergere, gli omaggi e i compleanni dedicati al cinema di Ferreri, Faenza, Gregoretti e Andreassi, vanno tutti verso un ideale passaggio di testimonianze. Si può dire che la maturità di Anteprima va letta nel suo coniugare tradizione e novità, peculiarità e rapporto con altri eventi e Istituzioni.

== AnteprimaDoc ==

=== BellariaFilmFestival anno 25. AnteprimaDoc anno secondo ===
Il Festival più antico dedicato al Cinema Indipendente e raggiunge un'età simbolicamente ragguardevole. La voca ° verso il film documentario - dichiarata lo scorso anno - sì consolida e si precisa. Oggi il racconto del reale appare con sempre maggiore evidenza come la forma realmente contemporanea, come l'espressione più consona all'essere indipendente. Fare cinema documentario significa aprirsi con immediatezza a ogni possibile contaminazione narrativa , inventare di continuo generi e modelli di rappresentazione, immaginare scenari di produzione e diffusione che (a partire da una condizione di povertà) vanno comunque oltre gli schemi del mercato attuale, porsi la questione di chi guarda e parla al cinema, di quale rapporto, quale distanza va instaurata con il soggetto filmato, con lo spettatore. Una questione che è prima di tutto di ordine etico, come già sapeva Bazin, apparentemente inattuale e desueta e invece irrinunciabile. In fondo i 18 film indipendenti italiani selezionati per il Concorso AnteprimaDoc sono altrettante declinazioni (e sperimentazioni) di questo racconto del reale ancora così poco codificato e “controllato” - nonostante abbia, lo si sa, l'età stessa del cinema - proprio perché di per sé non riconciliabile con un mainstream di immagini e suoni che sembra viaggiare nella direzione opposta, quella di un occultamento progressivo di ogni traccia della realtà attraverso l'affermarsi del cinema da virtual game, ma anche attraverso una pornografica esibizione dei simulacri di quotidianità (la verità del reality). Un Festival (questo non vale solo per Bellaria) non deve però mai illudersi di aver trovato un suo centro, deve stare in perenne movimento e in ricerca del nuovo. Quest'anno l'ambizione è quella di confrontare sempre meno timidamente (nonostante un budget decisamente inadeguato a soste- nere l'impresa) la produzione italiana con quella internazionale. Confermata la sezione Diary & Family Movie: del resto la tendenza al racconto autobiografico e privato, all'emergere dell'io del cineasta nelle premesse e nel cuore della narrazione ci sembra la più significativa del cinema di questi anni. E abbiamo chiamato a parlarcene un grande documentarista e teorico del cinema documentario come Jean-Louis Comolli. La novità è l'apertura a uno dei generi classici del documentario creativo, quello basato sull'interazione con la musica che siano biografie di grandi performer o rappresentazioni di storiche performance. Da qui la sezione Rock Around the Doc, da qui sopratuto l'omaggio - pensato in collaborazione con il Biografilm di Bologna - a una coppia di maestri del genere D.A. Pennebacker e Chris Hegedus, cioè la dimostrazione vivente di come il cinema diretto a partire dagli anni ‘60 abbia trovato nell'incontro con la creatività musicale un suo fertile terreno d'elezione. E un altro rapporto di produttiva cooperazione con una delle manifestazioni più importanti nel mondo del reportage televisivo internazionale, il Premio Ilaria Alpi di Riccione, ha consentito di proporre in anteprima nazionale assoluta un autentico evento come "In Memoriam: Alexander Litvinenko di Jos De Putter" un documentario impressionante basato su una delle due interviste concesse dall'oppositore di Putin prima della sua tragica scomparsa. In realtà - per tornare alla selezione italiana - c'è molto di nuovo anche nel tradizionale Premio Casa Rossa. L'ambizione è che questo riconoscimento arrivi a segnalare il migliore tra i film documentari dell'intera stagione scelto tra una rosa effettivamente rappresentativa. Per questo si è deciso di Operare una preselezione ins stretta collaborazione con gli amici dell'Associazione di categoria Doc/It che ci hanno aiutato ad approntare l'elenco dei titoli elegibili (oltre 230, a ulteriore testimonianza di una produzione incredibilmente vitale e diffusa ancorché non compiutamente “emersa") e dei votanti più di 20 tra critici, direttori di festival, registi e produttori. I titoli preselezionati saranno poi visionati durante il Festival da una Giuria di circa 30 studenti provenienti da diversi istituti universitari e scuole di cinema nazionali per arrivare infine al Casa Rossa 2007. Al centro delle retrospettive e degli omaggi di questa edizione sta invece un lavoro già avviato lo scorso anno che consiste nel recupero della memoria di quella che è stata la grande stagione del cinema - e in particolare del documentario - italiano. Va in questa direzione la proposta del “primo” Gregoretti, quello dei programmi RAI degli anni ‘50, testimonianza del lavoro straordinario di un grande inventore di televisione ( i suoi lavori appaiono innovativi ancora oggi) che dimostra cosa avrebbe potuto essere il documentario - e non fu - nella tv dei nostri tempi. E così l'omaggio a Raffaele Andreassi, un altro grande e misconosciuto cineasta, ricordato appena per i suoi folgoranti capolavori sugli artisti naif e invece documentarista a tutto campo, lirico e “naturalista” al tempo stesso. Ma sta tutta nel senso della nostra ricerca anche la tradizionale “Festa di compleanno” che questa volta ricorda i trent'anni di Forza Italia! di Roberto Faenza, atipico, per il nostro cinema, lungometraggio politico di montaggio che ai nostri occhi di oggi potrà sembrare magari al tempo stesso figlio del suo tempo e profeticamente moderno. Ed è così ugualmente per il ricordo a 10 anni esatti dalla sua davvero prematura scomparsa (affidato in buona parte agli amici e ai collaboratori che lo hanno seguito per strade impervie) di uno dei pochi grandi nostri autori che ha saputo portare avanti con coerenza una poetica scomoda, sgradevole, agli antipodi del compiacimento e della ruffianeria estetica, e per questo geniale: Marco Ferreri. Ricordo, per concludere, che tra i compagni di strada del Bellaria Film Festival c'è anche quest'anno un canale televisivo, RaiSat Cinema. A noi non può che sembrare significativo e incoraggiante l'incontro con un'emittente che si è data come vocazione prioritaria l'attenzione al cinema italiano. Ma il dato per noi più importante è l'impegno della rete ad acquisire - fatte salve le verifiche delle condizioni di mercato - i film vincitori dei 2 concorsi principali, AnteprimaDoc e Casa Rossa. Lo prendiamo come un atto di fiducia nei confronti del Festival ma soprattutto verso quella bella parte di cinema indipendente che è oggi il film documentario italiano.

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2007

2025-04-01T16:26:40Z

Thomas:

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari, Nathalie, Masini, Stella Pellegrini

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo ===
Alessandra Fontemaggi, Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Gianluigi Toccafondo

=== Sigla ===
Alessio Fattori

== Presentazione ==
[[File:2007 Locandina Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2007]]
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2007]]

2006

2025-04-01T16:20:05Z

Thomas: /* Nanni Moretti */

== Enti promotori ==
[[File:2006 Locandina Bellaria Film Festival Anteprima Doc.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2006]]Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo, immagine ===
Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Bruno Bozzetto

=== Sigla ===
Alessio Fattori, Antonio Tolo

=== Proiezioni ===
Brenno Miselli, Angela Miselli, Marco Davolio

== PRESENTAZIONE ==
Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Antonio Bernardi

L'impegno da mantenere è grande, la nostra responsabilità ancora maggiore - ventiquattro anni per una rassegna come Anteprima segnalano, oltre che una caparbietà notevole per un festival di queste dimensioni, anche l'arduo compito, la costanza, di mantenere le premesse per un continuo sguardo “oltre lo steccato”. Rinnovarsi noi per essere attrezzati e utili ad una causa che mai come oggi ha bisogno di luoghi dove coltivare un seme, un'idea di cinema, utile al cinema stesso e ai diversi “attori” che lo abitano. Bellaria Igea Marina come luogo che da sempre apre le porte ai giovani filmaker è la premessa costante e da questo principio siamo partiti per rendere omogenei i contenuti della nostra rassegna. E il “doc” che segue ad Anteprima segnala il tema del cambiamento in atto, i documentari, pur nella continuità di una “Denominazione di Origine Controllata” che ci regala ad esempio, nella consueta Festa di compleanno, la presenza di Nanni Moretti con i trent'anni di "Io sono un autarchico". Il ricco programma, che vede da quest'anno anche il ritorno di una pregevole sezione internazionale, è il frutto dell'ottimo lavoro svolto dal nuovo direttore artistico Fabrizio Grosoli che ringraziamo e salutiamo assieme a tutto lo staff. Anteprimadoc, forte anche di una rinnovata attenzione dei vari enti (Regione Emilia Romagna e Provincia di Rimini) che lo sostengono, continua a dare il proprio contributo originale ad un settore, il cinema, esplorandone nuove e innovative contaminazioni.

=== INTRODUZIONE ===
Di Fabrizio Grosoli

Ho accettato la direzione del Bellaria Film Festival con la consapevolezza di dover immaginare un festival “nuovo” - di aprire forse, un nuovo “ciclo” - e nello stesso tempo di non poterne tradire la Storia, l'identità. “Anteprima” compie 24 anni. È un festival dunque più che maggiorenne, cosa che si può dire di ben poche manifestazioni cinematografiche nel nostro paese. Tutto il cinema indipendente italiano è stato a Bellaria. Dai cineasti diventati “mainstream” a quelli che hanno continuato a filmare restando in qualche modo fuori dalla professione a quelli che, semplicemente (o tragicamente) si sono perduti. Non c'è regista, attore, critico, persona “del mestiere” da me contattata in questi mesi che non avesse un ricordo personale gradevole, un aneddoto solitamente affettuoso legato alla propria presenza a Bellaria. Per tutto questo è obbligo ringraziare tutti coloro che questo festival lo hanno voluto e continuano a volerlo, dai “politici” alle ragazze e ai ragazzi di un'organizzazione più che militante. Il ringraziamento naturalmente va esteso a chi mi ha preceduto, a tutti i direttori delle passate edizioni. E consentitemi un tributo particolare al “più direttore” di tutti , Morando Morandini. Morando è stato anima e testa pensante di Anteprima fin dall'inizio (era l'anno secondo: codirezione Morandini-Volpi). Non sembri piaggeria se dico che lui è stato ed è - per chiunque abbia deciso di fare del cinema in qualsiasi modo la propria vita - uno dei pochi maestri veri, un maître à penser senza cattedre e senza fronzoli, un ricercatore instancabile e inesauribile capace di andare oltre ogni verità acquisita. Nessuna rivoluzione allora, nessuno stravolgimento dell'identità bellariese in questa edizione numero 24. Alcune delle sezioni storiche del festival del resto rimangono inalterate. A cominciare dalla Festa di Compleanno, celebrazione di un film-chiave della storia del nostro cinema a 30 anni dalla sua realizzazione. E questa volta non si poteva non festeggiare Io sono un autarchico, avventurosa opera prima, emblema stesso del cinema indipendente autoprodotto, caso fortunatissimo e pionieristico (che apre idealmente e paradossalmente la strada all’epoca del video e poi del digitale) di piccolo film che sfida i propri limiti di “formato” (il Super8) per svecchiare il cinema “grande” delle sale. Al tempo stesso celebriamo dunque i 30 anni di cinema di Nanni Moretti, il nostro cineasta più importante, oggi, al termine di una stagione che ha visto il trionfo di un film comunque epocale come Il Caimano. Ma ne ricordiamo anche la sua attività più appartata, quella di documentarista, con le 2 non-fiction dirette da lui e con la serie dei Diari prodotta dalla Sacher. Altro appuntamento tradizionale è il concorso 150 Secondi a tema fisso. Questa volta il tema in questione è 9 aprile e i cortissimi ammessi sono realizzati con la tecnologia - che sta ormai per entrare nell'uso corrente - fornita dai telefoni cellulari. Il resto del programma è impostato su una forte omogeneità di proposte. Anche in questo caso non si tratta di contraddire il passato, ma di evidenziare piuttosto una tendenza già emersa nelle ultime edizioni. Il Festival è da quest'anno interamente dedicato al documentario. Purtroppo una tradizione negativa - un pregiudizio che si può far risalire all'equivoco tutto di matrice televisiva e tutto italiano secondo cui questa forma d’espressione si associa unicamente alla pseudodivulgazone culturale o al reportage - rende necessaria una precisazione. Quando parliamo di documentario intendiamo riferirci al cinema del reale, a tutti i generi di racconto che non partono dalla costrizione preordinata di una scrittura della finzione, ma che nondimeno sono appunto narrazione, visione personale e creativa delle cose, pratica linguistica continuamente posta in questione e rinnovata. Perché allora il documentario ? Perché in tutto il mondo la fiction classica mostra segni di consunzione e gli autori più innovativi vedono sempre più spesso il segno della modernità nella contaminazione con i procedimenti del cinema “diretto”. Perché anche in Italia è ormai la più vera espressione di produzione indipendente e il più concreto terreno di sperimentazione “sul campo” proprio a partire dalla sua “povertà”, dalla cronica mancanza di committenza televisiva. Perché i cineasti che vi si cimentano, siano essi veterani della fiction o giovanissimi esordienti, di norma non sono mossi da un intento accademico, dalla volontà di creare meri esercizi di stile, ma al contrario da un'esigenza interiore, da una forte motivazione sociale e personale insieme. Perché infine c'è forse la necessità che tutto il mondo del documentario italiano possa ritrovare un proprio luogo d'incontro in cui confrontarsi e scambiarsi esperienze e Bellaria ha l'ambizione di diventare questo luogo, questa “casa”. Il Festival allora si regala un suffisso e si trasforma quest'anno in Bellaria Film Festival - AnteprimaDoc. Questo significa che i 2 Concorsi tradizionali sono dedicati a documentari di autori italiani: il primo, AnteprimaDoc appunto, riservato ad opere inedite di qualunque supporto, formato, durata, mentre il secondo, il Casa Rossa, si vuole attribuire l'arduo compito di segnalare le prove migliori degli ultimi 12 mesi, concentrandosi soprattutto su film meritevoli di più ampia diffusione dopo fuggevoli passaggi televisivi o festivalieri, e affidandoli a una giovane giuria fatta da studenti di cinema. Per entrambe le selezioni mi sono avvalso della collaborazione di alcuni amici, Laura Buffoni, Luca Mosso, Cristina Piccino e Dario Zonta che ovviamente ringrazio per essersi assunti la responsabilità di scelte tanto impegnative (oltre 200 titoli visionati solo per AnteprimaDoc) quanto inevitabilmente tendenziose. E forse l'obiettivo di più ampio respiro che ci si propone è quello di iniziare un lavoro di “scavo” per riportare alla luce la stagione gloriosa (eppure in gran parte coperta dall'oblio) del documentario italiano, quella che a mio avviso va dal dopoguerra alla fine degli anni ‘70. Nella speranza di avviare un progetto pluriennale, in questa edizione di apertura si è scelta per ora sommessamente la strada degli omaggi (nell'attesa di spazi che permettano la proposta di personali complete) ad autori come Antonello Branca (prematuramente scomparso, è stato uno degli interpreti più brillanti e coraggiosi del documentarismo d'inchiesta negli anni ‘60-'70), Giuseppe Ferrara (con i suoi “corti” sociali e di costume fatti per la Corona Film, il cui archivio è stato di recente acquisito dalla Cineteca di Bologna) e Alessandro Blasetti (quello dei lungometraggi “erotici”, Europa di notte e Io amo, tu ami). Ma c'è în più un'indicazione di tendenza, una sorta di filo rosso che attraversa questo Bellaria Film Festival 2006: tra le tante “anime” del documentario di oggi l'attenzione va prioritariamente ai film dove il cineasta si mette in gioco in prima persona per raccontare una realtà certo personale e intima, ma anche di memoria familiare e inevitabilmente storica. Una tendenza che è emersa con forza negli ultimi anni a cui è dedicata interamente la sezione internazionale che abbiamo voluto chiamare appunto Diari & Film di famiglia (e dove questo tema è declinato con gli accenti più diversi e creativi anche da cineasti ampiamente noti come Kossakovskij e Egoyan), ma che percorre con un segno estremamente marcato ed emblematico tutte le sezioni del Festival e che si ritrova anche nei seminari o workshop voluti insieme alle organizzazioni di categoria come Doc/It e D.E.R. (Documentaristi dell'Emilia-Romagna), all'Associazione Home-Movies, e negli incontri con autori come Marco Paolini e Mimmo Calopresti. Un ultimo ringraziamento va a chi ha aiutato concretamente un festival come il nostro, perennemente minacciato da questioni di budget: la casa di produzione (h)films, che ci ha permesso di allestire un nuovo, indispensabile spazio per proiezioni e il Canale satellitare Cult del gruppo Fox. Un rapporto, questo di collaborazione particolarmente feconda. Cult è, crediamo, il solo canale TV la cui programmazione è ampiamente dedicata al documentario creativo, al cinema del reale, insomma. Alcuni dei film internazionali presentati in anteprima a Bellaria saranno diffusi su questa rete così come reciprocamente i responsabili di Cult s'impegnano ad acquisire almeno uno dei titoli di AnteprimaDoc. Pur nell’ovvio rispetto dell'indipendenza di scelte tra un festival e un canale televisivo si tratta a nostro avviso di un passo concreto per tentare un avvicinamento tra proposte artistiche di una manifestazione tradizionalmente priva di intenti commerciali e opportunità di mercato. E questo ha un significato particolare, riteniamo, in un settore come quello del documentario italiano dove la sinergia, normale altrove, tra produttori indipendenti e committenza televisiva costituisce ancora una delle principali questioni non risolte.

== ANTEPRIMADOC ==

* [[L'amore che fugge]] (2006) di Maria Martinelli
* [[Casa Plastica]] (2006) di Chiara Brambilla, Paola Tursi e Nicola Lombardelli
* [[Chiamami Mara]] (2005) di Bruno Bigoni e Lara Gastaldi
* [[L'estate di una fontanella]] (2006) di Martina Parenti
* [[Furriadroxus]] (2005) di Michele Mossa e Michele Trentini
* [[L'Isle]] (2005) di Chiara Malta
* [[Mae Baratinha, una storia di Candomblé]] (2005) di Mario Balsamo
* [[Matti alla ricerca di un altro destino]] (2006) di Filippo Lilloni
* [[Un metro sotto i pesci]] (2006) di Michele Mellara e Alessandro Rossi
* [[Nerik]] (2006) di Antonella Grieco e Pasquale Di Meglio
* [[Periferia Italia]] (2006) di Francesco Nicchiarelli
* [[La rivoluzione non è una cosa seria]] (2006) di Marilena Moretti
* [[Souvenir Srebrenica]] (2006) di Luca Rosini
* [[Uno straordinario evento]] (2006) di Theo Eshetu
* [[They call me Muslim]] (2005) di Diana Ferrero
* [[Una volta nella vita. Torino 2006]] (2006) di Lucio Pellegrini

=== I Giurati ===

* Edoardo Albinati è nato nel 1956 a Roma. Ha pubblicato vari libri di narrativa e di poesia, tra cui "il polacco lavatore di vetri”, “La comunione dei beni”, “Orti di guerra”, “19”, “Sintassi italiana”, "svenimenti”, con cui ha vinto il premio Viareggio 2004. Da oltre dieci anni insegna presso il penitenziario di Rebibbia a Roma, esperienza che ha narrato nel diario “Maggio selvaggio” (Oscar Mondadori 2001). Ha inoltre partecipato a missioni in Afghanistan e in Ciad per conto dell'UNHCR, l'Alto Commissariato delle Nazioni Unite per i Rifugiati, scrivendo reportages per “Il Corriere della Sera” e “La Repubblica". Il resoconto della missione a Kabul è raccolto nel libro “Il ritorno” (Oscar Mondadori 2002). Il suo libro più recente è il romanzo “Tuttalpiù muoio” (Fandango 2006) scritto con Filippo Timi.

* Francesca d'Aloja, è nata e vive a Roma. Attrice teatrale e cinematografica, ha girato 21 film tra i quali Hamam il bagno turco di Ferzan Ozpetek, La Scorta di Ricky Tognazzi, La Cena di Ettore Scola, L'Ultimo Capodanno di Marco Risi, Tre Mogli di Marco Risi, Scarlet Diva di Asia Argento, L'Odore della notte di Claudio Caligari. Ha appena finito di girare All'Amore Assente di Andrea Adriatico. Regista e sceneggiatrice ha realizzato 4 documentari, il primo dei quali, Piccoli Ergastoli, interamente girato all'interno del carcere di Rebibbia con la collaborazione dei detenuti. Dopo quell'esperienza ha lavorato per due anni in carcere come volontaria. Scrittrice, nel 2004 ha cominciato a scrivere il suo primo romanzo, “Il sogno cattivo”, appena pubblicato da Mondadori dal quale verrà tratto un film per la sua regia.

* Davide Ferrario ha cominciato a occuparsi di cinema da critico e distributore per la Cooperativa ‘80. Nel 1985 ha scritto la sceneggiatura di 45° parallelo di Attilio Concari. Ha esordito alla regia nell'89 con La fine della notte seguito da Anime fiammeggianti (1994), Tutti giù per terra (1997), Figli di Annibale (1998), Guardami (1999), Dopo mezzanotte (2004) e Se devo essere sincera (2004) con Luciana Littizzetto.

* Angelica Grizi è stata Channel Editor di RaiSatArt, ha lavorato come autrice per la Rai, la7 e Buena Vista Productions. Oggi lavora come Channel Editor a Cult, canale satellitare tematico di Fox International

* Italo Moscati, scrittore, regista e sceneggiatore. Nato a Milano, ha vissuto a lungo a Bologna; abita e lavora a Roma. Ha collaborato con Liliana Cavani, Luigi Comencini, Giuliano Montaldo, Silvano Agosti. Ha svolto e svolge attività di critico teatrale e cinematografico per numerosi giornali e riviste, oltre che per RaiSat CinemaWorld e Hollywood Party. E stato capo dei Servizi sperimentali della Rai-Tv producendo i primi film di Gianni Amelio, Maurizio Ponzi, Peter Del Monte e altri, lavori di Jean Luc Godard, Glauber Rocha e Marco Ferreri; è stato vicedirettore di RaiEducational. Autore di numerosi programmi televisivi di successo, ha scritto numerosi libri, tra cui il recentissimo “Pasolini Passione”.

== Concorso 150” a tema fisso: 9 aprile ==
Quest'anno i videomakers del concorso 150 secondi a tema fisso, dedicato al “9 aprile”, sono invitati ad esplorare i nuovi territori aperti dallo sviluppo e dalla diffusione delle tecnologie di ripresa applicate e incorporate nei telefoni cellulari.

Video in concorso:

* 9 aprile: frames di Andrea Marfori
* La libera espressione di Benedetto Guadagno e Giuseppe Bellasalma
* L’automobile di Maurizio Failla
* L'indeciso di Elisa Della Scala
* AI telefono con Moggi di Federico Rizzo
* Nostrafabius di Marco Serio
* Rebus di Carmelo Angelico
* Mutatis mutandis di Angelita Fiore
* Pocket diary di Maurizio Losi

== Premio Casa Rossa doc ==

* [[Alte soglie della sera]] (2005) di Daniele Gaglianone
* [[Il canto dei nuovi emigranti]] (2005) di Felice D'Agostino e Arturo Lavorato
* [[C'è un posto in Italia]] (2005) di Corso Salani
* [[Face addict]] (2005) di Edo Bertoglio
* [[Ignazio]] (2005) di Paolo Pietrangeli
* [[Inatteso]] (2005) di Domenico Distilo
* [[Le mie tre cime]] (2005) di Andreas Pichler
* [[Odessa]] (2006) di Leonardo di Costanzo e Bruno Oliviero
* [[Per sempre]] di Alina Marazzi
* [[Quando capita di perdersi]] (2005) di Sergio Basso
* [[Il sibilo lungo della taranta]] (2005) di Paolo Pisanelli
* [[Sillabario africano]] (2005) di Angelo Loy

== Festa di compleanno io sono un autarchico ==
Di Alberto Barbera

Mi ricordo, sì, qualcosa mi ricordo. Anche se è passato molto tempo, anche se tendo sempre più a riconoscermi nel protagonista di "La versione di Barney”, il bellissimo romanzo di Mordecai Richler, che fatica persino a ricordare il nome dello strumento di cui si serve per scolare la minestra. Trent'anni, nel corso dei quali Nanni - partendo da zero (anzi, da sottozero...) - è diventato quello che è diventato: uno dei registi (il regista) più importanti(e) del cinema italiano contemporaneo, l'unico ad aver vinto una Palma d'oro negli ultimi venticinque anni a Cannes, nonché altri premi “minori” (per modo di dire), forse il più conosciuto e apprezzato all'estero fra gli autori nostrani in attività, certamente il più amato (in particolare) dai francesi, nonché, negli ultimi tempi, anche uno dei punti di riferimento del movimento degli scontenti di sinistra, l’autore di un gesto di piazza clamoroso che ha dato la scossa ad una dirigenza politica demoralizzata, in crisi di coraggio e di idee. Tutto questo e molte altre cose ancora, naturalmente: il cineasta che ha scoperto e lanciato il più bravo attore italiano del momento (Silvio Orlando), nonché una delle più promettenti giovani attrici (Jasmine Trinca); che si è fatto esercente, produttore e distributore per gettare sassi nello stagno della cinematografia nazionale; che viene costantemente inseguito dai giornalisti come si fa con gli opinion leader (anche se si lascia raggiungere di rado e solo a ragion veduta, dato che non ama per nulla essere incluso in quella categoria); che ha dimostrato con il suo ultimo film di essere il più lucido analista della trasformazione antropologica che ha subito la società italiana a causa dell'avvento del Caimano di Arcore, confermandosi l'unico possibile erede del Pasolini polemista e fustigatore dei (mal)costumi nazionali. Chi l'avrebbe detto, trent'anni fa. Tanto più che, come si diceva all'inizio, la partenza di Nanni era avvenuta dai box (neanche dall'ultimo posto della griglia), per usare una metafora automobilistica. La versione ufficiale dell'esordio è arcinota: la passione per il cinema coltivata nelle sale e nei cineclub romani a cavallo fra gli anni Sessanta e Settanta, i primi cortometraggi in Super8, l'esordio nel lungometraggio con un film a passo ridotto che s'impone a forza di passaparola fra gli spettatori del Filmstudio e gli procura un contratto per il suo primo, vero film in 35mm. Riassunta così, non sembra neanche una storia italiana. Ricorda piuttosto certe vicende di autori americani che dal ghetto dell'off off più importanti palcoscenici nazionali, per approdare infine a Hollywood in virtù; gradimento crescente di pubblico e critica. Solo che da noi il contesto dell'epoca era quello di una cinematografia che, dopo aver accarezzato per poco più di un decennio il sogno di dar vita a una vera e propria industria, stava prendendo coscienza del suo progressivo dissolvimento. Finiti i fasti della Hollywood sul Tevere, smorzati i bagliori della grande Commedia all'Italiana, dato fuoco alle ultime polveri dei sottogeneri popolari (il “poliziottesco’, l’erotico-soft), il cinema italiano sembrava incapace di rinnovarsi, di star dietro all’evolvere delle situazioni. In quel preciso momento arriva Nanni. La sua apparizione assume le forme dell'irruzione inattesa e della sorpresa in crescendo. Non era mai successo che un regista proveniente dal passo ridotto, senza alcun legame con le consorterie dell'underground o dell'universo cinematografico senza rapporti con l'ambiente dei professionisti, senza maestri, senza padrini, senza raccomandazioni e senza spinte, s'imponesse in virtù semplicemente dell'interesse spontaneo suscitato, dalla novità espressiva e di linguaggio rappresentata dal suo modi di far cinema, dell'identificazione immediata del pubblico con le tematiche, i comportamenti, i problemi, persino i tic da lui messi in scena. Il “caso” Moretti era troppo unico e sorprendente, troppo atipico e promettente, per rimanere confinato a livello romano, sulle pagine locali dei quotidiani da cui aveva preso origine, dopo che si era sparsa la voce del successo spontaneo e della incredibile tenitura di un film realizzato in totale autarchia, proiettato in pubblico per la prima volta il 14 dicembre 1976 e destinato a rimanere in cartellone per cinque mesi nello stesso locale trasteverino. Così, in pochissimo tempo, arrivò sulle pagine dei più diffusi settimanali (L'Espresso, Panorama) e, in capo a pochi mesi, persino sulle riviste straniere. La più tempestiva fu l'inglese Films and Filming, che già nel marzo 1977 arrivò ad occuparsi del fenomeno Moretti. A questo punto - poiché mi è stata chiesta una testimonianza personale sull'appendice torinese che ne seguì — è opportuna una piccola digressione. Nel capoluogo subalpino, già capitale della cinefilia italiana, luogo d'origine di molte riviste di cinema (tr cui la mitica Ombre rosse), sede della prima cattedra universitaria di storia e critica del cinema, nonché patria di numerosi cineclub, erano attivissimi all'epoca due gruppi contrapposti di organizzatori di rassegne. L’AIACE, costituita nel 1967, faceva parte dell'associazione nazionale dei cinema d'essai: ne costituiva, anzi la sezione più forte e rappresentativa, con oltre 25.000 iscritti e una fitta rete di sale aderenti in città e in regione. Si trattava, dunque, di un'associazione di pubblico che in virtù del proprio radicamento sul territorio era in grado di garantire l'uscita torinese di tutti i film d'essai che raggiungevano il mercato nazionale. Si ricordano numerosi casi di film che sceglievano questa piazza per “testare” il gradimento degli spettatori o che, in una situazione distributiva non facile come quelle italiana, dovevano talvolta accontentarsi dell'unica ospitalità offerta dai locali d'essai subalpini. Il direttivo, affiancato da noti critici come Paolo Gobetti, Gianni Volpi e Nino Ferrero, faceva perno su di una singolare figura di segretario generale, Federico Peiretti, quasi del tutto privo di una specifica e approfondita cultura cinematografica ma dotato in compenso di una passione contagiosa e non comuni doti di organizzatore. Peiretti si era circondato di un gruppo di universitari per la gestione delle varie attività, che comprendevano incontri con i registi, cicli e rassegne tematiche, anteprime, schede informative su tutti i film proiettati e persino una rivista trimestrale, Essai, diffusa gratuitamente a livello locale, alla quale non disdegnavano di contribuire critici come Goffredo Fofi, Morando Morandini e Paolo Mereghetti. Il gruppo rivale proveniva dall'esperienza del Cinestudio (un cineforum di lontana matrice cattolica), ma aveva dato vita a una delle realtà cineclubbistiche più originali e autorevoli dell'intero panorama nazionale, il Movieclub, destinato a lasciare un segno nella cultura cinematografica di quegli anni. Gianni Rondolino ne faceva da padrino, ma l'autentico animatore era un collezionista appassionato e di grande cultura cinefila, Baldo Vallero, a sua volta attorniato da una gruppo di universitari, fra i quali spiccavano Roberto Turigliatto e Stefano Della Casa. Poteva contare su di un'unica sala (un cinema parrocchiale di 200 posti scarsi), alla quale si poteva accedere solo dopo essersi associati, che svolgeva un'intensa attività quotidiana di programmazione, privilegiando i classici hollywoodiani ma senza trascurare incursioni nel cinema popolare italiano (Matarazzo) e nei nuovi territori del cinema europeo (Wenders, Straub e Huillet). Inutile dire che tra i due gruppi la rivalità era forte, anche se mascherata da rapporti di formale cortesia e rispetto reciproco. Ma Peiretti, che mal sopportava l'esplicita concorrenza degli agguerriti rivali, aveva firmato un accordo con la prestigiosa Unione Culturale (un'associazione di area comunista) per dar vita al Kinostudio, un nuovo cineclub ricavato nei seminterrati di Palazzo Carignano. I lavori, lunghi, complessi e costosi, si erano conclusi alla fine del 1976, non senza lasciare strascichi economici che avrebbero portato, di lì a pochi mesi, alla rottura dei rapporti fra le due associazioni, con la conseguente scomparsa della creatura appena nata e la cessione dei locali al Movieclub, che la trasformò nella propria, fortunata sede, sino alla chiusura decretata dalle autorità nel 1984, in seguito all'inasprimento delle norme di sicurezza sui locali pubblici provocato dall'incendio del cinema Statuto. Nei pochi mesi di attività, comunque, il Kinostudio si era ritagliato un ruolo di prestigio e conquistato un pubblico affezionato, puntando a differenziarsi dal Movieclub in virtù di un'attenzione più sistematica alle emergenze del nuovo cinema contemporaneo e alla riproposta selezionata di opere dimenticate del passato. Il sottoscritto, che aveva mosso i suoi primi passi da criticoorganizzatore nelle fila dell'AIACE sin dal 1972, aveva appena terminato il servizio militare e gli era stato offerto di occuparsi della programmazione della nuova sala, con la supervisione lasca ma autorevole di Gianni Volpi. La notizia del successo romano di Io sono un autarchico non poteva passare inosservata, né fu difficile ottenere il numero telefonico di Nanni Moretti. Il quale, superata l'iniziale e inevitabile diffidenza (all'epoca, molto maggiore di quella che ancora oggi lo caratterizza, seppur giustificatamente), accettò di buon grado l'invito a portare il suo film a Torino e a presentarlo in una proiezione del neonato Kinestudio. “Portare” in senso letterale e non figurato, perché non fu certo questione di spedire la copia per corriere o, come ancora si usava în quegli anni, per ferrovia. Messa in valigia l'originale in Super8, Nanni prese di persona la via del Nord, dopo aver acquistato un biglietto per un posto în cuccetta, che gli sarebbe stato rimborsato al suo arrivo. L'appuntamento era alla stazione di Porta Nuova, intorno alle 8 del mattino di una fresca giornata primaverile del 1977. Io, che abitavo a poche centinaia di metri di distanza, pensai bene di portarmi dietro una copia di Films and Filming con la foto di scena del film (assai piccola, per la verità): vi s‘intravedeva Nanni, con lunghi capelli al vento, baffi spioventi e una valigia in mano. Speravo così di riuscire a riconoscerlo tra la folla di viaggiatori che affollavano il lungo treno notturno. In testa al binario, facevo da spartiacque tra due ali interminabili di folla frettolosa che si dirigeva all'uscita. I minuti scorrevano, mentre Nanni non si manifestava e la mia inquietudine cresceva. Dopo un tempo che mi parve interminabile, rimasi solo a fissare un tipo che non assomigliava per nulla alla foto che tenevo in mano e che, per fortuna mia, si decise a fare la prima mossa. Fu l'incontro di due timidi. Mi offrii di portare la valigia, mentre cercavo di superare l'imbarazzo imbastendo una qualche forma di conversazione plausibile. Lungo la strada, tappa per la colazione in uno storico bar torinese, Platti, che Nanni sembrò molto apprezzare (cappuccino e croissant, naturalmente), prima di raggiungere il piccolo appartamento che dividevo con un compagno di studi, dove si poté finalmente lavare e cambiare. Quel poco che ricordo del resto della giornata ha a che fare soprattutto con la riluttanza di Nanni a rispondere alle domande dei giornalisti presenti alla conferenza stampa della tarda mattinata, e a quelle del pubblico alla proiezione serale. Chi conosce il Moretti a dir poco loquace degli ultimi anni, sempre articolato nelle risposte, pronto alla battuta e piuttosto propenso a “dirigere” la discussione chiunque sia il conduttore dell'incontro, farà fatica a immaginare il ragazzo taciturno, serissimo, restio nel rispondere a qualsiasi domanda sino a sfiorare l'afasia, che affrontò con mal celato impaccio il previsto e atteso incontro con gli interlocutori torinesi. I quali, è noto, non annoverano certo tra le proprie doti quella di una naturale e contagiosa espansività: motivo per cui il divertimento suscitato dalla visione del film non bastò a far sî che il dibattito seguito alla proiezione s'incamminasse lungo binari propriamente euforici. Esuberanza (mancata) a parte, il gradimento fu elevatissimo, pari almeno alla curiosità iniziale per il film venuto dal nulla e per il suo regista, che a detta di tutti risultò tanto ricco di talento quanto riservato, per non dire enigmatico. Pochi mesi dopo, Essai pubblicò una lunga intervista con Nanni, L'anteprima torinese di Ecce bombo, ad un solo anno di distanza, si tenne invece nella saletta interna della sede dell'AIACE, in Galleria Subalpina. Da allora, mi è capitato più volte di fare da sparring partner al regista, nei molti incontri pubblici che si sono succeduti nel corso degli anni nella nostra città (e, in un paio di occasioni, anche altrove). Come dice Gary Marcus nel suo libro su Bob Dylan, “ho accettato di raccontare questo ordinario episodio perché fu la prima di molte prime volte”. L'incipit di una storia che prosegue ed è lontana dalla sua conclusione. Per fortuna nostra e del cinema italiano. Buon anniversario, Autarchico.

* [[Io sono un autarchico]] (1976) di Nanni Moretti
* [[La cosa]] (1990) di Nanni Moretti
* [[The last Customer]] (2003) di Nanni Moretti

=== Nanni Moretti ===
Nato a Brunico, Bolzano, il 19 agosto 1953 fin da giovanissimo Moretti mostra una grande passione per il cinema. È Soldati a cavallo (John Ford, 1959) il primo film che vede, a nove anni, in compagnia del fratello e del padre Luigi, professore universitario di epigrafia greca. Al liceo è un assiduo frequentatore di sale cinematografiche, soprattutto d'essai, non immaginando che in uno dei più illustri cineclub romani, il Flmstudio, riscuoterà uno straordinario successo con Io sono un autarchico (1976), il primo lungometraggio. Pratica pallanuoto a livello agonistico arrivando a giocare in serie A nella Lazio e nella Nazionale giovanile. A vent'anni vende la sua collezione di francobolli per comprarsi una Canon Super8 con cui realizza La sconfitta (1973), riflessioni di un giovane militante dell'estrema sinistra alternate alle immagini di una grande manifestazione di metalmeccanici per le strade di Roma. Regista, attore, produttore, sceneggiatore, vuole fondere sul grande schermo esperienze di vita quotidiana e avvenimenti di attualità politica. In questo periodo coinvolge nei progetti amici e parenti, tra cui il padre, che figurerà in molti film come Ecce Bombo (1978), secondo lungometraggio, presentato al Festival di Cannes, realizzato con una vera troupe e con capitali dell'industria cinematografica. Raggiunge larga popolarità e ripropone il personaggio di Michele Apicella (suo alter ego cinematografico) qui immortalato sotto un grande poster di Buster Keaton mentre si dibatte tra nevrosi e disagi giovanili. Con Sogni d'oro (1981) si aggiudica il Leone d'Oro (Premio speciale della Giuria) alla Mostra di Venezia, e dirige per la prima volta Laura Morante. E' lei Bianca (1984), la professoressa di francese di cui si innamora Michele. L'anno dopo toglie (apparentemente) gli abiti di Michele per indossare la tonaca di Don Giulio, giovane sacerdote che assiste impotente al suicidio della madre în La messa è finita (1985), che vince l'Orso d'argento a Berlino e lo impone anche a livello internazionale. In onore del suo dolce preferito, nel 1987, fonda insieme ad Angelo Barbagallo la Sacher Film e produce il primo film di Carlo Mazzacurati, Notte italiana (1987). In omaggio alla passione giovanile, torna ai bordi di una piscina dove sta per svolgersi un'importante partita di pallanuoto (Palombella rossa, 1989). Come attore, dopo essere stato diretto agli inizi della carriera dai fratelli Taviani in un piccolo ruolo di Padre padrone (1978), offre una convincente prova (premiata con un David di Donatello) negli abiti corrotti del ministro Botero nel film di Daniele Luchetti Il portaborse (1991), mentre è un professore universitario scampato ad un attentato terroristico in La seconda volta (1995), esordio registico di Mimmo Calopresti. Dopo il mediometraggio La cosa (1990) apre un cinema a Roma, il Nuovo Sacher, e successivamente realizza un film in tre capitoli, Caro diario (1993) per la cui regia è premiato a Cannes. Sempre più osannato anche all'estero, dedica Aprile (1998) alla nascita del figlio. Per il film successivo (La stanza del figlio, 2001), torna ad affrontare conflitti e distacchi all'interno di una famiglia. Dopo il successo della pellicola, che vincerà la Palma d'Oro a Cannes, continua l’attività di produttore e nel 2006 torna di nuovo nelle sale come regista (e attore) con Il Caimano nuovamente in concorso a Cannes.

== Diaries and Family Movies ==
Cè un comune denominatore nei film di questa sezione. Sono tutti racconti in prima persona. Nel senso che in ognuno di essi il cineasta è anche attore, anzi protagonista della storia raccontata. Questo sia che avvenga implicitamente (con una voce off “personalizzata” ad esempio, o con un dispositivo di messa in scena dichiaratamente soggettivo, vedi Svyoto), sia che la presenza, il corpo dell'autore sì manifesti apertamente come elemento fondante della narrazione e “dialoghi” - senza occultamenti fittizi - con gli altri personaggi dell'azione (normalmente familiari, amici, comunque “intimi” rispetto a chi filma). è questa una tendenza che coinvolge molti dei rappresentanti più autorevoli della “modernità” cinematografica, da Godard a Kiarostami, da Kramer a Gitai. Ma sarebbe impresa vana farne l'elenco perchè la mise en scène totalmente “agìta” dal metteur en scène è forse una delle caratteristiche fondanti del cinema di oggi, almeno nei “documentari” che non devono a priori dissimulare l'atto stesso del filmare come esperienza vissuta. Alla base del fenomeno c'è un’evoluzione-rivoluzione tecnologica che parte dalle camere leggere 16mm con suono sincrono degli anni ‘60 e arriva alle micro-camere video digitali di oggi. Il cineasta sempre di più può “fare da solo”, o almeno circondarsi di pochissimi collaboratori. E' un mito che si realizza: quello della camèra-stylo di Astruc che negli anni ‘50 aveva permesso “teoricamente” la nascita della nouvelle vague e che oggi si compie più o meno letteralmente. Potrebbe sembrare che dietro questa idea ci sia un atteggiamento implicitamente negativo o almeno discutibile: il cineasta si può abbandonare a un'autoreferenzialità totale e irrefrenabile, a un narcisismo che diventa di per sé la cifra dominante della messa in scena. In realtà nei film qui proposti e negli autori “di riferimento” tra cuì quelli citati prima, credo che si possa affermare decisamente ìl contrario. Innanzitutto in questo modo si affronta radicalmente una delle questioni-chiave che agitano per esempio il documentario contemporaneo: chi parla quando una voce o le immagini stesse raccontano una storia, di quale natura è il rapporto con l'altro filmato, quale origine, quale desiderio è collegato con l'atto di filmare in relazione alla connessione intellettuale ed emotiva che sì vuole stabilire con lo spettatore (su questi è è più volte espresso con estrema lucidità Jean-Louis ( di Vedere e potere, Donzelli, 2006)? Ma il punto della questione non risiede tanto in questa implicita negazione della presunta oggettività dello sguardo e della voce dell'opera nel cinema classico (la voce padrona, la “voce di dio; dei commenti off nei cinegiornali e nei film di montaggio più o meno di propaganda) ormai non più accettabile per la sensibilità dello spettatore contemporaneo, quanto nel fatto che la parola visione in prima persona del cineasta sono estremamente restie a pronunciare qualsivoglia espressione di “verità”. Ciò che risulta evidente anzi sono proprio le esitazioni, i turbamenti, le “falle in sintesi l'impossibilità di un controllo reale su immagini e suoni l'apertura incondizionata ad un'alea che in qualsiasi momento puoi fare irruzione e negare l'assunto di partenza. Quali storie si raccontano in questi film? Storie di famiglia, si diceva che vengono a coincidere inevitabilmente con brandelli di storia con frammenti di memoria collettiva. Si tratta di solito di viaggi senza verità acquisite, alla ricerca di un possibile, ulteriore verità in tracce di un passato che riaffiora in un fotogramma che magari si pensava perduto o in una parola che si pensava impronunciabile. Un viaggio forse terapeutico quindi per chi filma, e forse anche per lo spettatore, confrontato con un spesso impudica esibizione di relazioni e di conflitti affioranti dopo un percorso doloroso o comunque intensamente attraversato. Molto spesso questi viaggi nel tempo si compiono con la necessaria mediazione di immagini precedenti a quelle girate nel qui e ora del film che si sta facendo. “Materiali” d'archivio, immagini girate senza fini professionali, “home-movies”. C'è un fascino un'attrazione misteriosa che ci coinvolge in queste sequenze per definizione anonime (per noi spettatori) e quindi collettive. Quelle immagini per così dire “resistono” alle possibili manipolazioni di montaggio, si presentano in qualche modo come irriducibili e non controllabili perché quello sguardo, quella postura, quella situazione storicamente situabile ci parlano direttamente oltre il film stesso restano in una zona “franca” che è quella di ogni possibile memoria pubblica o privata ma comunque arcana. Ancora una volta il cineasta avvertito e consapevole non può dimettersi al servizio di questa incontenibile estraneità, delega una parte della propria illusione di dominio autoriale a quell'universo visivo e sonoro che lo ha preceduto, interrogarsi su di esse restituircene intatta la “grana” del tempo e la forza di un bagliore epocale.

* [[Citadel]] (Canada, 2005) di Atom Egoyan
* [[Dear Pyongyang]] (Giappone, 2005) di Yonghi Yang
* [[Exile Family Movie]] (Austria, 2005) di Arash
* [[Le Filmeur]] (Francia 2004) di Alain Cavalier
* [[Following Sean]] (USA, 2005) di Ralph Arlyck
* [[Forever yours]] (Norvegia, 2005) di Monica Csango
* [[I for India (]]Ger, Ita, Uk, 2005) di Sandhya Suri
* [[The Real Dirt on Farmer John]] (USA, 2005) di Taggart Siegel
* [[Svyato]] (Russia, 2005) di Victor Kossakovsky
* [[Voyage en sol majeur]] (Francia, 2005) di Georgi Lazarevski

== Omaggio ad Alessandro Blasetti ==

=== Alessandro Blasetti ===
di Gianfranco Miro Gori

Blasetti ha realizzato, dall'inizio della sua carriera agli anni Sessanta, un discreto numero di documentari. L'origine dei due tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio dei Sessanta Europa di notte (1958) e Io amo, tu ami... (1961), si trova nel suo primo, Nerone (1920) imperniato su Ettore Petrolini popolare maschera del teatro comico; un altro antecedente è costituito dai film a episodi dell'inizio degli anni Cinquanta: Altri tempi (1952) e Tempi nostri (1954). Blasetti, geniale innovatore, trova l'ubi consistam dei sui “esperimenti” filmici più all'interno del proprio percorso d'autore che, filogeneticamente, per così dire, nel complessivo scorrere del cinema nazionale. Fonde così, in Europa di notte e Io amo, tu ami... due modalità espressive - come si è detto - già sperimentate: la riproduzione a scopo di testimonianza di altre forme artistiche e il film a episodi come nuova formula produttiva. Il tutto all'insegna del linguaggio televisivo che si sta imponendo, in Italia, proprio in quegli anni, Se l'intento blasettiano di documentazione rintraccia nel cinema ancora il suo medium ideale, la frammentazione narrativa, introdotta dalla televisione, si accentua rispetto al film a episodi della prima metà degli anni Cinquanta. Blasetti parlò all'epoca di “spezzatino di documentari ammucchiati in chissà quale guazzabuglio e in chissà quale padellone filmico. Proponevo niente meno che lo spettacolo-documento, documento - în quel caso - dei più validi numeri d’arte varia” che venivano presentati nelle capitali europee e “di cui in breve volgere di anni - chiosava Blasetti - non sarebbe rimasta traccia”. Europa di notte fu un campione d'incasso e dette il via a un nuovo filone cinematografico, all’inizio basato sullo spogliarello, poi sulle usanze sessuali primitive e infine trasportato nelle aule di medicina per mostrare, anche lì, fenomeni e pratiche sessuali. Blasetti, che ebbe la sua parte di reprimende (moralistiche), realizzò allora Io amo, tu ami... che intendeva esaltare l’amore e rivalutare i sentimenti più genuini. Ma ottenne scarso successo presso il pubblico e, nonostante le intenzioni, pure guai con la censura. Con questi film, anche se seguita a dirigere, prende congedo dal cinema e si avvia stabilmente al lavoro televisivo. Lui, a un dipresso, nato col medium per eccellenza della prima metà del Novecento, si dedica con intatto entusiasmo e generosità al piccolo schermo. Resta che il cinema nazionale gli deve molto; e qualche cosa tutti quanti i registi italiani. Parola di Luchino Visconti.

* [[Europa di notte]] (1959) di Alessandro Blasetti
* [[Io amo, tu ami...]] (1961) di Alessandro Blasetti

== Omaggio ad Antonello Branca ==

=== Antonello Branca ===
di Steve Della Casa

La storia di Antonello Branca è attraversata dalla sua straordinaria capacità di raccontare storie. Può sembrare paradossale, ma il cinema di Antonello Branca rappresenta il massimo di avventure che il documentario degli anni Settanta ha saputo esprimere. Ma andiamo con ordine. Branca ha lavorato nel documentario a partire dagli anni Sessanta e si è sempre distinto per il professionismo artigianale con il quale svolgeva il proprio lavoro, Per professionismo intendiamo un modo di concepire il documentario, che è sempre caratterizzato da una linea editoriale molto attenta a citare le fonti, a verificarle, a privilegiare numeri delle inchieste alle frasi ad effetto. Ma è professionismo anche la grande attenzione che Branca ripone nel fatto che i suoi film abbiano un produttore e un distributore, abbiano cioè la dignità di film e la visibilità di un pubblico. E la visibilità viene data dal fatto di lavorare per la Rai. Branca non è il solo regista di area militante che lavora per la televisione di stato (basta citare, ad esempio, l’esperienza di Romano Frassa) ma è quello che lo fa con maggiore continuità e con un raggio d’azione che in tanti anni lo farà impegnare dal documentario sociale all'inchiesta giornalistica, dal programma per ragazzi alle serie educational. Questo incrocio tra il cinema di Branca e la nostra televisione è una chiave di lettura molto importante per l'insieme del suo lavoro. Spiega ad esempio l'estrema semplicità e l'ampia documentazione che Branca mette sempre in campo per tutti i temi che affronta. Beninteso: non fa nessuna concessione sul piano politico (i suoi film sono sempre molto coerenti con le sue scelte di campo) ma cerca sempre di usare un linguaggio semplice e intelligibile, di spiegare tutto e, come dicevamo prima, di citare sempre fonti oggettive. Ma c'è anche un'estetica che sottende il cinema di Antonello Branca. È un’estetica fondata sull'incrocio tra sonoro e montaggio, che è particolarmente visibile nel suo tocco di modernità proprio all'interno dei suoi film girati in America. Un montaggio nervoso, un sonoro pieno di suggestioni. Paradossalmente, ricorda alcune soluzioni di Roger Corman e del suo giovane montatore, sia esso Monte Hellman o Martin Scorsese o Francis Ford Coppola (tre nomi che, come è noto, hanno mosso i loro primi passi proprio insieme al regista più inventivo degli anni Sessanta americani, insieme ovviamente a John Cassavetes). In questo senso, il cinema di Branca non è solo figlio di quelle ventate di rottura politica e sociale che attraversa in tutto il mondo tutti gli anni Sessanta, ma è anche fratello di tutte le innovazioni e le sperimentazioni che cambiano il modo di raccontare e di comunicare. Quindi, un documentario a tesi politica sostenuto da un modo di raccontare che non vuole mai essere piatto e piegato al fatto di dover sostenere per l'appunto una tesi. In questo senso, il cinema di Branca è un cinema militante che va oltre i difetti del cinema militante pur avendone i pregi. E, come sappiamo, non è poco. I temi che Branca ha affrontato nel suo cinema sono i più diversi, però è evidente che alcuni lo hanno affascinato di più. I bambini, ad esempio, oppure l'America. E in questa breve selezione con la quale Anteprima gli rende omaggio possiamo non a caso vedere l'America della contestazione e l'Italia che dopo pochi anni passa dalla grande speranza alla delusione più cocente, come testimoniano due bambini da poco cresciuti che vivono con la droga una vera e propria discesa dentro gli inferi della normalizzazione e della caduta dei propri sogni. Pochi anni separano le pantere nere dagli occhi intensi di Filomena e Antonio che vivono in una Milano diventata contemporaneamente da bere e da pere. E quel trascorso quasi impercettibile di tempo che sa diventare capacità di cogliere da subito i cambiamenti è la prova di quanto riesca davvero a fare Antonello Branca, narratore attento di quegli anni tumultuosi.

'''Antonello Branca''' è stato uno dei documentaristi italiani più significativi degli anni 60/70. Nato a Roma il 15 maggio 1935, è fotografo în Kenia a soli 24 anni, poi corrispondente da Londra per l'Agenzia Italia, dove inizia il suo percorso di documentarista. L'esordio è un reportage “diverso”: Aria di Londra (1961). Per quattro anni collabora con TV7, il programma d'informazione “cult” della seconda rete. IL suo servizio sul Vajont (1963), per primo denuncia le responsabilità umane del disastro. Il regista viene messo all'indice e allontanato per un lungo periodo dal programma. Nel 1965, Mastroianni si racconta ad Antonello, che lo segue per mesi nelle sue attività. Il ritratto è completato da quanti hanno lavorato con lui: Vasco Pratolini, Federico Fellini, Giulietta Masina, Valerio Zurlini, Pietro Germi, Luchino Visconti, Jeanne Moreau, Sophia Loren. Nel 1966 si trasferisce negli Stati Uniti, danno vita ad un ricchissimo percorso di documentazione. In What's happening ? (1967, Coppa Agis al Festival dei Popoli di Firenze del 1967), Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Allen Ginsberg, Andy Warhol, Fred Mgubgub, Marie Benois raccontano la loro America, la Pop Art e la Beat Generation. Nel 1968 gira California, un documento in tre puntate sullo stato più dinamico dell'Unione. Una canzone di Elaine Brown Seize the time ispira il titolo del film sul Black Panther Party (1970), un lungometraggio costruito con le Pantere Nere sulle condizioni di vita dei neri americani, la repressione, la resistenza organizzata del movimento. Seize the time vince il premio di qualità Ministero Turismo e Spettacolo al Festival di Pesaro del 1970. Nell'89 inizia una ricerca sul rapporto tra guerra e tecnologia che durerà quattro anni. Centinaia di interviste, la collaborazione di studiosi come David S. Landes, Nathan Rosemberg, l'apporto degli scienziati che costruirono la bomba A, hanno permesso di dare vita ad una trilogia, Guerra e tecnologia, che documenta il rapporto tra gli apparati militari e lo sviluppo economico degli Stati Uniti, dalla nascita dello stato americano, alla fine del ‘700, fino alla guerra del golfo del 1991. Negli ultimi anni aveva iniziato a lavorare ad un progetto ambizioso: una storia “alternativa” degli Stati Uniti, di cui ci resta un articolato lavoro su La grande depressione. La morte del regista interrompe questo percorso di ricerca il 25 giugno 2002. Tra i suoi lavori: La garrota, Un italiano guarda Londra (1961), Gli scopai di Cicognara, Le formiche del Gargano, La grande disputa, J.F.Kennedy: l'America degli anni ‘60 (1963), Intervista allo Scià di Persia, Le debuttanti (1964), Federico Fellini: regista (1965), I pionieri del deserto, Piena estate, Giorgio Strehler (1966), Vivere sani (1967), Los Angeles una città in automobile, California: il laboratorio del futuro (1968), La macchina del tempo (1969), Ai cancelli della Fiat (1972), La Banca d'America (1981), Scusi lei è di sinistra? (1982), Mi chiamo Rigoberta Menchù, L'acqua tra cielo e terra, Bonaventura e la tarantola (1985), T. Bone Pickens: P. come Profitto, Miami, la porta d'oro (1986), Autostrade S.P.A. (1988), L'economia del Pentagono, La guerra del petrolio, L'alba dell'era atomica (1993), L'anticittà, Lavorare a Roma, Cinecittà (1999), Basilicata, Abruzzo, Molise, Il New Deal di Roosvelt (2000). Nel 2003 nasce l'Associazione Culturale Antonello Branca. Il suo intento è quello di recuperare e preservare la straordinaria produzione dell'autore. Ma non soltanto la sua. ACAB si propone di contribuire alla salvaguardia del patrimonio di idee ed esperienze che tanti autori, come Branca, hanno profuso nei racconti del sociale e che costituiscono una ricchezza insostituibile non solo per i contenuti, ma per il modo di raccontare il mondo e di fare “cinema”.

* [[Voglio essere un cantante]] (1964) di Antonello Branca
* [[Storia di Filomena e Antonio: gli anni ‘70 e la droga a Milano]] di Antonello Branca
* [[Cartoline da Napoli]] (1977) di Antonello Branca

== Omaggio a Giuseppe Ferrara ==
Giuseppe Ferrara nasce il 15 luglio 1932 a Castelfiorentino, in Toscana. Si laurea in Lettere all'Università di Firenze con una tesi in storia del cinema, relatore Roberto Longhi. Inizia la sua attività come pubblicista cinematografico nel 1952. E' iscritto al Sindacato Critici Cinematografici Italiani. Si è diplomato in regia al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma nel 1959. Fra il ‘57 e il ‘66 pubblica i primi 3 libri sul cinema, e nel frattempo collabora alle principali pubblicazioni specializzate, fra cui "Bianco e Nero”, “Cinema”, “Cinema Nuovo”, “Cinema ‘60”, “Filmcritica”, “Schermi”, caratterizzando la sua ricerca nella direzione storico-saggistica. Ha realizzato documentari cinematografici, lungometraggi a soggetto e programmi sia per la Rai che per le Tv private. Nel 1960 fonda il mensile “Film Selezione”, che dirige per un anno. Ha collaborato con conversazioni di carattere cinematografico a Raidue e Raitre, ha diretto una “Enciclopedia pratica dello spettacolo” in 80 fascicoli (Accademia, 1970-76) ed ha collaborato a volumi di carattere antologico. Ha insegnato in scuole di cinema e realizzato programmi didattici sul cinema, divenendo in seguito direttore dell'Accademia Rosebud di Roma. Dal 1964 al 1969 ha fatto parte del direttivo dell’ANAC e della FILS-CGIL Cinema. Direttore di doppiaggio, è Presidente della NCD, Nuova Cooperativa Doppiaggio, e amministratore (dal 1968) della TV Cine 2000. Ha fatto parte degli organi dirigenti della cooperazione. I suoi documentari sono stati oggetto di un corso monografico presso l'Università di Bologna (prof. G. Bergamozzi) e di tesi di laurea. Tra i suoi libri: ‘Luchino Visconti’, ed. Seghers 1965; ‘Francesco Rosi’, ed. Canesi 1966; ‘Faccia di spia’, (con Umberto Giovine), Vangelista editore, 1975; ‘Manuale di regia’, Ed. Riuniti, 1999; Trai suoi corto e mediometraggi: l'amata alla finestra (1959); Bambini dell'acquedotto (1960); Lo stagno; Inchiesta a Perdasdefogu; I renditori di sogni; La pagella (1961); Brigata partigiana; Minatore di zolfara; Il ballo delle vedove; I Maciari (1962); La strada maestra; Le streghe a Pachino; Il mercato delle pulci (1963); Gilda (1964); Lavagna di cemento; La camorra (1965); Mafia d'Aspromonte (1966); Il gergo della malavita; Banditi in Barbagia (1967); Terzo mondo sotto casa (1970); A Orgosolo la terra ha tremato (1971); La città del malessere (1972); La ‘ndrangheta (1974); tutti vincitori di prestigiosi premi e riconoscimenti. Ha collaborato con numerose rubriche RAI tra le quali: Almanacco (1963); Si dice donna (1979) Rete 2; P2 Story o dei misteri d'Italia (1985), inchiesta in 5 puntate per le Tv private; Il cinema cos'è (1985-86), per il Dipartimento Scuola Educazione della Rai-tv; Donne di mafia (2001), telefilm in 2 puntate per Raidue. Ha realizzato molti lungometraggi tra i quali: Il sasso in bocca (1969-70), premio Spoleto per l'opera prima; Noce d'oro; premio Giovani protagonisti agli Incontri Silani; premio Mondello 1975; attestato di qualità 1970 del Ministero del turismo e dello spettacolo; Panagulis vive (1981), selezionato per i festival di Venezia, Mosca, Carrara; premio Laceno d'oro per la regia al festival di Avellino; Targa Cineclub Napoli; Cento giorni a Palermo (1984), premio Associazione amici dello spettacolo 1984; Targa Associnema e Cineclub Napoli; Airone Fedic; premio SIAE per la migliore colonna sonora (1980-84); Il caso Moro (I giorni dell'ira) (1986); Giovanni Falcone (1993); I banchieri di Dio (Il caso Calvi) (2002). Ha inoltre doppiato programmi di tutti i generi per RAI e Tv private.

=== Programma 1 ===

* Il ballo delle vedove (1962)
* I maciari (1962)
* Banditi in Barbagia (1967)
* A Orgosolo la terra ha tremato (1971)

=== Programma 2 ===

* Le streghe a Pachino (1963)
* La camorra (1965)
* Le ragazze dei grandi magazzini (1965)
* La città feticcio (1969) di Giuseppe Ferrara e K. Quien

=== Programma 3 ===

* Bambini dell'acquedotto (1959)
* Terzo mondo sotto casa (1970)
* La fabbrica degli angeli (1971)
* La città del malessere (1973)

=== “300 metri ad ostacoli” ===
Una testimonianza di Giuseppe Ferrara

Mi fa molto piacere vedere di nuovo proiettati i miei documentari, molti dei quali credevo ormai perduti. Soprattutto tengo a Bambini dell'acquedotto, il mio primo film del ‘59 che ha vinto il Nastro d’argento. Si tratta di un lavoro pre-pasoliniano: io, allora giovane studente del Centro Sperimentale di Cinematografia, mi sono introdotto all'acquedotto Felice, le cui antiche mura erano state colonizzate da immigrati italiani, quasi tutti del sud. Ho fatto un'inchiesta molto approfondita, ho conosciuto le persone, stretto amicizia con loro, ho sperimentato sulla mia pelle una situazione di profondo degrado che è la stessa descritta in “Una vita violenta”, che proprio in quel momento veniva dato alla stampa, e che Pasolini più tardi narrerà nel suo film d'esordio. E' il racconto di come vivevano i bambini nelle baracche, aspettando che la madre abbia fatto l'amore con i clienti, imparando il catechismo. Ho sempre privilegiato il tema dell'infanzia, penso che i bambini protagonisti di molti miei film abbiano un visione assai chiara anche se elementare delle cose. La realtà vista attraverso i loro occhi non degrada l'espressività o i contenuti ma rende il reale più accettabile, più popolare. Popolare è la parola giusta, perché il mio cinema non vuole mai essere “intellettuale”. In quel momento, inoltre, ero influenzato dal neorealismo, dai film dei maestri che avevo amato e studiato tanto approfonditamente da farne oggetto della mia tesi di laurea. Bambini dell'acquedotto, come quasi tutti i miei documentari successivi, è un piccolo film fatto con pochi mezzi. Avrei voluto che fosse più lungo, più ricco, ma non poteva durare più di 11 minuti perché il Ministero accettava per legge solo quelle durate. Ho usato fino all'ultimo metro a mia disposizione, 299 metri sui 300 consentiti. Si tratta di un “documento”, protagonista la gente reale in luoghi reali, ma dentro c'è già in nuce anche il mio cinema di finzione, a cui sono arrivato solo dopo 10 anni. Fare documentari allora era un lavoro improvvisato, da “peracottari”. Ci davano solo 1000 metri di pellicola 35mm e non avevamo quasi mai il fonico, tanto che il sonoro all'inizio era quasi sempre aggiunto a posteriori, e molti dei miei film sono infatti doppiati: una vera follia per un documentario! Avevamo solo 3 giorni di tempo per fare le riprese, al massimo una settimana se si doveva girare fuori Roma: se si pensa a quanto tempo Flaherty ha trascorso con Nanook ci rendiamo conto di come in due, tre giorni sia impossibile affondare davvero dentro la realtà che vuoi documentare. Allo stesso tempo avevamo però una grande libertà espressiva, ai produttori non interessava che facessimo un cinema impegnato nel sociale e ci lasciavano trattare anche i temi più scottanti perché, nonostante la programmazione fosse sancita per legge, ormai i documentari non venivano quasi mai visti in sala. Gli spettatori li detestavano, ed esisteva un tacito accordo tra pubblico, esercenti e autorità incaricate di controllare che di fatto rendeva la programmazione obbligatoria una realtà puramente fittizia. Il documentario però aveva allora un'importanza fondamentale, era una sorta di palestra per giovani registi che potevano cimentarsi con il linguaggio del cinema. Io ho diretto quasi cento cortometraggi, ho imparato moltissimo grazie a questa legge che, nonostante le sue imperfezioni, mi ha consentito di esercitarmi a fare cinema, sia nel campo del documentario che della fiction, perché alcuni corti, pur se utilizzavano sempre personaggi e luoghi reali, erano costruiti come piccole novelle ambientate nella periferia romana. Questa della breve novella di fiction era una tendenza diffusa nei miei lavori, mentre gli altri temi fondamentali erano le inchieste sul meridione e l'indagine della capitale. Roma era una necessità per i modi e i tempi imposti dalla produzione: vi ho girato circa 30 documentari, che costavano pochissimo. Del resto ero bravissimo a risparmiare, facevo il fonico da solo, avevo imparato a usare il registratore Maihak. Il problema più grande era la macchina da presa, che non era insonorizzata; ma in quelle condizioni non sarebbe stato possibile girare con il “blimp” perché la cinepresa sarebbe diventata pesantissima e ingestibile. Il 16mm l'ho usato meno all'inizio degli anni sessanta, anche perché era ancora poco diffuso; ero dunque costretto a girare anche le interviste con una rumorosissima Arriflex 35mm, che avvolgevo con molte coperte per tentare di eliminare il rumore. Nelle interviste usavo lo zoom e cercavo di tenermi il più lontano possibile dai personaggi, almeno per garantire un'audizione accettabile, e comunque sempre abbastanza modesta. La mancanza di tempo e le condizioni di lavoro che ho chiamato da “peracottari”, termine gergale che definisce bene il nostro operato di quegli anni, mi imponevano di documentarmi a priori; sentivo fortissima l'esigenza di studiare la realtà che intendevo indagare partendo da inchieste preesistenti: spesso ricorrevo al lavoro di storici e giornalisti, come quello di Longo e Serao all'origine de La camorra, o l'inchiesta di Arturo Gismondi pubblicata su “Paese sera” usata per Banditi in Barbagia. Per questo film ho fatto a Roma un lungo lavoro di ricerca; quando sono andato a girare a Orgosolo avevo già stabilito i contatti con le persone sul luogo? ho trovato un ambiente già preparato. I miei documentari sono în primo luogo dei film politici, come si evince dai temi trattati, dalla durezza del commento. Sono un regista di sinistra e mi sono sempre considerato un militante, Ho sempre pensato di fare i film per il movimento operaio, e da socialista bassiano ho preso parte attiva nella vita politica e ho contribuito alla fondazione del Psiup. Ora mi rendo conto con la fine della classe operaia sia inarrestabile, perché lo stesso capitalismo è cambiato, il padrone e l'operaio non sono più nemici, sono sulla stessa sponda economica che è quella del Mercato. Ma le battaglie di allora, quelle contro la mafia, le aberrazioni del potere, la cecità di ogni estremismo politico sono ancora attive. Forse oggi sono più disilluso, ma non mi sento ancora sconfitto.

Da una conversazione di Laura Buffoni con Giuseppe Ferrara, a Roma, aprile 2006

== Fuori concorso ==

* [[Adolfo Celi, un uomo per due culture]] (2006) di Leonardo Celi
* [[Colpi di testa]] (2005) di Loredana Conte
* [[L'Eletta]] (2006) di Camilla Paternò e Matteo Basilé
* [[Il Grande Fardello]] (2004) di Simone Pera e Marianna Schivardi
* [[Hermanos de Italia]] (2006) di Volfango De Biasi
* [[L'impero del sole]] (1956) di Enrico Gras, Mario Craveri e Giorgio Moser
* [[Luigi, Teresa e la campagna d'Africa]] (2006) di Luca D'Ascanio
* [[Le mie elezioni]] (2006) dei Vloggers
* [[Il peggio di noi]] (2006) dì Corso Salanì

=== I Diari della Sacher ===
La Sacher Film ha prodotto, in due edizioni, prima 7 e poi 4 documentari tratti dalle testimonianze raccolte nell'Archivio Diaristico nazionale di Pieve Santo Stefano: memorie e diari, raccontati dai protagonisti stessi, storie di donne e uomini, gente comune, che rivivono nel ricordo momenti diversi della storia d'Italia. Nanni Moretti ha presentato I diari della Sacher alla 58° Mostra del Cinema di Venezia, dove hanno ottenuto una segnalazione della Giuria del Premio Fedic. I diari della Sacher 2002 vengono presentati da Nanni Moretti e Angelo Barbagallo per la prima volta il 4 agosto al Festival di Locarno, nella sezione “Cineasti del presente”. I film, coprodotti da Sacher, Tele+ e Rai3, vengono trasmessi su Tele+ grigio e nel periodo aprile-maggio 2002 su Raitre.

* Ca Cri Do Bo (2001) di Susanna Nicchiarelli
* Antonio Ruju. Vita di un Anarchico Sardo (2001) di Roberto Nanni
* Bandiera Rossa e Borsa Nera (2001) di Andrea Molaioli
* In Nome del Popolo Italiano (2001) di Valia Santella
* Scalamara (2001) di Giuseppe M. Gaudino
* I Quaderni di Luisa (2001) di Isabella Sandri
* Davai Bistrè! Avanti! Presto! (2001) di Mara Chiaretti
* Zappaterra (2002) di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* L'acqua in mezzo (2002) di Daria Menozzi
* Il salumificio (2002) di Alessandra Tantillo
* L'implacabile tenente Rossi (2002) di Francesco Calogero

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2006]]

2006

2025-04-01T16:19:05Z

Thomas: /* I Diari della Sacher */

== Enti promotori ==
[[File:2006 Locandina Bellaria Film Festival Anteprima Doc.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2006]]Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo, immagine ===
Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Bruno Bozzetto

=== Sigla ===
Alessio Fattori, Antonio Tolo

=== Proiezioni ===
Brenno Miselli, Angela Miselli, Marco Davolio

== PRESENTAZIONE ==
Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Antonio Bernardi

L'impegno da mantenere è grande, la nostra responsabilità ancora maggiore - ventiquattro anni per una rassegna come Anteprima segnalano, oltre che una caparbietà notevole per un festival di queste dimensioni, anche l'arduo compito, la costanza, di mantenere le premesse per un continuo sguardo “oltre lo steccato”. Rinnovarsi noi per essere attrezzati e utili ad una causa che mai come oggi ha bisogno di luoghi dove coltivare un seme, un'idea di cinema, utile al cinema stesso e ai diversi “attori” che lo abitano. Bellaria Igea Marina come luogo che da sempre apre le porte ai giovani filmaker è la premessa costante e da questo principio siamo partiti per rendere omogenei i contenuti della nostra rassegna. E il “doc” che segue ad Anteprima segnala il tema del cambiamento in atto, i documentari, pur nella continuità di una “Denominazione di Origine Controllata” che ci regala ad esempio, nella consueta Festa di compleanno, la presenza di Nanni Moretti con i trent'anni di "Io sono un autarchico". Il ricco programma, che vede da quest'anno anche il ritorno di una pregevole sezione internazionale, è il frutto dell'ottimo lavoro svolto dal nuovo direttore artistico Fabrizio Grosoli che ringraziamo e salutiamo assieme a tutto lo staff. Anteprimadoc, forte anche di una rinnovata attenzione dei vari enti (Regione Emilia Romagna e Provincia di Rimini) che lo sostengono, continua a dare il proprio contributo originale ad un settore, il cinema, esplorandone nuove e innovative contaminazioni.

=== INTRODUZIONE ===
Di Fabrizio Grosoli

Ho accettato la direzione del Bellaria Film Festival con la consapevolezza di dover immaginare un festival “nuovo” - di aprire forse, un nuovo “ciclo” - e nello stesso tempo di non poterne tradire la Storia, l'identità. “Anteprima” compie 24 anni. È un festival dunque più che maggiorenne, cosa che si può dire di ben poche manifestazioni cinematografiche nel nostro paese. Tutto il cinema indipendente italiano è stato a Bellaria. Dai cineasti diventati “mainstream” a quelli che hanno continuato a filmare restando in qualche modo fuori dalla professione a quelli che, semplicemente (o tragicamente) si sono perduti. Non c'è regista, attore, critico, persona “del mestiere” da me contattata in questi mesi che non avesse un ricordo personale gradevole, un aneddoto solitamente affettuoso legato alla propria presenza a Bellaria. Per tutto questo è obbligo ringraziare tutti coloro che questo festival lo hanno voluto e continuano a volerlo, dai “politici” alle ragazze e ai ragazzi di un'organizzazione più che militante. Il ringraziamento naturalmente va esteso a chi mi ha preceduto, a tutti i direttori delle passate edizioni. E consentitemi un tributo particolare al “più direttore” di tutti , Morando Morandini. Morando è stato anima e testa pensante di Anteprima fin dall'inizio (era l'anno secondo: codirezione Morandini-Volpi). Non sembri piaggeria se dico che lui è stato ed è - per chiunque abbia deciso di fare del cinema in qualsiasi modo la propria vita - uno dei pochi maestri veri, un maître à penser senza cattedre e senza fronzoli, un ricercatore instancabile e inesauribile capace di andare oltre ogni verità acquisita. Nessuna rivoluzione allora, nessuno stravolgimento dell'identità bellariese in questa edizione numero 24. Alcune delle sezioni storiche del festival del resto rimangono inalterate. A cominciare dalla Festa di Compleanno, celebrazione di un film-chiave della storia del nostro cinema a 30 anni dalla sua realizzazione. E questa volta non si poteva non festeggiare Io sono un autarchico, avventurosa opera prima, emblema stesso del cinema indipendente autoprodotto, caso fortunatissimo e pionieristico (che apre idealmente e paradossalmente la strada all’epoca del video e poi del digitale) di piccolo film che sfida i propri limiti di “formato” (il Super8) per svecchiare il cinema “grande” delle sale. Al tempo stesso celebriamo dunque i 30 anni di cinema di Nanni Moretti, il nostro cineasta più importante, oggi, al termine di una stagione che ha visto il trionfo di un film comunque epocale come Il Caimano. Ma ne ricordiamo anche la sua attività più appartata, quella di documentarista, con le 2 non-fiction dirette da lui e con la serie dei Diari prodotta dalla Sacher. Altro appuntamento tradizionale è il concorso 150 Secondi a tema fisso. Questa volta il tema in questione è 9 aprile e i cortissimi ammessi sono realizzati con la tecnologia - che sta ormai per entrare nell'uso corrente - fornita dai telefoni cellulari. Il resto del programma è impostato su una forte omogeneità di proposte. Anche in questo caso non si tratta di contraddire il passato, ma di evidenziare piuttosto una tendenza già emersa nelle ultime edizioni. Il Festival è da quest'anno interamente dedicato al documentario. Purtroppo una tradizione negativa - un pregiudizio che si può far risalire all'equivoco tutto di matrice televisiva e tutto italiano secondo cui questa forma d’espressione si associa unicamente alla pseudodivulgazone culturale o al reportage - rende necessaria una precisazione. Quando parliamo di documentario intendiamo riferirci al cinema del reale, a tutti i generi di racconto che non partono dalla costrizione preordinata di una scrittura della finzione, ma che nondimeno sono appunto narrazione, visione personale e creativa delle cose, pratica linguistica continuamente posta in questione e rinnovata. Perché allora il documentario ? Perché in tutto il mondo la fiction classica mostra segni di consunzione e gli autori più innovativi vedono sempre più spesso il segno della modernità nella contaminazione con i procedimenti del cinema “diretto”. Perché anche in Italia è ormai la più vera espressione di produzione indipendente e il più concreto terreno di sperimentazione “sul campo” proprio a partire dalla sua “povertà”, dalla cronica mancanza di committenza televisiva. Perché i cineasti che vi si cimentano, siano essi veterani della fiction o giovanissimi esordienti, di norma non sono mossi da un intento accademico, dalla volontà di creare meri esercizi di stile, ma al contrario da un'esigenza interiore, da una forte motivazione sociale e personale insieme. Perché infine c'è forse la necessità che tutto il mondo del documentario italiano possa ritrovare un proprio luogo d'incontro in cui confrontarsi e scambiarsi esperienze e Bellaria ha l'ambizione di diventare questo luogo, questa “casa”. Il Festival allora si regala un suffisso e si trasforma quest'anno in Bellaria Film Festival - AnteprimaDoc. Questo significa che i 2 Concorsi tradizionali sono dedicati a documentari di autori italiani: il primo, AnteprimaDoc appunto, riservato ad opere inedite di qualunque supporto, formato, durata, mentre il secondo, il Casa Rossa, si vuole attribuire l'arduo compito di segnalare le prove migliori degli ultimi 12 mesi, concentrandosi soprattutto su film meritevoli di più ampia diffusione dopo fuggevoli passaggi televisivi o festivalieri, e affidandoli a una giovane giuria fatta da studenti di cinema. Per entrambe le selezioni mi sono avvalso della collaborazione di alcuni amici, Laura Buffoni, Luca Mosso, Cristina Piccino e Dario Zonta che ovviamente ringrazio per essersi assunti la responsabilità di scelte tanto impegnative (oltre 200 titoli visionati solo per AnteprimaDoc) quanto inevitabilmente tendenziose. E forse l'obiettivo di più ampio respiro che ci si propone è quello di iniziare un lavoro di “scavo” per riportare alla luce la stagione gloriosa (eppure in gran parte coperta dall'oblio) del documentario italiano, quella che a mio avviso va dal dopoguerra alla fine degli anni ‘70. Nella speranza di avviare un progetto pluriennale, in questa edizione di apertura si è scelta per ora sommessamente la strada degli omaggi (nell'attesa di spazi che permettano la proposta di personali complete) ad autori come Antonello Branca (prematuramente scomparso, è stato uno degli interpreti più brillanti e coraggiosi del documentarismo d'inchiesta negli anni ‘60-'70), Giuseppe Ferrara (con i suoi “corti” sociali e di costume fatti per la Corona Film, il cui archivio è stato di recente acquisito dalla Cineteca di Bologna) e Alessandro Blasetti (quello dei lungometraggi “erotici”, Europa di notte e Io amo, tu ami). Ma c'è în più un'indicazione di tendenza, una sorta di filo rosso che attraversa questo Bellaria Film Festival 2006: tra le tante “anime” del documentario di oggi l'attenzione va prioritariamente ai film dove il cineasta si mette in gioco in prima persona per raccontare una realtà certo personale e intima, ma anche di memoria familiare e inevitabilmente storica. Una tendenza che è emersa con forza negli ultimi anni a cui è dedicata interamente la sezione internazionale che abbiamo voluto chiamare appunto Diari & Film di famiglia (e dove questo tema è declinato con gli accenti più diversi e creativi anche da cineasti ampiamente noti come Kossakovskij e Egoyan), ma che percorre con un segno estremamente marcato ed emblematico tutte le sezioni del Festival e che si ritrova anche nei seminari o workshop voluti insieme alle organizzazioni di categoria come Doc/It e D.E.R. (Documentaristi dell'Emilia-Romagna), all'Associazione Home-Movies, e negli incontri con autori come Marco Paolini e Mimmo Calopresti. Un ultimo ringraziamento va a chi ha aiutato concretamente un festival come il nostro, perennemente minacciato da questioni di budget: la casa di produzione (h)films, che ci ha permesso di allestire un nuovo, indispensabile spazio per proiezioni e il Canale satellitare Cult del gruppo Fox. Un rapporto, questo di collaborazione particolarmente feconda. Cult è, crediamo, il solo canale TV la cui programmazione è ampiamente dedicata al documentario creativo, al cinema del reale, insomma. Alcuni dei film internazionali presentati in anteprima a Bellaria saranno diffusi su questa rete così come reciprocamente i responsabili di Cult s'impegnano ad acquisire almeno uno dei titoli di AnteprimaDoc. Pur nell’ovvio rispetto dell'indipendenza di scelte tra un festival e un canale televisivo si tratta a nostro avviso di un passo concreto per tentare un avvicinamento tra proposte artistiche di una manifestazione tradizionalmente priva di intenti commerciali e opportunità di mercato. E questo ha un significato particolare, riteniamo, in un settore come quello del documentario italiano dove la sinergia, normale altrove, tra produttori indipendenti e committenza televisiva costituisce ancora una delle principali questioni non risolte.

== ANTEPRIMADOC ==

* [[L'amore che fugge]] (2006) di Maria Martinelli
* [[Casa Plastica]] (2006) di Chiara Brambilla, Paola Tursi e Nicola Lombardelli
* [[Chiamami Mara]] (2005) di Bruno Bigoni e Lara Gastaldi
* [[L'estate di una fontanella]] (2006) di Martina Parenti
* [[Furriadroxus]] (2005) di Michele Mossa e Michele Trentini
* [[L'Isle]] (2005) di Chiara Malta
* [[Mae Baratinha, una storia di Candomblé]] (2005) di Mario Balsamo
* [[Matti alla ricerca di un altro destino]] (2006) di Filippo Lilloni
* [[Un metro sotto i pesci]] (2006) di Michele Mellara e Alessandro Rossi
* [[Nerik]] (2006) di Antonella Grieco e Pasquale Di Meglio
* [[Periferia Italia]] (2006) di Francesco Nicchiarelli
* [[La rivoluzione non è una cosa seria]] (2006) di Marilena Moretti
* [[Souvenir Srebrenica]] (2006) di Luca Rosini
* [[Uno straordinario evento]] (2006) di Theo Eshetu
* [[They call me Muslim]] (2005) di Diana Ferrero
* [[Una volta nella vita. Torino 2006]] (2006) di Lucio Pellegrini

=== I Giurati ===

* Edoardo Albinati è nato nel 1956 a Roma. Ha pubblicato vari libri di narrativa e di poesia, tra cui "il polacco lavatore di vetri”, “La comunione dei beni”, “Orti di guerra”, “19”, “Sintassi italiana”, "svenimenti”, con cui ha vinto il premio Viareggio 2004. Da oltre dieci anni insegna presso il penitenziario di Rebibbia a Roma, esperienza che ha narrato nel diario “Maggio selvaggio” (Oscar Mondadori 2001). Ha inoltre partecipato a missioni in Afghanistan e in Ciad per conto dell'UNHCR, l'Alto Commissariato delle Nazioni Unite per i Rifugiati, scrivendo reportages per “Il Corriere della Sera” e “La Repubblica". Il resoconto della missione a Kabul è raccolto nel libro “Il ritorno” (Oscar Mondadori 2002). Il suo libro più recente è il romanzo “Tuttalpiù muoio” (Fandango 2006) scritto con Filippo Timi.

* Francesca d'Aloja, è nata e vive a Roma. Attrice teatrale e cinematografica, ha girato 21 film tra i quali Hamam il bagno turco di Ferzan Ozpetek, La Scorta di Ricky Tognazzi, La Cena di Ettore Scola, L'Ultimo Capodanno di Marco Risi, Tre Mogli di Marco Risi, Scarlet Diva di Asia Argento, L'Odore della notte di Claudio Caligari. Ha appena finito di girare All'Amore Assente di Andrea Adriatico. Regista e sceneggiatrice ha realizzato 4 documentari, il primo dei quali, Piccoli Ergastoli, interamente girato all'interno del carcere di Rebibbia con la collaborazione dei detenuti. Dopo quell'esperienza ha lavorato per due anni in carcere come volontaria. Scrittrice, nel 2004 ha cominciato a scrivere il suo primo romanzo, “Il sogno cattivo”, appena pubblicato da Mondadori dal quale verrà tratto un film per la sua regia.

* Davide Ferrario ha cominciato a occuparsi di cinema da critico e distributore per la Cooperativa ‘80. Nel 1985 ha scritto la sceneggiatura di 45° parallelo di Attilio Concari. Ha esordito alla regia nell'89 con La fine della notte seguito da Anime fiammeggianti (1994), Tutti giù per terra (1997), Figli di Annibale (1998), Guardami (1999), Dopo mezzanotte (2004) e Se devo essere sincera (2004) con Luciana Littizzetto.

* Angelica Grizi è stata Channel Editor di RaiSatArt, ha lavorato come autrice per la Rai, la7 e Buena Vista Productions. Oggi lavora come Channel Editor a Cult, canale satellitare tematico di Fox International

* Italo Moscati, scrittore, regista e sceneggiatore. Nato a Milano, ha vissuto a lungo a Bologna; abita e lavora a Roma. Ha collaborato con Liliana Cavani, Luigi Comencini, Giuliano Montaldo, Silvano Agosti. Ha svolto e svolge attività di critico teatrale e cinematografico per numerosi giornali e riviste, oltre che per RaiSat CinemaWorld e Hollywood Party. E stato capo dei Servizi sperimentali della Rai-Tv producendo i primi film di Gianni Amelio, Maurizio Ponzi, Peter Del Monte e altri, lavori di Jean Luc Godard, Glauber Rocha e Marco Ferreri; è stato vicedirettore di RaiEducational. Autore di numerosi programmi televisivi di successo, ha scritto numerosi libri, tra cui il recentissimo “Pasolini Passione”.

== Concorso 150” a tema fisso: 9 aprile ==
Quest'anno i videomakers del concorso 150 secondi a tema fisso, dedicato al “9 aprile”, sono invitati ad esplorare i nuovi territori aperti dallo sviluppo e dalla diffusione delle tecnologie di ripresa applicate e incorporate nei telefoni cellulari.

Video in concorso:

* 9 aprile: frames di Andrea Marfori
* La libera espressione di Benedetto Guadagno e Giuseppe Bellasalma
* L’automobile di Maurizio Failla
* L'indeciso di Elisa Della Scala
* AI telefono con Moggi di Federico Rizzo
* Nostrafabius di Marco Serio
* Rebus di Carmelo Angelico
* Mutatis mutandis di Angelita Fiore
* Pocket diary di Maurizio Losi

== Premio Casa Rossa doc ==

* [[Alte soglie della sera]] (2005) di Daniele Gaglianone
* [[Il canto dei nuovi emigranti]] (2005) di Felice D'Agostino e Arturo Lavorato
* [[C'è un posto in Italia]] (2005) di Corso Salani
* [[Face addict]] (2005) di Edo Bertoglio
* [[Ignazio]] (2005) di Paolo Pietrangeli
* [[Inatteso]] (2005) di Domenico Distilo
* [[Le mie tre cime]] (2005) di Andreas Pichler
* [[Odessa]] (2006) di Leonardo di Costanzo e Bruno Oliviero
* [[Per sempre]] di Alina Marazzi
* [[Quando capita di perdersi]] (2005) di Sergio Basso
* [[Il sibilo lungo della taranta]] (2005) di Paolo Pisanelli
* [[Sillabario africano]] (2005) di Angelo Loy

== Festa di compleanno io sono un autarchico ==
Di Alberto Barbera

Mi ricordo, sì, qualcosa mi ricordo. Anche se è passato molto tempo, anche se tendo sempre più a riconoscermi nel protagonista di "La versione di Barney”, il bellissimo romanzo di Mordecai Richler, che fatica persino a ricordare il nome dello strumento di cui si serve per scolare la minestra. Trent'anni, nel corso dei quali Nanni - partendo da zero (anzi, da sottozero...) - è diventato quello che è diventato: uno dei registi (il regista) più importanti(e) del cinema italiano contemporaneo, l'unico ad aver vinto una Palma d'oro negli ultimi venticinque anni a Cannes, nonché altri premi “minori” (per modo di dire), forse il più conosciuto e apprezzato all'estero fra gli autori nostrani in attività, certamente il più amato (in particolare) dai francesi, nonché, negli ultimi tempi, anche uno dei punti di riferimento del movimento degli scontenti di sinistra, l’autore di un gesto di piazza clamoroso che ha dato la scossa ad una dirigenza politica demoralizzata, in crisi di coraggio e di idee. Tutto questo e molte altre cose ancora, naturalmente: il cineasta che ha scoperto e lanciato il più bravo attore italiano del momento (Silvio Orlando), nonché una delle più promettenti giovani attrici (Jasmine Trinca); che si è fatto esercente, produttore e distributore per gettare sassi nello stagno della cinematografia nazionale; che viene costantemente inseguito dai giornalisti come si fa con gli opinion leader (anche se si lascia raggiungere di rado e solo a ragion veduta, dato che non ama per nulla essere incluso in quella categoria); che ha dimostrato con il suo ultimo film di essere il più lucido analista della trasformazione antropologica che ha subito la società italiana a causa dell'avvento del Caimano di Arcore, confermandosi l'unico possibile erede del Pasolini polemista e fustigatore dei (mal)costumi nazionali. Chi l'avrebbe detto, trent'anni fa. Tanto più che, come si diceva all'inizio, la partenza di Nanni era avvenuta dai box (neanche dall'ultimo posto della griglia), per usare una metafora automobilistica. La versione ufficiale dell'esordio è arcinota: la passione per il cinema coltivata nelle sale e nei cineclub romani a cavallo fra gli anni Sessanta e Settanta, i primi cortometraggi in Super8, l'esordio nel lungometraggio con un film a passo ridotto che s'impone a forza di passaparola fra gli spettatori del Filmstudio e gli procura un contratto per il suo primo, vero film in 35mm. Riassunta così, non sembra neanche una storia italiana. Ricorda piuttosto certe vicende di autori americani che dal ghetto dell'off off più importanti palcoscenici nazionali, per approdare infine a Hollywood in virtù; gradimento crescente di pubblico e critica. Solo che da noi il contesto dell'epoca era quello di una cinematografia che, dopo aver accarezzato per poco più di un decennio il sogno di dar vita a una vera e propria industria, stava prendendo coscienza del suo progressivo dissolvimento. Finiti i fasti della Hollywood sul Tevere, smorzati i bagliori della grande Commedia all'Italiana, dato fuoco alle ultime polveri dei sottogeneri popolari (il “poliziottesco’, l’erotico-soft), il cinema italiano sembrava incapace di rinnovarsi, di star dietro all’evolvere delle situazioni. In quel preciso momento arriva Nanni. La sua apparizione assume le forme dell'irruzione inattesa e della sorpresa in crescendo. Non era mai successo che un regista proveniente dal passo ridotto, senza alcun legame con le consorterie dell'underground o dell'universo cinematografico senza rapporti con l'ambiente dei professionisti, senza maestri, senza padrini, senza raccomandazioni e senza spinte, s'imponesse in virtù semplicemente dell'interesse spontaneo suscitato, dalla novità espressiva e di linguaggio rappresentata dal suo modi di far cinema, dell'identificazione immediata del pubblico con le tematiche, i comportamenti, i problemi, persino i tic da lui messi in scena. Il “caso” Moretti era troppo unico e sorprendente, troppo atipico e promettente, per rimanere confinato a livello romano, sulle pagine locali dei quotidiani da cui aveva preso origine, dopo che si era sparsa la voce del successo spontaneo e della incredibile tenitura di un film realizzato in totale autarchia, proiettato in pubblico per la prima volta il 14 dicembre 1976 e destinato a rimanere in cartellone per cinque mesi nello stesso locale trasteverino. Così, in pochissimo tempo, arrivò sulle pagine dei più diffusi settimanali (L'Espresso, Panorama) e, in capo a pochi mesi, persino sulle riviste straniere. La più tempestiva fu l'inglese Films and Filming, che già nel marzo 1977 arrivò ad occuparsi del fenomeno Moretti. A questo punto - poiché mi è stata chiesta una testimonianza personale sull'appendice torinese che ne seguì — è opportuna una piccola digressione. Nel capoluogo subalpino, già capitale della cinefilia italiana, luogo d'origine di molte riviste di cinema (tr cui la mitica Ombre rosse), sede della prima cattedra universitaria di storia e critica del cinema, nonché patria di numerosi cineclub, erano attivissimi all'epoca due gruppi contrapposti di organizzatori di rassegne. L’AIACE, costituita nel 1967, faceva parte dell'associazione nazionale dei cinema d'essai: ne costituiva, anzi la sezione più forte e rappresentativa, con oltre 25.000 iscritti e una fitta rete di sale aderenti in città e in regione. Si trattava, dunque, di un'associazione di pubblico che in virtù del proprio radicamento sul territorio era in grado di garantire l'uscita torinese di tutti i film d'essai che raggiungevano il mercato nazionale. Si ricordano numerosi casi di film che sceglievano questa piazza per “testare” il gradimento degli spettatori o che, in una situazione distributiva non facile come quelle italiana, dovevano talvolta accontentarsi dell'unica ospitalità offerta dai locali d'essai subalpini. Il direttivo, affiancato da noti critici come Paolo Gobetti, Gianni Volpi e Nino Ferrero, faceva perno su di una singolare figura di segretario generale, Federico Peiretti, quasi del tutto privo di una specifica e approfondita cultura cinematografica ma dotato in compenso di una passione contagiosa e non comuni doti di organizzatore. Peiretti si era circondato di un gruppo di universitari per la gestione delle varie attività, che comprendevano incontri con i registi, cicli e rassegne tematiche, anteprime, schede informative su tutti i film proiettati e persino una rivista trimestrale, Essai, diffusa gratuitamente a livello locale, alla quale non disdegnavano di contribuire critici come Goffredo Fofi, Morando Morandini e Paolo Mereghetti. Il gruppo rivale proveniva dall'esperienza del Cinestudio (un cineforum di lontana matrice cattolica), ma aveva dato vita a una delle realtà cineclubbistiche più originali e autorevoli dell'intero panorama nazionale, il Movieclub, destinato a lasciare un segno nella cultura cinematografica di quegli anni. Gianni Rondolino ne faceva da padrino, ma l'autentico animatore era un collezionista appassionato e di grande cultura cinefila, Baldo Vallero, a sua volta attorniato da una gruppo di universitari, fra i quali spiccavano Roberto Turigliatto e Stefano Della Casa. Poteva contare su di un'unica sala (un cinema parrocchiale di 200 posti scarsi), alla quale si poteva accedere solo dopo essersi associati, che svolgeva un'intensa attività quotidiana di programmazione, privilegiando i classici hollywoodiani ma senza trascurare incursioni nel cinema popolare italiano (Matarazzo) e nei nuovi territori del cinema europeo (Wenders, Straub e Huillet). Inutile dire che tra i due gruppi la rivalità era forte, anche se mascherata da rapporti di formale cortesia e rispetto reciproco. Ma Peiretti, che mal sopportava l'esplicita concorrenza degli agguerriti rivali, aveva firmato un accordo con la prestigiosa Unione Culturale (un'associazione di area comunista) per dar vita al Kinostudio, un nuovo cineclub ricavato nei seminterrati di Palazzo Carignano. I lavori, lunghi, complessi e costosi, si erano conclusi alla fine del 1976, non senza lasciare strascichi economici che avrebbero portato, di lì a pochi mesi, alla rottura dei rapporti fra le due associazioni, con la conseguente scomparsa della creatura appena nata e la cessione dei locali al Movieclub, che la trasformò nella propria, fortunata sede, sino alla chiusura decretata dalle autorità nel 1984, in seguito all'inasprimento delle norme di sicurezza sui locali pubblici provocato dall'incendio del cinema Statuto. Nei pochi mesi di attività, comunque, il Kinostudio si era ritagliato un ruolo di prestigio e conquistato un pubblico affezionato, puntando a differenziarsi dal Movieclub in virtù di un'attenzione più sistematica alle emergenze del nuovo cinema contemporaneo e alla riproposta selezionata di opere dimenticate del passato. Il sottoscritto, che aveva mosso i suoi primi passi da criticoorganizzatore nelle fila dell'AIACE sin dal 1972, aveva appena terminato il servizio militare e gli era stato offerto di occuparsi della programmazione della nuova sala, con la supervisione lasca ma autorevole di Gianni Volpi. La notizia del successo romano di Io sono un autarchico non poteva passare inosservata, né fu difficile ottenere il numero telefonico di Nanni Moretti. Il quale, superata l'iniziale e inevitabile diffidenza (all'epoca, molto maggiore di quella che ancora oggi lo caratterizza, seppur giustificatamente), accettò di buon grado l'invito a portare il suo film a Torino e a presentarlo in una proiezione del neonato Kinestudio. “Portare” in senso letterale e non figurato, perché non fu certo questione di spedire la copia per corriere o, come ancora si usava în quegli anni, per ferrovia. Messa in valigia l'originale in Super8, Nanni prese di persona la via del Nord, dopo aver acquistato un biglietto per un posto în cuccetta, che gli sarebbe stato rimborsato al suo arrivo. L'appuntamento era alla stazione di Porta Nuova, intorno alle 8 del mattino di una fresca giornata primaverile del 1977. Io, che abitavo a poche centinaia di metri di distanza, pensai bene di portarmi dietro una copia di Films and Filming con la foto di scena del film (assai piccola, per la verità): vi s‘intravedeva Nanni, con lunghi capelli al vento, baffi spioventi e una valigia in mano. Speravo così di riuscire a riconoscerlo tra la folla di viaggiatori che affollavano il lungo treno notturno. In testa al binario, facevo da spartiacque tra due ali interminabili di folla frettolosa che si dirigeva all'uscita. I minuti scorrevano, mentre Nanni non si manifestava e la mia inquietudine cresceva. Dopo un tempo che mi parve interminabile, rimasi solo a fissare un tipo che non assomigliava per nulla alla foto che tenevo in mano e che, per fortuna mia, si decise a fare la prima mossa. Fu l'incontro di due timidi. Mi offrii di portare la valigia, mentre cercavo di superare l'imbarazzo imbastendo una qualche forma di conversazione plausibile. Lungo la strada, tappa per la colazione in uno storico bar torinese, Platti, che Nanni sembrò molto apprezzare (cappuccino e croissant, naturalmente), prima di raggiungere il piccolo appartamento che dividevo con un compagno di studi, dove si poté finalmente lavare e cambiare. Quel poco che ricordo del resto della giornata ha a che fare soprattutto con la riluttanza di Nanni a rispondere alle domande dei giornalisti presenti alla conferenza stampa della tarda mattinata, e a quelle del pubblico alla proiezione serale. Chi conosce il Moretti a dir poco loquace degli ultimi anni, sempre articolato nelle risposte, pronto alla battuta e piuttosto propenso a “dirigere” la discussione chiunque sia il conduttore dell'incontro, farà fatica a immaginare il ragazzo taciturno, serissimo, restio nel rispondere a qualsiasi domanda sino a sfiorare l'afasia, che affrontò con mal celato impaccio il previsto e atteso incontro con gli interlocutori torinesi. I quali, è noto, non annoverano certo tra le proprie doti quella di una naturale e contagiosa espansività: motivo per cui il divertimento suscitato dalla visione del film non bastò a far sî che il dibattito seguito alla proiezione s'incamminasse lungo binari propriamente euforici. Esuberanza (mancata) a parte, il gradimento fu elevatissimo, pari almeno alla curiosità iniziale per il film venuto dal nulla e per il suo regista, che a detta di tutti risultò tanto ricco di talento quanto riservato, per non dire enigmatico. Pochi mesi dopo, Essai pubblicò una lunga intervista con Nanni, L'anteprima torinese di Ecce bombo, ad un solo anno di distanza, si tenne invece nella saletta interna della sede dell'AIACE, in Galleria Subalpina. Da allora, mi è capitato più volte di fare da sparring partner al regista, nei molti incontri pubblici che si sono succeduti nel corso degli anni nella nostra città (e, in un paio di occasioni, anche altrove). Come dice Gary Marcus nel suo libro su Bob Dylan, “ho accettato di raccontare questo ordinario episodio perché fu la prima di molte prime volte”. L'incipit di una storia che prosegue ed è lontana dalla sua conclusione. Per fortuna nostra e del cinema italiano. Buon anniversario, Autarchico.

* [[Io sono un autarchico]] (1976) di Nanni Moretti
* [[La cosa]] (1990) di Nanni Moretti
* The last Customer (2003) di Nanni Moretti

=== Nanni Moretti ===
Nato a Brunico, Bolzano, il 19 agosto 1953 fin da giovanissimo Moretti mostra una grande passione per il cinema. È Soldati a cavallo (John Ford, 1959) il primo film che vede, a nove anni, in compagnia del fratello e del padre Luigi, professore universitario di epigrafia greca. Al liceo è un assiduo frequentatore di sale cinematografiche, soprattutto d'essai, non immaginando che in uno dei più illustri cineclub romani, il Flmstudio, riscuoterà uno straordinario successo con Io sono un autarchico (1976), il primo lungometraggio. Pratica pallanuoto a livello agonistico arrivando a giocare in serie A nella Lazio e nella Nazionale giovanile. A vent'anni vende la sua collezione di francobolli per comprarsi una Canon Super8 con cui realizza La sconfitta (1973), riflessioni di un giovane militante dell'estrema sinistra alternate alle immagini di una grande manifestazione di metalmeccanici per le strade di Roma. Regista, attore, produttore, sceneggiatore, vuole fondere sul grande schermo esperienze di vita quotidiana e avvenimenti di attualità politica. In questo periodo coinvolge nei progetti amici e parenti, tra cui il padre, che figurerà in molti film come Ecce Bombo (1978), secondo lungometraggio, presentato al Festival di Cannes, realizzato con una vera troupe e con capitali dell'industria cinematografica. Raggiunge larga popolarità e ripropone il personaggio di Michele Apicella (suo alter ego cinematografico) qui immortalato sotto un grande poster di Buster Keaton mentre si dibatte tra nevrosi e disagi giovanili. Con Sogni d'oro (1981) si aggiudica il Leone d'Oro (Premio speciale della Giuria) alla Mostra di Venezia, e dirige per la prima volta Laura Morante. E' lei Bianca (1984), la professoressa di francese di cui si innamora Michele. L'anno dopo toglie (apparentemente) gli abiti di Michele per indossare la tonaca di Don Giulio, giovane sacerdote che assiste impotente al suicidio della madre în La messa è finita (1985), che vince l'Orso d'argento a Berlino e lo impone anche a livello internazionale. In onore del suo dolce preferito, nel 1987, fonda insieme ad Angelo Barbagallo la Sacher Film e produce il primo film di Carlo Mazzacurati, Notte italiana (1987). In omaggio alla passione giovanile, torna ai bordi di una piscina dove sta per svolgersi un'importante partita di pallanuoto (Palombella rossa, 1989). Come attore, dopo essere stato diretto agli inizi della carriera dai fratelli Taviani in un piccolo ruolo di Padre padrone (1978), offre una convincente prova (premiata con un David di Donatello) negli abiti corrotti del ministro Botero nel film di Daniele Luchetti Il portaborse (1991), mentre è un professore universitario scampato ad un attentato terroristico in La seconda volta (1995), esordio registico di Mimmo Calopresti. Dopo il mediometraggio La cosa (1990) apre un cinema a Roma, il Nuovo Sacher, e successivamente realizza un film in tre capitoli, Caro diario (1993) per la cui regia è premiato a Cannes. Sempre più osannato anche all'estero, dedica Aprile (1998) alla nascita del figlio. Per il film successivo (La stanza del figlio, 2001), torna ad affrontare conflitti e distacchi all'interno di una famiglia. Dopo il successo della pellicola, che vincerà la Palma d'Oro a Cannes, continua l’attività di produttore e nel 2006 torna di nuovo nelle sale come regista (e attore) con Il Caimano nuovamente in concorso a Cannes.

== Diaries and Family Movies ==
Cè un comune denominatore nei film di questa sezione. Sono tutti racconti in prima persona. Nel senso che in ognuno di essi il cineasta è anche attore, anzi protagonista della storia raccontata. Questo sia che avvenga implicitamente (con una voce off “personalizzata” ad esempio, o con un dispositivo di messa in scena dichiaratamente soggettivo, vedi Svyoto), sia che la presenza, il corpo dell'autore sì manifesti apertamente come elemento fondante della narrazione e “dialoghi” - senza occultamenti fittizi - con gli altri personaggi dell'azione (normalmente familiari, amici, comunque “intimi” rispetto a chi filma). è questa una tendenza che coinvolge molti dei rappresentanti più autorevoli della “modernità” cinematografica, da Godard a Kiarostami, da Kramer a Gitai. Ma sarebbe impresa vana farne l'elenco perchè la mise en scène totalmente “agìta” dal metteur en scène è forse una delle caratteristiche fondanti del cinema di oggi, almeno nei “documentari” che non devono a priori dissimulare l'atto stesso del filmare come esperienza vissuta. Alla base del fenomeno c'è un’evoluzione-rivoluzione tecnologica che parte dalle camere leggere 16mm con suono sincrono degli anni ‘60 e arriva alle micro-camere video digitali di oggi. Il cineasta sempre di più può “fare da solo”, o almeno circondarsi di pochissimi collaboratori. E' un mito che si realizza: quello della camèra-stylo di Astruc che negli anni ‘50 aveva permesso “teoricamente” la nascita della nouvelle vague e che oggi si compie più o meno letteralmente. Potrebbe sembrare che dietro questa idea ci sia un atteggiamento implicitamente negativo o almeno discutibile: il cineasta si può abbandonare a un'autoreferenzialità totale e irrefrenabile, a un narcisismo che diventa di per sé la cifra dominante della messa in scena. In realtà nei film qui proposti e negli autori “di riferimento” tra cuì quelli citati prima, credo che si possa affermare decisamente ìl contrario. Innanzitutto in questo modo si affronta radicalmente una delle questioni-chiave che agitano per esempio il documentario contemporaneo: chi parla quando una voce o le immagini stesse raccontano una storia, di quale natura è il rapporto con l'altro filmato, quale origine, quale desiderio è collegato con l'atto di filmare in relazione alla connessione intellettuale ed emotiva che sì vuole stabilire con lo spettatore (su questi è è più volte espresso con estrema lucidità Jean-Louis ( di Vedere e potere, Donzelli, 2006)? Ma il punto della questione non risiede tanto in questa implicita negazione della presunta oggettività dello sguardo e della voce dell'opera nel cinema classico (la voce padrona, la “voce di dio; dei commenti off nei cinegiornali e nei film di montaggio più o meno di propaganda) ormai non più accettabile per la sensibilità dello spettatore contemporaneo, quanto nel fatto che la parola visione in prima persona del cineasta sono estremamente restie a pronunciare qualsivoglia espressione di “verità”. Ciò che risulta evidente anzi sono proprio le esitazioni, i turbamenti, le “falle in sintesi l'impossibilità di un controllo reale su immagini e suoni l'apertura incondizionata ad un'alea che in qualsiasi momento puoi fare irruzione e negare l'assunto di partenza. Quali storie si raccontano in questi film? Storie di famiglia, si diceva che vengono a coincidere inevitabilmente con brandelli di storia con frammenti di memoria collettiva. Si tratta di solito di viaggi senza verità acquisite, alla ricerca di un possibile, ulteriore verità in tracce di un passato che riaffiora in un fotogramma che magari si pensava perduto o in una parola che si pensava impronunciabile. Un viaggio forse terapeutico quindi per chi filma, e forse anche per lo spettatore, confrontato con un spesso impudica esibizione di relazioni e di conflitti affioranti dopo un percorso doloroso o comunque intensamente attraversato. Molto spesso questi viaggi nel tempo si compiono con la necessaria mediazione di immagini precedenti a quelle girate nel qui e ora del film che si sta facendo. “Materiali” d'archivio, immagini girate senza fini professionali, “home-movies”. C'è un fascino un'attrazione misteriosa che ci coinvolge in queste sequenze per definizione anonime (per noi spettatori) e quindi collettive. Quelle immagini per così dire “resistono” alle possibili manipolazioni di montaggio, si presentano in qualche modo come irriducibili e non controllabili perché quello sguardo, quella postura, quella situazione storicamente situabile ci parlano direttamente oltre il film stesso restano in una zona “franca” che è quella di ogni possibile memoria pubblica o privata ma comunque arcana. Ancora una volta il cineasta avvertito e consapevole non può dimettersi al servizio di questa incontenibile estraneità, delega una parte della propria illusione di dominio autoriale a quell'universo visivo e sonoro che lo ha preceduto, interrogarsi su di esse restituircene intatta la “grana” del tempo e la forza di un bagliore epocale.

* [[Citadel]] (Canada, 2005) di Atom Egoyan
* [[Dear Pyongyang]] (Giappone, 2005) di Yonghi Yang
* [[Exile Family Movie]] (Austria, 2005) di Arash
* [[Le Filmeur]] (Francia 2004) di Alain Cavalier
* [[Following Sean]] (USA, 2005) di Ralph Arlyck
* [[Forever yours]] (Norvegia, 2005) di Monica Csango
* [[I for India (]]Ger, Ita, Uk, 2005) di Sandhya Suri
* [[The Real Dirt on Farmer John]] (USA, 2005) di Taggart Siegel
* [[Svyato]] (Russia, 2005) di Victor Kossakovsky
* [[Voyage en sol majeur]] (Francia, 2005) di Georgi Lazarevski

== Omaggio ad Alessandro Blasetti ==

=== Alessandro Blasetti ===
di Gianfranco Miro Gori

Blasetti ha realizzato, dall'inizio della sua carriera agli anni Sessanta, un discreto numero di documentari. L'origine dei due tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio dei Sessanta Europa di notte (1958) e Io amo, tu ami... (1961), si trova nel suo primo, Nerone (1920) imperniato su Ettore Petrolini popolare maschera del teatro comico; un altro antecedente è costituito dai film a episodi dell'inizio degli anni Cinquanta: Altri tempi (1952) e Tempi nostri (1954). Blasetti, geniale innovatore, trova l'ubi consistam dei sui “esperimenti” filmici più all'interno del proprio percorso d'autore che, filogeneticamente, per così dire, nel complessivo scorrere del cinema nazionale. Fonde così, in Europa di notte e Io amo, tu ami... due modalità espressive - come si è detto - già sperimentate: la riproduzione a scopo di testimonianza di altre forme artistiche e il film a episodi come nuova formula produttiva. Il tutto all'insegna del linguaggio televisivo che si sta imponendo, in Italia, proprio in quegli anni, Se l'intento blasettiano di documentazione rintraccia nel cinema ancora il suo medium ideale, la frammentazione narrativa, introdotta dalla televisione, si accentua rispetto al film a episodi della prima metà degli anni Cinquanta. Blasetti parlò all'epoca di “spezzatino di documentari ammucchiati in chissà quale guazzabuglio e in chissà quale padellone filmico. Proponevo niente meno che lo spettacolo-documento, documento - în quel caso - dei più validi numeri d’arte varia” che venivano presentati nelle capitali europee e “di cui in breve volgere di anni - chiosava Blasetti - non sarebbe rimasta traccia”. Europa di notte fu un campione d'incasso e dette il via a un nuovo filone cinematografico, all’inizio basato sullo spogliarello, poi sulle usanze sessuali primitive e infine trasportato nelle aule di medicina per mostrare, anche lì, fenomeni e pratiche sessuali. Blasetti, che ebbe la sua parte di reprimende (moralistiche), realizzò allora Io amo, tu ami... che intendeva esaltare l’amore e rivalutare i sentimenti più genuini. Ma ottenne scarso successo presso il pubblico e, nonostante le intenzioni, pure guai con la censura. Con questi film, anche se seguita a dirigere, prende congedo dal cinema e si avvia stabilmente al lavoro televisivo. Lui, a un dipresso, nato col medium per eccellenza della prima metà del Novecento, si dedica con intatto entusiasmo e generosità al piccolo schermo. Resta che il cinema nazionale gli deve molto; e qualche cosa tutti quanti i registi italiani. Parola di Luchino Visconti.

* [[Europa di notte]] (1959) di Alessandro Blasetti
* [[Io amo, tu ami...]] (1961) di Alessandro Blasetti

== Omaggio ad Antonello Branca ==

=== Antonello Branca ===
di Steve Della Casa

La storia di Antonello Branca è attraversata dalla sua straordinaria capacità di raccontare storie. Può sembrare paradossale, ma il cinema di Antonello Branca rappresenta il massimo di avventure che il documentario degli anni Settanta ha saputo esprimere. Ma andiamo con ordine. Branca ha lavorato nel documentario a partire dagli anni Sessanta e si è sempre distinto per il professionismo artigianale con il quale svolgeva il proprio lavoro, Per professionismo intendiamo un modo di concepire il documentario, che è sempre caratterizzato da una linea editoriale molto attenta a citare le fonti, a verificarle, a privilegiare numeri delle inchieste alle frasi ad effetto. Ma è professionismo anche la grande attenzione che Branca ripone nel fatto che i suoi film abbiano un produttore e un distributore, abbiano cioè la dignità di film e la visibilità di un pubblico. E la visibilità viene data dal fatto di lavorare per la Rai. Branca non è il solo regista di area militante che lavora per la televisione di stato (basta citare, ad esempio, l’esperienza di Romano Frassa) ma è quello che lo fa con maggiore continuità e con un raggio d’azione che in tanti anni lo farà impegnare dal documentario sociale all'inchiesta giornalistica, dal programma per ragazzi alle serie educational. Questo incrocio tra il cinema di Branca e la nostra televisione è una chiave di lettura molto importante per l'insieme del suo lavoro. Spiega ad esempio l'estrema semplicità e l'ampia documentazione che Branca mette sempre in campo per tutti i temi che affronta. Beninteso: non fa nessuna concessione sul piano politico (i suoi film sono sempre molto coerenti con le sue scelte di campo) ma cerca sempre di usare un linguaggio semplice e intelligibile, di spiegare tutto e, come dicevamo prima, di citare sempre fonti oggettive. Ma c'è anche un'estetica che sottende il cinema di Antonello Branca. È un’estetica fondata sull'incrocio tra sonoro e montaggio, che è particolarmente visibile nel suo tocco di modernità proprio all'interno dei suoi film girati in America. Un montaggio nervoso, un sonoro pieno di suggestioni. Paradossalmente, ricorda alcune soluzioni di Roger Corman e del suo giovane montatore, sia esso Monte Hellman o Martin Scorsese o Francis Ford Coppola (tre nomi che, come è noto, hanno mosso i loro primi passi proprio insieme al regista più inventivo degli anni Sessanta americani, insieme ovviamente a John Cassavetes). In questo senso, il cinema di Branca non è solo figlio di quelle ventate di rottura politica e sociale che attraversa in tutto il mondo tutti gli anni Sessanta, ma è anche fratello di tutte le innovazioni e le sperimentazioni che cambiano il modo di raccontare e di comunicare. Quindi, un documentario a tesi politica sostenuto da un modo di raccontare che non vuole mai essere piatto e piegato al fatto di dover sostenere per l'appunto una tesi. In questo senso, il cinema di Branca è un cinema militante che va oltre i difetti del cinema militante pur avendone i pregi. E, come sappiamo, non è poco. I temi che Branca ha affrontato nel suo cinema sono i più diversi, però è evidente che alcuni lo hanno affascinato di più. I bambini, ad esempio, oppure l'America. E in questa breve selezione con la quale Anteprima gli rende omaggio possiamo non a caso vedere l'America della contestazione e l'Italia che dopo pochi anni passa dalla grande speranza alla delusione più cocente, come testimoniano due bambini da poco cresciuti che vivono con la droga una vera e propria discesa dentro gli inferi della normalizzazione e della caduta dei propri sogni. Pochi anni separano le pantere nere dagli occhi intensi di Filomena e Antonio che vivono in una Milano diventata contemporaneamente da bere e da pere. E quel trascorso quasi impercettibile di tempo che sa diventare capacità di cogliere da subito i cambiamenti è la prova di quanto riesca davvero a fare Antonello Branca, narratore attento di quegli anni tumultuosi.

'''Antonello Branca''' è stato uno dei documentaristi italiani più significativi degli anni 60/70. Nato a Roma il 15 maggio 1935, è fotografo în Kenia a soli 24 anni, poi corrispondente da Londra per l'Agenzia Italia, dove inizia il suo percorso di documentarista. L'esordio è un reportage “diverso”: Aria di Londra (1961). Per quattro anni collabora con TV7, il programma d'informazione “cult” della seconda rete. IL suo servizio sul Vajont (1963), per primo denuncia le responsabilità umane del disastro. Il regista viene messo all'indice e allontanato per un lungo periodo dal programma. Nel 1965, Mastroianni si racconta ad Antonello, che lo segue per mesi nelle sue attività. Il ritratto è completato da quanti hanno lavorato con lui: Vasco Pratolini, Federico Fellini, Giulietta Masina, Valerio Zurlini, Pietro Germi, Luchino Visconti, Jeanne Moreau, Sophia Loren. Nel 1966 si trasferisce negli Stati Uniti, danno vita ad un ricchissimo percorso di documentazione. In What's happening ? (1967, Coppa Agis al Festival dei Popoli di Firenze del 1967), Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Allen Ginsberg, Andy Warhol, Fred Mgubgub, Marie Benois raccontano la loro America, la Pop Art e la Beat Generation. Nel 1968 gira California, un documento in tre puntate sullo stato più dinamico dell'Unione. Una canzone di Elaine Brown Seize the time ispira il titolo del film sul Black Panther Party (1970), un lungometraggio costruito con le Pantere Nere sulle condizioni di vita dei neri americani, la repressione, la resistenza organizzata del movimento. Seize the time vince il premio di qualità Ministero Turismo e Spettacolo al Festival di Pesaro del 1970. Nell'89 inizia una ricerca sul rapporto tra guerra e tecnologia che durerà quattro anni. Centinaia di interviste, la collaborazione di studiosi come David S. Landes, Nathan Rosemberg, l'apporto degli scienziati che costruirono la bomba A, hanno permesso di dare vita ad una trilogia, Guerra e tecnologia, che documenta il rapporto tra gli apparati militari e lo sviluppo economico degli Stati Uniti, dalla nascita dello stato americano, alla fine del ‘700, fino alla guerra del golfo del 1991. Negli ultimi anni aveva iniziato a lavorare ad un progetto ambizioso: una storia “alternativa” degli Stati Uniti, di cui ci resta un articolato lavoro su La grande depressione. La morte del regista interrompe questo percorso di ricerca il 25 giugno 2002. Tra i suoi lavori: La garrota, Un italiano guarda Londra (1961), Gli scopai di Cicognara, Le formiche del Gargano, La grande disputa, J.F.Kennedy: l'America degli anni ‘60 (1963), Intervista allo Scià di Persia, Le debuttanti (1964), Federico Fellini: regista (1965), I pionieri del deserto, Piena estate, Giorgio Strehler (1966), Vivere sani (1967), Los Angeles una città in automobile, California: il laboratorio del futuro (1968), La macchina del tempo (1969), Ai cancelli della Fiat (1972), La Banca d'America (1981), Scusi lei è di sinistra? (1982), Mi chiamo Rigoberta Menchù, L'acqua tra cielo e terra, Bonaventura e la tarantola (1985), T. Bone Pickens: P. come Profitto, Miami, la porta d'oro (1986), Autostrade S.P.A. (1988), L'economia del Pentagono, La guerra del petrolio, L'alba dell'era atomica (1993), L'anticittà, Lavorare a Roma, Cinecittà (1999), Basilicata, Abruzzo, Molise, Il New Deal di Roosvelt (2000). Nel 2003 nasce l'Associazione Culturale Antonello Branca. Il suo intento è quello di recuperare e preservare la straordinaria produzione dell'autore. Ma non soltanto la sua. ACAB si propone di contribuire alla salvaguardia del patrimonio di idee ed esperienze che tanti autori, come Branca, hanno profuso nei racconti del sociale e che costituiscono una ricchezza insostituibile non solo per i contenuti, ma per il modo di raccontare il mondo e di fare “cinema”.

* [[Voglio essere un cantante]] (1964) di Antonello Branca
* [[Storia di Filomena e Antonio: gli anni ‘70 e la droga a Milano]] di Antonello Branca
* [[Cartoline da Napoli]] (1977) di Antonello Branca

== Omaggio a Giuseppe Ferrara ==
Giuseppe Ferrara nasce il 15 luglio 1932 a Castelfiorentino, in Toscana. Si laurea in Lettere all'Università di Firenze con una tesi in storia del cinema, relatore Roberto Longhi. Inizia la sua attività come pubblicista cinematografico nel 1952. E' iscritto al Sindacato Critici Cinematografici Italiani. Si è diplomato in regia al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma nel 1959. Fra il ‘57 e il ‘66 pubblica i primi 3 libri sul cinema, e nel frattempo collabora alle principali pubblicazioni specializzate, fra cui "Bianco e Nero”, “Cinema”, “Cinema Nuovo”, “Cinema ‘60”, “Filmcritica”, “Schermi”, caratterizzando la sua ricerca nella direzione storico-saggistica. Ha realizzato documentari cinematografici, lungometraggi a soggetto e programmi sia per la Rai che per le Tv private. Nel 1960 fonda il mensile “Film Selezione”, che dirige per un anno. Ha collaborato con conversazioni di carattere cinematografico a Raidue e Raitre, ha diretto una “Enciclopedia pratica dello spettacolo” in 80 fascicoli (Accademia, 1970-76) ed ha collaborato a volumi di carattere antologico. Ha insegnato in scuole di cinema e realizzato programmi didattici sul cinema, divenendo in seguito direttore dell'Accademia Rosebud di Roma. Dal 1964 al 1969 ha fatto parte del direttivo dell’ANAC e della FILS-CGIL Cinema. Direttore di doppiaggio, è Presidente della NCD, Nuova Cooperativa Doppiaggio, e amministratore (dal 1968) della TV Cine 2000. Ha fatto parte degli organi dirigenti della cooperazione. I suoi documentari sono stati oggetto di un corso monografico presso l'Università di Bologna (prof. G. Bergamozzi) e di tesi di laurea. Tra i suoi libri: ‘Luchino Visconti’, ed. Seghers 1965; ‘Francesco Rosi’, ed. Canesi 1966; ‘Faccia di spia’, (con Umberto Giovine), Vangelista editore, 1975; ‘Manuale di regia’, Ed. Riuniti, 1999; Trai suoi corto e mediometraggi: l'amata alla finestra (1959); Bambini dell'acquedotto (1960); Lo stagno; Inchiesta a Perdasdefogu; I renditori di sogni; La pagella (1961); Brigata partigiana; Minatore di zolfara; Il ballo delle vedove; I Maciari (1962); La strada maestra; Le streghe a Pachino; Il mercato delle pulci (1963); Gilda (1964); Lavagna di cemento; La camorra (1965); Mafia d'Aspromonte (1966); Il gergo della malavita; Banditi in Barbagia (1967); Terzo mondo sotto casa (1970); A Orgosolo la terra ha tremato (1971); La città del malessere (1972); La ‘ndrangheta (1974); tutti vincitori di prestigiosi premi e riconoscimenti. Ha collaborato con numerose rubriche RAI tra le quali: Almanacco (1963); Si dice donna (1979) Rete 2; P2 Story o dei misteri d'Italia (1985), inchiesta in 5 puntate per le Tv private; Il cinema cos'è (1985-86), per il Dipartimento Scuola Educazione della Rai-tv; Donne di mafia (2001), telefilm in 2 puntate per Raidue. Ha realizzato molti lungometraggi tra i quali: Il sasso in bocca (1969-70), premio Spoleto per l'opera prima; Noce d'oro; premio Giovani protagonisti agli Incontri Silani; premio Mondello 1975; attestato di qualità 1970 del Ministero del turismo e dello spettacolo; Panagulis vive (1981), selezionato per i festival di Venezia, Mosca, Carrara; premio Laceno d'oro per la regia al festival di Avellino; Targa Cineclub Napoli; Cento giorni a Palermo (1984), premio Associazione amici dello spettacolo 1984; Targa Associnema e Cineclub Napoli; Airone Fedic; premio SIAE per la migliore colonna sonora (1980-84); Il caso Moro (I giorni dell'ira) (1986); Giovanni Falcone (1993); I banchieri di Dio (Il caso Calvi) (2002). Ha inoltre doppiato programmi di tutti i generi per RAI e Tv private.

=== Programma 1 ===

* Il ballo delle vedove (1962)
* I maciari (1962)
* Banditi in Barbagia (1967)
* A Orgosolo la terra ha tremato (1971)

=== Programma 2 ===

* Le streghe a Pachino (1963)
* La camorra (1965)
* Le ragazze dei grandi magazzini (1965)
* La città feticcio (1969) di Giuseppe Ferrara e K. Quien

=== Programma 3 ===

* Bambini dell'acquedotto (1959)
* Terzo mondo sotto casa (1970)
* La fabbrica degli angeli (1971)
* La città del malessere (1973)

=== “300 metri ad ostacoli” ===
Una testimonianza di Giuseppe Ferrara

Mi fa molto piacere vedere di nuovo proiettati i miei documentari, molti dei quali credevo ormai perduti. Soprattutto tengo a Bambini dell'acquedotto, il mio primo film del ‘59 che ha vinto il Nastro d’argento. Si tratta di un lavoro pre-pasoliniano: io, allora giovane studente del Centro Sperimentale di Cinematografia, mi sono introdotto all'acquedotto Felice, le cui antiche mura erano state colonizzate da immigrati italiani, quasi tutti del sud. Ho fatto un'inchiesta molto approfondita, ho conosciuto le persone, stretto amicizia con loro, ho sperimentato sulla mia pelle una situazione di profondo degrado che è la stessa descritta in “Una vita violenta”, che proprio in quel momento veniva dato alla stampa, e che Pasolini più tardi narrerà nel suo film d'esordio. E' il racconto di come vivevano i bambini nelle baracche, aspettando che la madre abbia fatto l'amore con i clienti, imparando il catechismo. Ho sempre privilegiato il tema dell'infanzia, penso che i bambini protagonisti di molti miei film abbiano un visione assai chiara anche se elementare delle cose. La realtà vista attraverso i loro occhi non degrada l'espressività o i contenuti ma rende il reale più accettabile, più popolare. Popolare è la parola giusta, perché il mio cinema non vuole mai essere “intellettuale”. In quel momento, inoltre, ero influenzato dal neorealismo, dai film dei maestri che avevo amato e studiato tanto approfonditamente da farne oggetto della mia tesi di laurea. Bambini dell'acquedotto, come quasi tutti i miei documentari successivi, è un piccolo film fatto con pochi mezzi. Avrei voluto che fosse più lungo, più ricco, ma non poteva durare più di 11 minuti perché il Ministero accettava per legge solo quelle durate. Ho usato fino all'ultimo metro a mia disposizione, 299 metri sui 300 consentiti. Si tratta di un “documento”, protagonista la gente reale in luoghi reali, ma dentro c'è già in nuce anche il mio cinema di finzione, a cui sono arrivato solo dopo 10 anni. Fare documentari allora era un lavoro improvvisato, da “peracottari”. Ci davano solo 1000 metri di pellicola 35mm e non avevamo quasi mai il fonico, tanto che il sonoro all'inizio era quasi sempre aggiunto a posteriori, e molti dei miei film sono infatti doppiati: una vera follia per un documentario! Avevamo solo 3 giorni di tempo per fare le riprese, al massimo una settimana se si doveva girare fuori Roma: se si pensa a quanto tempo Flaherty ha trascorso con Nanook ci rendiamo conto di come in due, tre giorni sia impossibile affondare davvero dentro la realtà che vuoi documentare. Allo stesso tempo avevamo però una grande libertà espressiva, ai produttori non interessava che facessimo un cinema impegnato nel sociale e ci lasciavano trattare anche i temi più scottanti perché, nonostante la programmazione fosse sancita per legge, ormai i documentari non venivano quasi mai visti in sala. Gli spettatori li detestavano, ed esisteva un tacito accordo tra pubblico, esercenti e autorità incaricate di controllare che di fatto rendeva la programmazione obbligatoria una realtà puramente fittizia. Il documentario però aveva allora un'importanza fondamentale, era una sorta di palestra per giovani registi che potevano cimentarsi con il linguaggio del cinema. Io ho diretto quasi cento cortometraggi, ho imparato moltissimo grazie a questa legge che, nonostante le sue imperfezioni, mi ha consentito di esercitarmi a fare cinema, sia nel campo del documentario che della fiction, perché alcuni corti, pur se utilizzavano sempre personaggi e luoghi reali, erano costruiti come piccole novelle ambientate nella periferia romana. Questa della breve novella di fiction era una tendenza diffusa nei miei lavori, mentre gli altri temi fondamentali erano le inchieste sul meridione e l'indagine della capitale. Roma era una necessità per i modi e i tempi imposti dalla produzione: vi ho girato circa 30 documentari, che costavano pochissimo. Del resto ero bravissimo a risparmiare, facevo il fonico da solo, avevo imparato a usare il registratore Maihak. Il problema più grande era la macchina da presa, che non era insonorizzata; ma in quelle condizioni non sarebbe stato possibile girare con il “blimp” perché la cinepresa sarebbe diventata pesantissima e ingestibile. Il 16mm l'ho usato meno all'inizio degli anni sessanta, anche perché era ancora poco diffuso; ero dunque costretto a girare anche le interviste con una rumorosissima Arriflex 35mm, che avvolgevo con molte coperte per tentare di eliminare il rumore. Nelle interviste usavo lo zoom e cercavo di tenermi il più lontano possibile dai personaggi, almeno per garantire un'audizione accettabile, e comunque sempre abbastanza modesta. La mancanza di tempo e le condizioni di lavoro che ho chiamato da “peracottari”, termine gergale che definisce bene il nostro operato di quegli anni, mi imponevano di documentarmi a priori; sentivo fortissima l'esigenza di studiare la realtà che intendevo indagare partendo da inchieste preesistenti: spesso ricorrevo al lavoro di storici e giornalisti, come quello di Longo e Serao all'origine de La camorra, o l'inchiesta di Arturo Gismondi pubblicata su “Paese sera” usata per Banditi in Barbagia. Per questo film ho fatto a Roma un lungo lavoro di ricerca; quando sono andato a girare a Orgosolo avevo già stabilito i contatti con le persone sul luogo? ho trovato un ambiente già preparato. I miei documentari sono în primo luogo dei film politici, come si evince dai temi trattati, dalla durezza del commento. Sono un regista di sinistra e mi sono sempre considerato un militante, Ho sempre pensato di fare i film per il movimento operaio, e da socialista bassiano ho preso parte attiva nella vita politica e ho contribuito alla fondazione del Psiup. Ora mi rendo conto con la fine della classe operaia sia inarrestabile, perché lo stesso capitalismo è cambiato, il padrone e l'operaio non sono più nemici, sono sulla stessa sponda economica che è quella del Mercato. Ma le battaglie di allora, quelle contro la mafia, le aberrazioni del potere, la cecità di ogni estremismo politico sono ancora attive. Forse oggi sono più disilluso, ma non mi sento ancora sconfitto.

Da una conversazione di Laura Buffoni con Giuseppe Ferrara, a Roma, aprile 2006

== Fuori concorso ==

* [[Adolfo Celi, un uomo per due culture]] (2006) di Leonardo Celi
* [[Colpi di testa]] (2005) di Loredana Conte
* [[L'Eletta]] (2006) di Camilla Paternò e Matteo Basilé
* [[Il Grande Fardello]] (2004) di Simone Pera e Marianna Schivardi
* [[Hermanos de Italia]] (2006) di Volfango De Biasi
* [[L'impero del sole]] (1956) di Enrico Gras, Mario Craveri e Giorgio Moser
* [[Luigi, Teresa e la campagna d'Africa]] (2006) di Luca D'Ascanio
* [[Le mie elezioni]] (2006) dei Vloggers
* [[Il peggio di noi]] (2006) dì Corso Salanì

=== I Diari della Sacher ===
La Sacher Film ha prodotto, in due edizioni, prima 7 e poi 4 documentari tratti dalle testimonianze raccolte nell'Archivio Diaristico nazionale di Pieve Santo Stefano: memorie e diari, raccontati dai protagonisti stessi, storie di donne e uomini, gente comune, che rivivono nel ricordo momenti diversi della storia d'Italia. Nanni Moretti ha presentato I diari della Sacher alla 58° Mostra del Cinema di Venezia, dove hanno ottenuto una segnalazione della Giuria del Premio Fedic. I diari della Sacher 2002 vengono presentati da Nanni Moretti e Angelo Barbagallo per la prima volta il 4 agosto al Festival di Locarno, nella sezione “Cineasti del presente”. I film, coprodotti da Sacher, Tele+ e Rai3, vengono trasmessi su Tele+ grigio e nel periodo aprile-maggio 2002 su Raitre.

* Ca Cri Do Bo (2001) di Susanna Nicchiarelli
* Antonio Ruju. Vita di un Anarchico Sardo (2001) di Roberto Nanni
* Bandiera Rossa e Borsa Nera (2001) di Andrea Molaioli
* In Nome del Popolo Italiano (2001) di Valia Santella
* Scalamara (2001) di Giuseppe M. Gaudino
* I Quaderni di Luisa (2001) di Isabella Sandri
* Davai Bistrè! Avanti! Presto! (2001) di Mara Chiaretti
* Zappaterra (2002) di César Meneghetti e Elisabetta Pandimiglio
* L'acqua in mezzo (2002) di Daria Menozzi
* Il salumificio (2002) di Alessandra Tantillo
* L'implacabile tenente Rossi (2002) di Francesco Calogero

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2006]]

2006

2025-04-01T16:17:00Z

Thomas: /* Omaggio ad Antonello Branca */

== Enti promotori ==
[[File:2006 Locandina Bellaria Film Festival Anteprima Doc.jpg|miniatura|Locandina Bellaria Film Festival, Anteprima Doc, 2006]]Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione generale per il cinema, Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==

=== Direzione Artistica ===
Fabrizio Grosoli

=== Assistente di direzione ===
Michela Mercuri

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film e ospitalità ===
Nicoletta Casali, Cristina Gori, Giorgia Lazzari

=== Traduzioni ===
Giorgia Lazzari

=== Ufficio Stampa ===
Catia Donini, Barbara Perversi, Michela Mercuri

=== Catalogo, immagine ===
Antonio Tolo

=== Immagine di copertina ===
Bruno Bozzetto

=== Sigla ===
Alessio Fattori, Antonio Tolo

=== Proiezioni ===
Brenno Miselli, Angela Miselli, Marco Davolio

== PRESENTAZIONE ==
Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Antonio Bernardi

L'impegno da mantenere è grande, la nostra responsabilità ancora maggiore - ventiquattro anni per una rassegna come Anteprima segnalano, oltre che una caparbietà notevole per un festival di queste dimensioni, anche l'arduo compito, la costanza, di mantenere le premesse per un continuo sguardo “oltre lo steccato”. Rinnovarsi noi per essere attrezzati e utili ad una causa che mai come oggi ha bisogno di luoghi dove coltivare un seme, un'idea di cinema, utile al cinema stesso e ai diversi “attori” che lo abitano. Bellaria Igea Marina come luogo che da sempre apre le porte ai giovani filmaker è la premessa costante e da questo principio siamo partiti per rendere omogenei i contenuti della nostra rassegna. E il “doc” che segue ad Anteprima segnala il tema del cambiamento in atto, i documentari, pur nella continuità di una “Denominazione di Origine Controllata” che ci regala ad esempio, nella consueta Festa di compleanno, la presenza di Nanni Moretti con i trent'anni di "Io sono un autarchico". Il ricco programma, che vede da quest'anno anche il ritorno di una pregevole sezione internazionale, è il frutto dell'ottimo lavoro svolto dal nuovo direttore artistico Fabrizio Grosoli che ringraziamo e salutiamo assieme a tutto lo staff. Anteprimadoc, forte anche di una rinnovata attenzione dei vari enti (Regione Emilia Romagna e Provincia di Rimini) che lo sostengono, continua a dare il proprio contributo originale ad un settore, il cinema, esplorandone nuove e innovative contaminazioni.

=== INTRODUZIONE ===
Di Fabrizio Grosoli

Ho accettato la direzione del Bellaria Film Festival con la consapevolezza di dover immaginare un festival “nuovo” - di aprire forse, un nuovo “ciclo” - e nello stesso tempo di non poterne tradire la Storia, l'identità. “Anteprima” compie 24 anni. È un festival dunque più che maggiorenne, cosa che si può dire di ben poche manifestazioni cinematografiche nel nostro paese. Tutto il cinema indipendente italiano è stato a Bellaria. Dai cineasti diventati “mainstream” a quelli che hanno continuato a filmare restando in qualche modo fuori dalla professione a quelli che, semplicemente (o tragicamente) si sono perduti. Non c'è regista, attore, critico, persona “del mestiere” da me contattata in questi mesi che non avesse un ricordo personale gradevole, un aneddoto solitamente affettuoso legato alla propria presenza a Bellaria. Per tutto questo è obbligo ringraziare tutti coloro che questo festival lo hanno voluto e continuano a volerlo, dai “politici” alle ragazze e ai ragazzi di un'organizzazione più che militante. Il ringraziamento naturalmente va esteso a chi mi ha preceduto, a tutti i direttori delle passate edizioni. E consentitemi un tributo particolare al “più direttore” di tutti , Morando Morandini. Morando è stato anima e testa pensante di Anteprima fin dall'inizio (era l'anno secondo: codirezione Morandini-Volpi). Non sembri piaggeria se dico che lui è stato ed è - per chiunque abbia deciso di fare del cinema in qualsiasi modo la propria vita - uno dei pochi maestri veri, un maître à penser senza cattedre e senza fronzoli, un ricercatore instancabile e inesauribile capace di andare oltre ogni verità acquisita. Nessuna rivoluzione allora, nessuno stravolgimento dell'identità bellariese in questa edizione numero 24. Alcune delle sezioni storiche del festival del resto rimangono inalterate. A cominciare dalla Festa di Compleanno, celebrazione di un film-chiave della storia del nostro cinema a 30 anni dalla sua realizzazione. E questa volta non si poteva non festeggiare Io sono un autarchico, avventurosa opera prima, emblema stesso del cinema indipendente autoprodotto, caso fortunatissimo e pionieristico (che apre idealmente e paradossalmente la strada all’epoca del video e poi del digitale) di piccolo film che sfida i propri limiti di “formato” (il Super8) per svecchiare il cinema “grande” delle sale. Al tempo stesso celebriamo dunque i 30 anni di cinema di Nanni Moretti, il nostro cineasta più importante, oggi, al termine di una stagione che ha visto il trionfo di un film comunque epocale come Il Caimano. Ma ne ricordiamo anche la sua attività più appartata, quella di documentarista, con le 2 non-fiction dirette da lui e con la serie dei Diari prodotta dalla Sacher. Altro appuntamento tradizionale è il concorso 150 Secondi a tema fisso. Questa volta il tema in questione è 9 aprile e i cortissimi ammessi sono realizzati con la tecnologia - che sta ormai per entrare nell'uso corrente - fornita dai telefoni cellulari. Il resto del programma è impostato su una forte omogeneità di proposte. Anche in questo caso non si tratta di contraddire il passato, ma di evidenziare piuttosto una tendenza già emersa nelle ultime edizioni. Il Festival è da quest'anno interamente dedicato al documentario. Purtroppo una tradizione negativa - un pregiudizio che si può far risalire all'equivoco tutto di matrice televisiva e tutto italiano secondo cui questa forma d’espressione si associa unicamente alla pseudodivulgazone culturale o al reportage - rende necessaria una precisazione. Quando parliamo di documentario intendiamo riferirci al cinema del reale, a tutti i generi di racconto che non partono dalla costrizione preordinata di una scrittura della finzione, ma che nondimeno sono appunto narrazione, visione personale e creativa delle cose, pratica linguistica continuamente posta in questione e rinnovata. Perché allora il documentario ? Perché in tutto il mondo la fiction classica mostra segni di consunzione e gli autori più innovativi vedono sempre più spesso il segno della modernità nella contaminazione con i procedimenti del cinema “diretto”. Perché anche in Italia è ormai la più vera espressione di produzione indipendente e il più concreto terreno di sperimentazione “sul campo” proprio a partire dalla sua “povertà”, dalla cronica mancanza di committenza televisiva. Perché i cineasti che vi si cimentano, siano essi veterani della fiction o giovanissimi esordienti, di norma non sono mossi da un intento accademico, dalla volontà di creare meri esercizi di stile, ma al contrario da un'esigenza interiore, da una forte motivazione sociale e personale insieme. Perché infine c'è forse la necessità che tutto il mondo del documentario italiano possa ritrovare un proprio luogo d'incontro in cui confrontarsi e scambiarsi esperienze e Bellaria ha l'ambizione di diventare questo luogo, questa “casa”. Il Festival allora si regala un suffisso e si trasforma quest'anno in Bellaria Film Festival - AnteprimaDoc. Questo significa che i 2 Concorsi tradizionali sono dedicati a documentari di autori italiani: il primo, AnteprimaDoc appunto, riservato ad opere inedite di qualunque supporto, formato, durata, mentre il secondo, il Casa Rossa, si vuole attribuire l'arduo compito di segnalare le prove migliori degli ultimi 12 mesi, concentrandosi soprattutto su film meritevoli di più ampia diffusione dopo fuggevoli passaggi televisivi o festivalieri, e affidandoli a una giovane giuria fatta da studenti di cinema. Per entrambe le selezioni mi sono avvalso della collaborazione di alcuni amici, Laura Buffoni, Luca Mosso, Cristina Piccino e Dario Zonta che ovviamente ringrazio per essersi assunti la responsabilità di scelte tanto impegnative (oltre 200 titoli visionati solo per AnteprimaDoc) quanto inevitabilmente tendenziose. E forse l'obiettivo di più ampio respiro che ci si propone è quello di iniziare un lavoro di “scavo” per riportare alla luce la stagione gloriosa (eppure in gran parte coperta dall'oblio) del documentario italiano, quella che a mio avviso va dal dopoguerra alla fine degli anni ‘70. Nella speranza di avviare un progetto pluriennale, in questa edizione di apertura si è scelta per ora sommessamente la strada degli omaggi (nell'attesa di spazi che permettano la proposta di personali complete) ad autori come Antonello Branca (prematuramente scomparso, è stato uno degli interpreti più brillanti e coraggiosi del documentarismo d'inchiesta negli anni ‘60-'70), Giuseppe Ferrara (con i suoi “corti” sociali e di costume fatti per la Corona Film, il cui archivio è stato di recente acquisito dalla Cineteca di Bologna) e Alessandro Blasetti (quello dei lungometraggi “erotici”, Europa di notte e Io amo, tu ami). Ma c'è în più un'indicazione di tendenza, una sorta di filo rosso che attraversa questo Bellaria Film Festival 2006: tra le tante “anime” del documentario di oggi l'attenzione va prioritariamente ai film dove il cineasta si mette in gioco in prima persona per raccontare una realtà certo personale e intima, ma anche di memoria familiare e inevitabilmente storica. Una tendenza che è emersa con forza negli ultimi anni a cui è dedicata interamente la sezione internazionale che abbiamo voluto chiamare appunto Diari & Film di famiglia (e dove questo tema è declinato con gli accenti più diversi e creativi anche da cineasti ampiamente noti come Kossakovskij e Egoyan), ma che percorre con un segno estremamente marcato ed emblematico tutte le sezioni del Festival e che si ritrova anche nei seminari o workshop voluti insieme alle organizzazioni di categoria come Doc/It e D.E.R. (Documentaristi dell'Emilia-Romagna), all'Associazione Home-Movies, e negli incontri con autori come Marco Paolini e Mimmo Calopresti. Un ultimo ringraziamento va a chi ha aiutato concretamente un festival come il nostro, perennemente minacciato da questioni di budget: la casa di produzione (h)films, che ci ha permesso di allestire un nuovo, indispensabile spazio per proiezioni e il Canale satellitare Cult del gruppo Fox. Un rapporto, questo di collaborazione particolarmente feconda. Cult è, crediamo, il solo canale TV la cui programmazione è ampiamente dedicata al documentario creativo, al cinema del reale, insomma. Alcuni dei film internazionali presentati in anteprima a Bellaria saranno diffusi su questa rete così come reciprocamente i responsabili di Cult s'impegnano ad acquisire almeno uno dei titoli di AnteprimaDoc. Pur nell’ovvio rispetto dell'indipendenza di scelte tra un festival e un canale televisivo si tratta a nostro avviso di un passo concreto per tentare un avvicinamento tra proposte artistiche di una manifestazione tradizionalmente priva di intenti commerciali e opportunità di mercato. E questo ha un significato particolare, riteniamo, in un settore come quello del documentario italiano dove la sinergia, normale altrove, tra produttori indipendenti e committenza televisiva costituisce ancora una delle principali questioni non risolte.

== ANTEPRIMADOC ==

* [[L'amore che fugge]] (2006) di Maria Martinelli
* [[Casa Plastica]] (2006) di Chiara Brambilla, Paola Tursi e Nicola Lombardelli
* [[Chiamami Mara]] (2005) di Bruno Bigoni e Lara Gastaldi
* [[L'estate di una fontanella]] (2006) di Martina Parenti
* [[Furriadroxus]] (2005) di Michele Mossa e Michele Trentini
* [[L'Isle]] (2005) di Chiara Malta
* [[Mae Baratinha, una storia di Candomblé]] (2005) di Mario Balsamo
* [[Matti alla ricerca di un altro destino]] (2006) di Filippo Lilloni
* [[Un metro sotto i pesci]] (2006) di Michele Mellara e Alessandro Rossi
* [[Nerik]] (2006) di Antonella Grieco e Pasquale Di Meglio
* [[Periferia Italia]] (2006) di Francesco Nicchiarelli
* [[La rivoluzione non è una cosa seria]] (2006) di Marilena Moretti
* [[Souvenir Srebrenica]] (2006) di Luca Rosini
* [[Uno straordinario evento]] (2006) di Theo Eshetu
* [[They call me Muslim]] (2005) di Diana Ferrero
* [[Una volta nella vita. Torino 2006]] (2006) di Lucio Pellegrini

=== I Giurati ===

* Edoardo Albinati è nato nel 1956 a Roma. Ha pubblicato vari libri di narrativa e di poesia, tra cui "il polacco lavatore di vetri”, “La comunione dei beni”, “Orti di guerra”, “19”, “Sintassi italiana”, "svenimenti”, con cui ha vinto il premio Viareggio 2004. Da oltre dieci anni insegna presso il penitenziario di Rebibbia a Roma, esperienza che ha narrato nel diario “Maggio selvaggio” (Oscar Mondadori 2001). Ha inoltre partecipato a missioni in Afghanistan e in Ciad per conto dell'UNHCR, l'Alto Commissariato delle Nazioni Unite per i Rifugiati, scrivendo reportages per “Il Corriere della Sera” e “La Repubblica". Il resoconto della missione a Kabul è raccolto nel libro “Il ritorno” (Oscar Mondadori 2002). Il suo libro più recente è il romanzo “Tuttalpiù muoio” (Fandango 2006) scritto con Filippo Timi.

* Francesca d'Aloja, è nata e vive a Roma. Attrice teatrale e cinematografica, ha girato 21 film tra i quali Hamam il bagno turco di Ferzan Ozpetek, La Scorta di Ricky Tognazzi, La Cena di Ettore Scola, L'Ultimo Capodanno di Marco Risi, Tre Mogli di Marco Risi, Scarlet Diva di Asia Argento, L'Odore della notte di Claudio Caligari. Ha appena finito di girare All'Amore Assente di Andrea Adriatico. Regista e sceneggiatrice ha realizzato 4 documentari, il primo dei quali, Piccoli Ergastoli, interamente girato all'interno del carcere di Rebibbia con la collaborazione dei detenuti. Dopo quell'esperienza ha lavorato per due anni in carcere come volontaria. Scrittrice, nel 2004 ha cominciato a scrivere il suo primo romanzo, “Il sogno cattivo”, appena pubblicato da Mondadori dal quale verrà tratto un film per la sua regia.

* Davide Ferrario ha cominciato a occuparsi di cinema da critico e distributore per la Cooperativa ‘80. Nel 1985 ha scritto la sceneggiatura di 45° parallelo di Attilio Concari. Ha esordito alla regia nell'89 con La fine della notte seguito da Anime fiammeggianti (1994), Tutti giù per terra (1997), Figli di Annibale (1998), Guardami (1999), Dopo mezzanotte (2004) e Se devo essere sincera (2004) con Luciana Littizzetto.

* Angelica Grizi è stata Channel Editor di RaiSatArt, ha lavorato come autrice per la Rai, la7 e Buena Vista Productions. Oggi lavora come Channel Editor a Cult, canale satellitare tematico di Fox International

* Italo Moscati, scrittore, regista e sceneggiatore. Nato a Milano, ha vissuto a lungo a Bologna; abita e lavora a Roma. Ha collaborato con Liliana Cavani, Luigi Comencini, Giuliano Montaldo, Silvano Agosti. Ha svolto e svolge attività di critico teatrale e cinematografico per numerosi giornali e riviste, oltre che per RaiSat CinemaWorld e Hollywood Party. E stato capo dei Servizi sperimentali della Rai-Tv producendo i primi film di Gianni Amelio, Maurizio Ponzi, Peter Del Monte e altri, lavori di Jean Luc Godard, Glauber Rocha e Marco Ferreri; è stato vicedirettore di RaiEducational. Autore di numerosi programmi televisivi di successo, ha scritto numerosi libri, tra cui il recentissimo “Pasolini Passione”.

== Concorso 150” a tema fisso: 9 aprile ==
Quest'anno i videomakers del concorso 150 secondi a tema fisso, dedicato al “9 aprile”, sono invitati ad esplorare i nuovi territori aperti dallo sviluppo e dalla diffusione delle tecnologie di ripresa applicate e incorporate nei telefoni cellulari.

Video in concorso:

* 9 aprile: frames di Andrea Marfori
* La libera espressione di Benedetto Guadagno e Giuseppe Bellasalma
* L’automobile di Maurizio Failla
* L'indeciso di Elisa Della Scala
* AI telefono con Moggi di Federico Rizzo
* Nostrafabius di Marco Serio
* Rebus di Carmelo Angelico
* Mutatis mutandis di Angelita Fiore
* Pocket diary di Maurizio Losi

== Premio Casa Rossa doc ==

* [[Alte soglie della sera]] (2005) di Daniele Gaglianone
* [[Il canto dei nuovi emigranti]] (2005) di Felice D'Agostino e Arturo Lavorato
* [[C'è un posto in Italia]] (2005) di Corso Salani
* [[Face addict]] (2005) di Edo Bertoglio
* [[Ignazio]] (2005) di Paolo Pietrangeli
* [[Inatteso]] (2005) di Domenico Distilo
* [[Le mie tre cime]] (2005) di Andreas Pichler
* [[Odessa]] (2006) di Leonardo di Costanzo e Bruno Oliviero
* [[Per sempre]] di Alina Marazzi
* [[Quando capita di perdersi]] (2005) di Sergio Basso
* [[Il sibilo lungo della taranta]] (2005) di Paolo Pisanelli
* [[Sillabario africano]] (2005) di Angelo Loy

== Festa di compleanno io sono un autarchico ==
Di Alberto Barbera

Mi ricordo, sì, qualcosa mi ricordo. Anche se è passato molto tempo, anche se tendo sempre più a riconoscermi nel protagonista di "La versione di Barney”, il bellissimo romanzo di Mordecai Richler, che fatica persino a ricordare il nome dello strumento di cui si serve per scolare la minestra. Trent'anni, nel corso dei quali Nanni - partendo da zero (anzi, da sottozero...) - è diventato quello che è diventato: uno dei registi (il regista) più importanti(e) del cinema italiano contemporaneo, l'unico ad aver vinto una Palma d'oro negli ultimi venticinque anni a Cannes, nonché altri premi “minori” (per modo di dire), forse il più conosciuto e apprezzato all'estero fra gli autori nostrani in attività, certamente il più amato (in particolare) dai francesi, nonché, negli ultimi tempi, anche uno dei punti di riferimento del movimento degli scontenti di sinistra, l’autore di un gesto di piazza clamoroso che ha dato la scossa ad una dirigenza politica demoralizzata, in crisi di coraggio e di idee. Tutto questo e molte altre cose ancora, naturalmente: il cineasta che ha scoperto e lanciato il più bravo attore italiano del momento (Silvio Orlando), nonché una delle più promettenti giovani attrici (Jasmine Trinca); che si è fatto esercente, produttore e distributore per gettare sassi nello stagno della cinematografia nazionale; che viene costantemente inseguito dai giornalisti come si fa con gli opinion leader (anche se si lascia raggiungere di rado e solo a ragion veduta, dato che non ama per nulla essere incluso in quella categoria); che ha dimostrato con il suo ultimo film di essere il più lucido analista della trasformazione antropologica che ha subito la società italiana a causa dell'avvento del Caimano di Arcore, confermandosi l'unico possibile erede del Pasolini polemista e fustigatore dei (mal)costumi nazionali. Chi l'avrebbe detto, trent'anni fa. Tanto più che, come si diceva all'inizio, la partenza di Nanni era avvenuta dai box (neanche dall'ultimo posto della griglia), per usare una metafora automobilistica. La versione ufficiale dell'esordio è arcinota: la passione per il cinema coltivata nelle sale e nei cineclub romani a cavallo fra gli anni Sessanta e Settanta, i primi cortometraggi in Super8, l'esordio nel lungometraggio con un film a passo ridotto che s'impone a forza di passaparola fra gli spettatori del Filmstudio e gli procura un contratto per il suo primo, vero film in 35mm. Riassunta così, non sembra neanche una storia italiana. Ricorda piuttosto certe vicende di autori americani che dal ghetto dell'off off più importanti palcoscenici nazionali, per approdare infine a Hollywood in virtù; gradimento crescente di pubblico e critica. Solo che da noi il contesto dell'epoca era quello di una cinematografia che, dopo aver accarezzato per poco più di un decennio il sogno di dar vita a una vera e propria industria, stava prendendo coscienza del suo progressivo dissolvimento. Finiti i fasti della Hollywood sul Tevere, smorzati i bagliori della grande Commedia all'Italiana, dato fuoco alle ultime polveri dei sottogeneri popolari (il “poliziottesco’, l’erotico-soft), il cinema italiano sembrava incapace di rinnovarsi, di star dietro all’evolvere delle situazioni. In quel preciso momento arriva Nanni. La sua apparizione assume le forme dell'irruzione inattesa e della sorpresa in crescendo. Non era mai successo che un regista proveniente dal passo ridotto, senza alcun legame con le consorterie dell'underground o dell'universo cinematografico senza rapporti con l'ambiente dei professionisti, senza maestri, senza padrini, senza raccomandazioni e senza spinte, s'imponesse in virtù semplicemente dell'interesse spontaneo suscitato, dalla novità espressiva e di linguaggio rappresentata dal suo modi di far cinema, dell'identificazione immediata del pubblico con le tematiche, i comportamenti, i problemi, persino i tic da lui messi in scena. Il “caso” Moretti era troppo unico e sorprendente, troppo atipico e promettente, per rimanere confinato a livello romano, sulle pagine locali dei quotidiani da cui aveva preso origine, dopo che si era sparsa la voce del successo spontaneo e della incredibile tenitura di un film realizzato in totale autarchia, proiettato in pubblico per la prima volta il 14 dicembre 1976 e destinato a rimanere in cartellone per cinque mesi nello stesso locale trasteverino. Così, in pochissimo tempo, arrivò sulle pagine dei più diffusi settimanali (L'Espresso, Panorama) e, in capo a pochi mesi, persino sulle riviste straniere. La più tempestiva fu l'inglese Films and Filming, che già nel marzo 1977 arrivò ad occuparsi del fenomeno Moretti. A questo punto - poiché mi è stata chiesta una testimonianza personale sull'appendice torinese che ne seguì — è opportuna una piccola digressione. Nel capoluogo subalpino, già capitale della cinefilia italiana, luogo d'origine di molte riviste di cinema (tr cui la mitica Ombre rosse), sede della prima cattedra universitaria di storia e critica del cinema, nonché patria di numerosi cineclub, erano attivissimi all'epoca due gruppi contrapposti di organizzatori di rassegne. L’AIACE, costituita nel 1967, faceva parte dell'associazione nazionale dei cinema d'essai: ne costituiva, anzi la sezione più forte e rappresentativa, con oltre 25.000 iscritti e una fitta rete di sale aderenti in città e in regione. Si trattava, dunque, di un'associazione di pubblico che in virtù del proprio radicamento sul territorio era in grado di garantire l'uscita torinese di tutti i film d'essai che raggiungevano il mercato nazionale. Si ricordano numerosi casi di film che sceglievano questa piazza per “testare” il gradimento degli spettatori o che, in una situazione distributiva non facile come quelle italiana, dovevano talvolta accontentarsi dell'unica ospitalità offerta dai locali d'essai subalpini. Il direttivo, affiancato da noti critici come Paolo Gobetti, Gianni Volpi e Nino Ferrero, faceva perno su di una singolare figura di segretario generale, Federico Peiretti, quasi del tutto privo di una specifica e approfondita cultura cinematografica ma dotato in compenso di una passione contagiosa e non comuni doti di organizzatore. Peiretti si era circondato di un gruppo di universitari per la gestione delle varie attività, che comprendevano incontri con i registi, cicli e rassegne tematiche, anteprime, schede informative su tutti i film proiettati e persino una rivista trimestrale, Essai, diffusa gratuitamente a livello locale, alla quale non disdegnavano di contribuire critici come Goffredo Fofi, Morando Morandini e Paolo Mereghetti. Il gruppo rivale proveniva dall'esperienza del Cinestudio (un cineforum di lontana matrice cattolica), ma aveva dato vita a una delle realtà cineclubbistiche più originali e autorevoli dell'intero panorama nazionale, il Movieclub, destinato a lasciare un segno nella cultura cinematografica di quegli anni. Gianni Rondolino ne faceva da padrino, ma l'autentico animatore era un collezionista appassionato e di grande cultura cinefila, Baldo Vallero, a sua volta attorniato da una gruppo di universitari, fra i quali spiccavano Roberto Turigliatto e Stefano Della Casa. Poteva contare su di un'unica sala (un cinema parrocchiale di 200 posti scarsi), alla quale si poteva accedere solo dopo essersi associati, che svolgeva un'intensa attività quotidiana di programmazione, privilegiando i classici hollywoodiani ma senza trascurare incursioni nel cinema popolare italiano (Matarazzo) e nei nuovi territori del cinema europeo (Wenders, Straub e Huillet). Inutile dire che tra i due gruppi la rivalità era forte, anche se mascherata da rapporti di formale cortesia e rispetto reciproco. Ma Peiretti, che mal sopportava l'esplicita concorrenza degli agguerriti rivali, aveva firmato un accordo con la prestigiosa Unione Culturale (un'associazione di area comunista) per dar vita al Kinostudio, un nuovo cineclub ricavato nei seminterrati di Palazzo Carignano. I lavori, lunghi, complessi e costosi, si erano conclusi alla fine del 1976, non senza lasciare strascichi economici che avrebbero portato, di lì a pochi mesi, alla rottura dei rapporti fra le due associazioni, con la conseguente scomparsa della creatura appena nata e la cessione dei locali al Movieclub, che la trasformò nella propria, fortunata sede, sino alla chiusura decretata dalle autorità nel 1984, in seguito all'inasprimento delle norme di sicurezza sui locali pubblici provocato dall'incendio del cinema Statuto. Nei pochi mesi di attività, comunque, il Kinostudio si era ritagliato un ruolo di prestigio e conquistato un pubblico affezionato, puntando a differenziarsi dal Movieclub in virtù di un'attenzione più sistematica alle emergenze del nuovo cinema contemporaneo e alla riproposta selezionata di opere dimenticate del passato. Il sottoscritto, che aveva mosso i suoi primi passi da criticoorganizzatore nelle fila dell'AIACE sin dal 1972, aveva appena terminato il servizio militare e gli era stato offerto di occuparsi della programmazione della nuova sala, con la supervisione lasca ma autorevole di Gianni Volpi. La notizia del successo romano di Io sono un autarchico non poteva passare inosservata, né fu difficile ottenere il numero telefonico di Nanni Moretti. Il quale, superata l'iniziale e inevitabile diffidenza (all'epoca, molto maggiore di quella che ancora oggi lo caratterizza, seppur giustificatamente), accettò di buon grado l'invito a portare il suo film a Torino e a presentarlo in una proiezione del neonato Kinestudio. “Portare” in senso letterale e non figurato, perché non fu certo questione di spedire la copia per corriere o, come ancora si usava în quegli anni, per ferrovia. Messa in valigia l'originale in Super8, Nanni prese di persona la via del Nord, dopo aver acquistato un biglietto per un posto în cuccetta, che gli sarebbe stato rimborsato al suo arrivo. L'appuntamento era alla stazione di Porta Nuova, intorno alle 8 del mattino di una fresca giornata primaverile del 1977. Io, che abitavo a poche centinaia di metri di distanza, pensai bene di portarmi dietro una copia di Films and Filming con la foto di scena del film (assai piccola, per la verità): vi s‘intravedeva Nanni, con lunghi capelli al vento, baffi spioventi e una valigia in mano. Speravo così di riuscire a riconoscerlo tra la folla di viaggiatori che affollavano il lungo treno notturno. In testa al binario, facevo da spartiacque tra due ali interminabili di folla frettolosa che si dirigeva all'uscita. I minuti scorrevano, mentre Nanni non si manifestava e la mia inquietudine cresceva. Dopo un tempo che mi parve interminabile, rimasi solo a fissare un tipo che non assomigliava per nulla alla foto che tenevo in mano e che, per fortuna mia, si decise a fare la prima mossa. Fu l'incontro di due timidi. Mi offrii di portare la valigia, mentre cercavo di superare l'imbarazzo imbastendo una qualche forma di conversazione plausibile. Lungo la strada, tappa per la colazione in uno storico bar torinese, Platti, che Nanni sembrò molto apprezzare (cappuccino e croissant, naturalmente), prima di raggiungere il piccolo appartamento che dividevo con un compagno di studi, dove si poté finalmente lavare e cambiare. Quel poco che ricordo del resto della giornata ha a che fare soprattutto con la riluttanza di Nanni a rispondere alle domande dei giornalisti presenti alla conferenza stampa della tarda mattinata, e a quelle del pubblico alla proiezione serale. Chi conosce il Moretti a dir poco loquace degli ultimi anni, sempre articolato nelle risposte, pronto alla battuta e piuttosto propenso a “dirigere” la discussione chiunque sia il conduttore dell'incontro, farà fatica a immaginare il ragazzo taciturno, serissimo, restio nel rispondere a qualsiasi domanda sino a sfiorare l'afasia, che affrontò con mal celato impaccio il previsto e atteso incontro con gli interlocutori torinesi. I quali, è noto, non annoverano certo tra le proprie doti quella di una naturale e contagiosa espansività: motivo per cui il divertimento suscitato dalla visione del film non bastò a far sî che il dibattito seguito alla proiezione s'incamminasse lungo binari propriamente euforici. Esuberanza (mancata) a parte, il gradimento fu elevatissimo, pari almeno alla curiosità iniziale per il film venuto dal nulla e per il suo regista, che a detta di tutti risultò tanto ricco di talento quanto riservato, per non dire enigmatico. Pochi mesi dopo, Essai pubblicò una lunga intervista con Nanni, L'anteprima torinese di Ecce bombo, ad un solo anno di distanza, si tenne invece nella saletta interna della sede dell'AIACE, in Galleria Subalpina. Da allora, mi è capitato più volte di fare da sparring partner al regista, nei molti incontri pubblici che si sono succeduti nel corso degli anni nella nostra città (e, in un paio di occasioni, anche altrove). Come dice Gary Marcus nel suo libro su Bob Dylan, “ho accettato di raccontare questo ordinario episodio perché fu la prima di molte prime volte”. L'incipit di una storia che prosegue ed è lontana dalla sua conclusione. Per fortuna nostra e del cinema italiano. Buon anniversario, Autarchico.

* [[Io sono un autarchico]] (1976) di Nanni Moretti
* [[La cosa]] (1990) di Nanni Moretti
* The last Customer (2003) di Nanni Moretti

=== Nanni Moretti ===
Nato a Brunico, Bolzano, il 19 agosto 1953 fin da giovanissimo Moretti mostra una grande passione per il cinema. È Soldati a cavallo (John Ford, 1959) il primo film che vede, a nove anni, in compagnia del fratello e del padre Luigi, professore universitario di epigrafia greca. Al liceo è un assiduo frequentatore di sale cinematografiche, soprattutto d'essai, non immaginando che in uno dei più illustri cineclub romani, il Flmstudio, riscuoterà uno straordinario successo con Io sono un autarchico (1976), il primo lungometraggio. Pratica pallanuoto a livello agonistico arrivando a giocare in serie A nella Lazio e nella Nazionale giovanile. A vent'anni vende la sua collezione di francobolli per comprarsi una Canon Super8 con cui realizza La sconfitta (1973), riflessioni di un giovane militante dell'estrema sinistra alternate alle immagini di una grande manifestazione di metalmeccanici per le strade di Roma. Regista, attore, produttore, sceneggiatore, vuole fondere sul grande schermo esperienze di vita quotidiana e avvenimenti di attualità politica. In questo periodo coinvolge nei progetti amici e parenti, tra cui il padre, che figurerà in molti film come Ecce Bombo (1978), secondo lungometraggio, presentato al Festival di Cannes, realizzato con una vera troupe e con capitali dell'industria cinematografica. Raggiunge larga popolarità e ripropone il personaggio di Michele Apicella (suo alter ego cinematografico) qui immortalato sotto un grande poster di Buster Keaton mentre si dibatte tra nevrosi e disagi giovanili. Con Sogni d'oro (1981) si aggiudica il Leone d'Oro (Premio speciale della Giuria) alla Mostra di Venezia, e dirige per la prima volta Laura Morante. E' lei Bianca (1984), la professoressa di francese di cui si innamora Michele. L'anno dopo toglie (apparentemente) gli abiti di Michele per indossare la tonaca di Don Giulio, giovane sacerdote che assiste impotente al suicidio della madre în La messa è finita (1985), che vince l'Orso d'argento a Berlino e lo impone anche a livello internazionale. In onore del suo dolce preferito, nel 1987, fonda insieme ad Angelo Barbagallo la Sacher Film e produce il primo film di Carlo Mazzacurati, Notte italiana (1987). In omaggio alla passione giovanile, torna ai bordi di una piscina dove sta per svolgersi un'importante partita di pallanuoto (Palombella rossa, 1989). Come attore, dopo essere stato diretto agli inizi della carriera dai fratelli Taviani in un piccolo ruolo di Padre padrone (1978), offre una convincente prova (premiata con un David di Donatello) negli abiti corrotti del ministro Botero nel film di Daniele Luchetti Il portaborse (1991), mentre è un professore universitario scampato ad un attentato terroristico in La seconda volta (1995), esordio registico di Mimmo Calopresti. Dopo il mediometraggio La cosa (1990) apre un cinema a Roma, il Nuovo Sacher, e successivamente realizza un film in tre capitoli, Caro diario (1993) per la cui regia è premiato a Cannes. Sempre più osannato anche all'estero, dedica Aprile (1998) alla nascita del figlio. Per il film successivo (La stanza del figlio, 2001), torna ad affrontare conflitti e distacchi all'interno di una famiglia. Dopo il successo della pellicola, che vincerà la Palma d'Oro a Cannes, continua l’attività di produttore e nel 2006 torna di nuovo nelle sale come regista (e attore) con Il Caimano nuovamente in concorso a Cannes.

== Diaries and Family Movies ==
Cè un comune denominatore nei film di questa sezione. Sono tutti racconti in prima persona. Nel senso che in ognuno di essi il cineasta è anche attore, anzi protagonista della storia raccontata. Questo sia che avvenga implicitamente (con una voce off “personalizzata” ad esempio, o con un dispositivo di messa in scena dichiaratamente soggettivo, vedi Svyoto), sia che la presenza, il corpo dell'autore sì manifesti apertamente come elemento fondante della narrazione e “dialoghi” - senza occultamenti fittizi - con gli altri personaggi dell'azione (normalmente familiari, amici, comunque “intimi” rispetto a chi filma). è questa una tendenza che coinvolge molti dei rappresentanti più autorevoli della “modernità” cinematografica, da Godard a Kiarostami, da Kramer a Gitai. Ma sarebbe impresa vana farne l'elenco perchè la mise en scène totalmente “agìta” dal metteur en scène è forse una delle caratteristiche fondanti del cinema di oggi, almeno nei “documentari” che non devono a priori dissimulare l'atto stesso del filmare come esperienza vissuta. Alla base del fenomeno c'è un’evoluzione-rivoluzione tecnologica che parte dalle camere leggere 16mm con suono sincrono degli anni ‘60 e arriva alle micro-camere video digitali di oggi. Il cineasta sempre di più può “fare da solo”, o almeno circondarsi di pochissimi collaboratori. E' un mito che si realizza: quello della camèra-stylo di Astruc che negli anni ‘50 aveva permesso “teoricamente” la nascita della nouvelle vague e che oggi si compie più o meno letteralmente. Potrebbe sembrare che dietro questa idea ci sia un atteggiamento implicitamente negativo o almeno discutibile: il cineasta si può abbandonare a un'autoreferenzialità totale e irrefrenabile, a un narcisismo che diventa di per sé la cifra dominante della messa in scena. In realtà nei film qui proposti e negli autori “di riferimento” tra cuì quelli citati prima, credo che si possa affermare decisamente ìl contrario. Innanzitutto in questo modo si affronta radicalmente una delle questioni-chiave che agitano per esempio il documentario contemporaneo: chi parla quando una voce o le immagini stesse raccontano una storia, di quale natura è il rapporto con l'altro filmato, quale origine, quale desiderio è collegato con l'atto di filmare in relazione alla connessione intellettuale ed emotiva che sì vuole stabilire con lo spettatore (su questi è è più volte espresso con estrema lucidità Jean-Louis ( di Vedere e potere, Donzelli, 2006)? Ma il punto della questione non risiede tanto in questa implicita negazione della presunta oggettività dello sguardo e della voce dell'opera nel cinema classico (la voce padrona, la “voce di dio; dei commenti off nei cinegiornali e nei film di montaggio più o meno di propaganda) ormai non più accettabile per la sensibilità dello spettatore contemporaneo, quanto nel fatto che la parola visione in prima persona del cineasta sono estremamente restie a pronunciare qualsivoglia espressione di “verità”. Ciò che risulta evidente anzi sono proprio le esitazioni, i turbamenti, le “falle in sintesi l'impossibilità di un controllo reale su immagini e suoni l'apertura incondizionata ad un'alea che in qualsiasi momento puoi fare irruzione e negare l'assunto di partenza. Quali storie si raccontano in questi film? Storie di famiglia, si diceva che vengono a coincidere inevitabilmente con brandelli di storia con frammenti di memoria collettiva. Si tratta di solito di viaggi senza verità acquisite, alla ricerca di un possibile, ulteriore verità in tracce di un passato che riaffiora in un fotogramma che magari si pensava perduto o in una parola che si pensava impronunciabile. Un viaggio forse terapeutico quindi per chi filma, e forse anche per lo spettatore, confrontato con un spesso impudica esibizione di relazioni e di conflitti affioranti dopo un percorso doloroso o comunque intensamente attraversato. Molto spesso questi viaggi nel tempo si compiono con la necessaria mediazione di immagini precedenti a quelle girate nel qui e ora del film che si sta facendo. “Materiali” d'archivio, immagini girate senza fini professionali, “home-movies”. C'è un fascino un'attrazione misteriosa che ci coinvolge in queste sequenze per definizione anonime (per noi spettatori) e quindi collettive. Quelle immagini per così dire “resistono” alle possibili manipolazioni di montaggio, si presentano in qualche modo come irriducibili e non controllabili perché quello sguardo, quella postura, quella situazione storicamente situabile ci parlano direttamente oltre il film stesso restano in una zona “franca” che è quella di ogni possibile memoria pubblica o privata ma comunque arcana. Ancora una volta il cineasta avvertito e consapevole non può dimettersi al servizio di questa incontenibile estraneità, delega una parte della propria illusione di dominio autoriale a quell'universo visivo e sonoro che lo ha preceduto, interrogarsi su di esse restituircene intatta la “grana” del tempo e la forza di un bagliore epocale.

* [[Citadel]] (Canada, 2005) di Atom Egoyan
* [[Dear Pyongyang]] (Giappone, 2005) di Yonghi Yang
* [[Exile Family Movie]] (Austria, 2005) di Arash
* [[Le Filmeur]] (Francia 2004) di Alain Cavalier
* [[Following Sean]] (USA, 2005) di Ralph Arlyck
* [[Forever yours]] (Norvegia, 2005) di Monica Csango
* [[I for India (]]Ger, Ita, Uk, 2005) di Sandhya Suri
* [[The Real Dirt on Farmer John]] (USA, 2005) di Taggart Siegel
* [[Svyato]] (Russia, 2005) di Victor Kossakovsky
* [[Voyage en sol majeur]] (Francia, 2005) di Georgi Lazarevski

== Omaggio ad Alessandro Blasetti ==

=== Alessandro Blasetti ===
di Gianfranco Miro Gori

Blasetti ha realizzato, dall'inizio della sua carriera agli anni Sessanta, un discreto numero di documentari. L'origine dei due tra la fine degli anni Cinquanta e l'inizio dei Sessanta Europa di notte (1958) e Io amo, tu ami... (1961), si trova nel suo primo, Nerone (1920) imperniato su Ettore Petrolini popolare maschera del teatro comico; un altro antecedente è costituito dai film a episodi dell'inizio degli anni Cinquanta: Altri tempi (1952) e Tempi nostri (1954). Blasetti, geniale innovatore, trova l'ubi consistam dei sui “esperimenti” filmici più all'interno del proprio percorso d'autore che, filogeneticamente, per così dire, nel complessivo scorrere del cinema nazionale. Fonde così, in Europa di notte e Io amo, tu ami... due modalità espressive - come si è detto - già sperimentate: la riproduzione a scopo di testimonianza di altre forme artistiche e il film a episodi come nuova formula produttiva. Il tutto all'insegna del linguaggio televisivo che si sta imponendo, in Italia, proprio in quegli anni, Se l'intento blasettiano di documentazione rintraccia nel cinema ancora il suo medium ideale, la frammentazione narrativa, introdotta dalla televisione, si accentua rispetto al film a episodi della prima metà degli anni Cinquanta. Blasetti parlò all'epoca di “spezzatino di documentari ammucchiati in chissà quale guazzabuglio e in chissà quale padellone filmico. Proponevo niente meno che lo spettacolo-documento, documento - în quel caso - dei più validi numeri d’arte varia” che venivano presentati nelle capitali europee e “di cui in breve volgere di anni - chiosava Blasetti - non sarebbe rimasta traccia”. Europa di notte fu un campione d'incasso e dette il via a un nuovo filone cinematografico, all’inizio basato sullo spogliarello, poi sulle usanze sessuali primitive e infine trasportato nelle aule di medicina per mostrare, anche lì, fenomeni e pratiche sessuali. Blasetti, che ebbe la sua parte di reprimende (moralistiche), realizzò allora Io amo, tu ami... che intendeva esaltare l’amore e rivalutare i sentimenti più genuini. Ma ottenne scarso successo presso il pubblico e, nonostante le intenzioni, pure guai con la censura. Con questi film, anche se seguita a dirigere, prende congedo dal cinema e si avvia stabilmente al lavoro televisivo. Lui, a un dipresso, nato col medium per eccellenza della prima metà del Novecento, si dedica con intatto entusiasmo e generosità al piccolo schermo. Resta che il cinema nazionale gli deve molto; e qualche cosa tutti quanti i registi italiani. Parola di Luchino Visconti.

* [[Europa di notte]] (1959) di Alessandro Blasetti
* [[Io amo, tu ami...]] (1961) di Alessandro Blasetti

== Omaggio ad Antonello Branca ==

=== Antonello Branca ===
di Steve Della Casa

La storia di Antonello Branca è attraversata dalla sua straordinaria capacità di raccontare storie. Può sembrare paradossale, ma il cinema di Antonello Branca rappresenta il massimo di avventure che il documentario degli anni Settanta ha saputo esprimere. Ma andiamo con ordine. Branca ha lavorato nel documentario a partire dagli anni Sessanta e si è sempre distinto per il professionismo artigianale con il quale svolgeva il proprio lavoro, Per professionismo intendiamo un modo di concepire il documentario, che è sempre caratterizzato da una linea editoriale molto attenta a citare le fonti, a verificarle, a privilegiare numeri delle inchieste alle frasi ad effetto. Ma è professionismo anche la grande attenzione che Branca ripone nel fatto che i suoi film abbiano un produttore e un distributore, abbiano cioè la dignità di film e la visibilità di un pubblico. E la visibilità viene data dal fatto di lavorare per la Rai. Branca non è il solo regista di area militante che lavora per la televisione di stato (basta citare, ad esempio, l’esperienza di Romano Frassa) ma è quello che lo fa con maggiore continuità e con un raggio d’azione che in tanti anni lo farà impegnare dal documentario sociale all'inchiesta giornalistica, dal programma per ragazzi alle serie educational. Questo incrocio tra il cinema di Branca e la nostra televisione è una chiave di lettura molto importante per l'insieme del suo lavoro. Spiega ad esempio l'estrema semplicità e l'ampia documentazione che Branca mette sempre in campo per tutti i temi che affronta. Beninteso: non fa nessuna concessione sul piano politico (i suoi film sono sempre molto coerenti con le sue scelte di campo) ma cerca sempre di usare un linguaggio semplice e intelligibile, di spiegare tutto e, come dicevamo prima, di citare sempre fonti oggettive. Ma c'è anche un'estetica che sottende il cinema di Antonello Branca. È un’estetica fondata sull'incrocio tra sonoro e montaggio, che è particolarmente visibile nel suo tocco di modernità proprio all'interno dei suoi film girati in America. Un montaggio nervoso, un sonoro pieno di suggestioni. Paradossalmente, ricorda alcune soluzioni di Roger Corman e del suo giovane montatore, sia esso Monte Hellman o Martin Scorsese o Francis Ford Coppola (tre nomi che, come è noto, hanno mosso i loro primi passi proprio insieme al regista più inventivo degli anni Sessanta americani, insieme ovviamente a John Cassavetes). In questo senso, il cinema di Branca non è solo figlio di quelle ventate di rottura politica e sociale che attraversa in tutto il mondo tutti gli anni Sessanta, ma è anche fratello di tutte le innovazioni e le sperimentazioni che cambiano il modo di raccontare e di comunicare. Quindi, un documentario a tesi politica sostenuto da un modo di raccontare che non vuole mai essere piatto e piegato al fatto di dover sostenere per l'appunto una tesi. In questo senso, il cinema di Branca è un cinema militante che va oltre i difetti del cinema militante pur avendone i pregi. E, come sappiamo, non è poco. I temi che Branca ha affrontato nel suo cinema sono i più diversi, però è evidente che alcuni lo hanno affascinato di più. I bambini, ad esempio, oppure l'America. E in questa breve selezione con la quale Anteprima gli rende omaggio possiamo non a caso vedere l'America della contestazione e l'Italia che dopo pochi anni passa dalla grande speranza alla delusione più cocente, come testimoniano due bambini da poco cresciuti che vivono con la droga una vera e propria discesa dentro gli inferi della normalizzazione e della caduta dei propri sogni. Pochi anni separano le pantere nere dagli occhi intensi di Filomena e Antonio che vivono in una Milano diventata contemporaneamente da bere e da pere. E quel trascorso quasi impercettibile di tempo che sa diventare capacità di cogliere da subito i cambiamenti è la prova di quanto riesca davvero a fare Antonello Branca, narratore attento di quegli anni tumultuosi.

'''Antonello Branca''' è stato uno dei documentaristi italiani più significativi degli anni 60/70. Nato a Roma il 15 maggio 1935, è fotografo în Kenia a soli 24 anni, poi corrispondente da Londra per l'Agenzia Italia, dove inizia il suo percorso di documentarista. L'esordio è un reportage “diverso”: Aria di Londra (1961). Per quattro anni collabora con TV7, il programma d'informazione “cult” della seconda rete. IL suo servizio sul Vajont (1963), per primo denuncia le responsabilità umane del disastro. Il regista viene messo all'indice e allontanato per un lungo periodo dal programma. Nel 1965, Mastroianni si racconta ad Antonello, che lo segue per mesi nelle sue attività. Il ritratto è completato da quanti hanno lavorato con lui: Vasco Pratolini, Federico Fellini, Giulietta Masina, Valerio Zurlini, Pietro Germi, Luchino Visconti, Jeanne Moreau, Sophia Loren. Nel 1966 si trasferisce negli Stati Uniti, danno vita ad un ricchissimo percorso di documentazione. In What's happening ? (1967, Coppa Agis al Festival dei Popoli di Firenze del 1967), Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Allen Ginsberg, Andy Warhol, Fred Mgubgub, Marie Benois raccontano la loro America, la Pop Art e la Beat Generation. Nel 1968 gira California, un documento in tre puntate sullo stato più dinamico dell'Unione. Una canzone di Elaine Brown Seize the time ispira il titolo del film sul Black Panther Party (1970), un lungometraggio costruito con le Pantere Nere sulle condizioni di vita dei neri americani, la repressione, la resistenza organizzata del movimento. Seize the time vince il premio di qualità Ministero Turismo e Spettacolo al Festival di Pesaro del 1970. Nell'89 inizia una ricerca sul rapporto tra guerra e tecnologia che durerà quattro anni. Centinaia di interviste, la collaborazione di studiosi come David S. Landes, Nathan Rosemberg, l'apporto degli scienziati che costruirono la bomba A, hanno permesso di dare vita ad una trilogia, Guerra e tecnologia, che documenta il rapporto tra gli apparati militari e lo sviluppo economico degli Stati Uniti, dalla nascita dello stato americano, alla fine del ‘700, fino alla guerra del golfo del 1991. Negli ultimi anni aveva iniziato a lavorare ad un progetto ambizioso: una storia “alternativa” degli Stati Uniti, di cui ci resta un articolato lavoro su La grande depressione. La morte del regista interrompe questo percorso di ricerca il 25 giugno 2002. Tra i suoi lavori: La garrota, Un italiano guarda Londra (1961), Gli scopai di Cicognara, Le formiche del Gargano, La grande disputa, J.F.Kennedy: l'America degli anni ‘60 (1963), Intervista allo Scià di Persia, Le debuttanti (1964), Federico Fellini: regista (1965), I pionieri del deserto, Piena estate, Giorgio Strehler (1966), Vivere sani (1967), Los Angeles una città in automobile, California: il laboratorio del futuro (1968), La macchina del tempo (1969), Ai cancelli della Fiat (1972), La Banca d'America (1981), Scusi lei è di sinistra? (1982), Mi chiamo Rigoberta Menchù, L'acqua tra cielo e terra, Bonaventura e la tarantola (1985), T. Bone Pickens: P. come Profitto, Miami, la porta d'oro (1986), Autostrade S.P.A. (1988), L'economia del Pentagono, La guerra del petrolio, L'alba dell'era atomica (1993), L'anticittà, Lavorare a Roma, Cinecittà (1999), Basilicata, Abruzzo, Molise, Il New Deal di Roosvelt (2000). Nel 2003 nasce l'Associazione Culturale Antonello Branca. Il suo intento è quello di recuperare e preservare la straordinaria produzione dell'autore. Ma non soltanto la sua. ACAB si propone di contribuire alla salvaguardia del patrimonio di idee ed esperienze che tanti autori, come Branca, hanno profuso nei racconti del sociale e che costituiscono una ricchezza insostituibile non solo per i contenuti, ma per il modo di raccontare il mondo e di fare “cinema”.

* [[Voglio essere un cantante]] (1964) di Antonello Branca
* [[Storia di Filomena e Antonio: gli anni ‘70 e la droga a Milano]] di Antonello Branca
* [[Cartoline da Napoli]] (1977) di Antonello Branca

== Omaggio a Giuseppe Ferrara ==
Giuseppe Ferrara nasce il 15 luglio 1932 a Castelfiorentino, in Toscana. Si laurea in Lettere all'Università di Firenze con una tesi in storia del cinema, relatore Roberto Longhi. Inizia la sua attività come pubblicista cinematografico nel 1952. E' iscritto al Sindacato Critici Cinematografici Italiani. Si è diplomato in regia al Centro Sperimentale di Cinematografia di Roma nel 1959. Fra il ‘57 e il ‘66 pubblica i primi 3 libri sul cinema, e nel frattempo collabora alle principali pubblicazioni specializzate, fra cui "Bianco e Nero”, “Cinema”, “Cinema Nuovo”, “Cinema ‘60”, “Filmcritica”, “Schermi”, caratterizzando la sua ricerca nella direzione storico-saggistica. Ha realizzato documentari cinematografici, lungometraggi a soggetto e programmi sia per la Rai che per le Tv private. Nel 1960 fonda il mensile “Film Selezione”, che dirige per un anno. Ha collaborato con conversazioni di carattere cinematografico a Raidue e Raitre, ha diretto una “Enciclopedia pratica dello spettacolo” in 80 fascicoli (Accademia, 1970-76) ed ha collaborato a volumi di carattere antologico. Ha insegnato in scuole di cinema e realizzato programmi didattici sul cinema, divenendo in seguito direttore dell'Accademia Rosebud di Roma. Dal 1964 al 1969 ha fatto parte del direttivo dell’ANAC e della FILS-CGIL Cinema. Direttore di doppiaggio, è Presidente della NCD, Nuova Cooperativa Doppiaggio, e amministratore (dal 1968) della TV Cine 2000. Ha fatto parte degli organi dirigenti della cooperazione. I suoi documentari sono stati oggetto di un corso monografico presso l'Università di Bologna (prof. G. Bergamozzi) e di tesi di laurea. Tra i suoi libri: ‘Luchino Visconti’, ed. Seghers 1965; ‘Francesco Rosi’, ed. Canesi 1966; ‘Faccia di spia’, (con Umberto Giovine), Vangelista editore, 1975; ‘Manuale di regia’, Ed. Riuniti, 1999; Trai suoi corto e mediometraggi: l'amata alla finestra (1959); Bambini dell'acquedotto (1960); Lo stagno; Inchiesta a Perdasdefogu; I renditori di sogni; La pagella (1961); Brigata partigiana; Minatore di zolfara; Il ballo delle vedove; I Maciari (1962); La strada maestra; Le streghe a Pachino; Il mercato delle pulci (1963); Gilda (1964); Lavagna di cemento; La camorra (1965); Mafia d'Aspromonte (1966); Il gergo della malavita; Banditi in Barbagia (1967); Terzo mondo sotto casa (1970); A Orgosolo la terra ha tremato (1971); La città del malessere (1972); La ‘ndrangheta (1974); tutti vincitori di prestigiosi premi e riconoscimenti. Ha collaborato con numerose rubriche RAI tra le quali: Almanacco (1963); Si dice donna (1979) Rete 2; P2 Story o dei misteri d'Italia (1985), inchiesta in 5 puntate per le Tv private; Il cinema cos'è (1985-86), per il Dipartimento Scuola Educazione della Rai-tv; Donne di mafia (2001), telefilm in 2 puntate per Raidue. Ha realizzato molti lungometraggi tra i quali: Il sasso in bocca (1969-70), premio Spoleto per l'opera prima; Noce d'oro; premio Giovani protagonisti agli Incontri Silani; premio Mondello 1975; attestato di qualità 1970 del Ministero del turismo e dello spettacolo; Panagulis vive (1981), selezionato per i festival di Venezia, Mosca, Carrara; premio Laceno d'oro per la regia al festival di Avellino; Targa Cineclub Napoli; Cento giorni a Palermo (1984), premio Associazione amici dello spettacolo 1984; Targa Associnema e Cineclub Napoli; Airone Fedic; premio SIAE per la migliore colonna sonora (1980-84); Il caso Moro (I giorni dell'ira) (1986); Giovanni Falcone (1993); I banchieri di Dio (Il caso Calvi) (2002). Ha inoltre doppiato programmi di tutti i generi per RAI e Tv private.

=== Programma 1 ===

* Il ballo delle vedove (1962)
* I maciari (1962)
* Banditi in Barbagia (1967)
* A Orgosolo la terra ha tremato (1971)

=== Programma 2 ===

* Le streghe a Pachino (1963)
* La camorra (1965)
* Le ragazze dei grandi magazzini (1965)
* La città feticcio (1969) di Giuseppe Ferrara e K. Quien

=== Programma 3 ===

* Bambini dell'acquedotto (1959)
* Terzo mondo sotto casa (1970)
* La fabbrica degli angeli (1971)
* La città del malessere (1973)

=== “300 metri ad ostacoli” ===
Una testimonianza di Giuseppe Ferrara

Mi fa molto piacere vedere di nuovo proiettati i miei documentari, molti dei quali credevo ormai perduti. Soprattutto tengo a Bambini dell'acquedotto, il mio primo film del ‘59 che ha vinto il Nastro d’argento. Si tratta di un lavoro pre-pasoliniano: io, allora giovane studente del Centro Sperimentale di Cinematografia, mi sono introdotto all'acquedotto Felice, le cui antiche mura erano state colonizzate da immigrati italiani, quasi tutti del sud. Ho fatto un'inchiesta molto approfondita, ho conosciuto le persone, stretto amicizia con loro, ho sperimentato sulla mia pelle una situazione di profondo degrado che è la stessa descritta in “Una vita violenta”, che proprio in quel momento veniva dato alla stampa, e che Pasolini più tardi narrerà nel suo film d'esordio. E' il racconto di come vivevano i bambini nelle baracche, aspettando che la madre abbia fatto l'amore con i clienti, imparando il catechismo. Ho sempre privilegiato il tema dell'infanzia, penso che i bambini protagonisti di molti miei film abbiano un visione assai chiara anche se elementare delle cose. La realtà vista attraverso i loro occhi non degrada l'espressività o i contenuti ma rende il reale più accettabile, più popolare. Popolare è la parola giusta, perché il mio cinema non vuole mai essere “intellettuale”. In quel momento, inoltre, ero influenzato dal neorealismo, dai film dei maestri che avevo amato e studiato tanto approfonditamente da farne oggetto della mia tesi di laurea. Bambini dell'acquedotto, come quasi tutti i miei documentari successivi, è un piccolo film fatto con pochi mezzi. Avrei voluto che fosse più lungo, più ricco, ma non poteva durare più di 11 minuti perché il Ministero accettava per legge solo quelle durate. Ho usato fino all'ultimo metro a mia disposizione, 299 metri sui 300 consentiti. Si tratta di un “documento”, protagonista la gente reale in luoghi reali, ma dentro c'è già in nuce anche il mio cinema di finzione, a cui sono arrivato solo dopo 10 anni. Fare documentari allora era un lavoro improvvisato, da “peracottari”. Ci davano solo 1000 metri di pellicola 35mm e non avevamo quasi mai il fonico, tanto che il sonoro all'inizio era quasi sempre aggiunto a posteriori, e molti dei miei film sono infatti doppiati: una vera follia per un documentario! Avevamo solo 3 giorni di tempo per fare le riprese, al massimo una settimana se si doveva girare fuori Roma: se si pensa a quanto tempo Flaherty ha trascorso con Nanook ci rendiamo conto di come in due, tre giorni sia impossibile affondare davvero dentro la realtà che vuoi documentare. Allo stesso tempo avevamo però una grande libertà espressiva, ai produttori non interessava che facessimo un cinema impegnato nel sociale e ci lasciavano trattare anche i temi più scottanti perché, nonostante la programmazione fosse sancita per legge, ormai i documentari non venivano quasi mai visti in sala. Gli spettatori li detestavano, ed esisteva un tacito accordo tra pubblico, esercenti e autorità incaricate di controllare che di fatto rendeva la programmazione obbligatoria una realtà puramente fittizia. Il documentario però aveva allora un'importanza fondamentale, era una sorta di palestra per giovani registi che potevano cimentarsi con il linguaggio del cinema. Io ho diretto quasi cento cortometraggi, ho imparato moltissimo grazie a questa legge che, nonostante le sue imperfezioni, mi ha consentito di esercitarmi a fare cinema, sia nel campo del documentario che della fiction, perché alcuni corti, pur se utilizzavano sempre personaggi e luoghi reali, erano costruiti come piccole novelle ambientate nella periferia romana. Questa della breve novella di fiction era una tendenza diffusa nei miei lavori, mentre gli altri temi fondamentali erano le inchieste sul meridione e l'indagine della capitale. Roma era una necessità per i modi e i tempi imposti dalla produzione: vi ho girato circa 30 documentari, che costavano pochissimo. Del resto ero bravissimo a risparmiare, facevo il fonico da solo, avevo imparato a usare il registratore Maihak. Il problema più grande era la macchina da presa, che non era insonorizzata; ma in quelle condizioni non sarebbe stato possibile girare con il “blimp” perché la cinepresa sarebbe diventata pesantissima e ingestibile. Il 16mm l'ho usato meno all'inizio degli anni sessanta, anche perché era ancora poco diffuso; ero dunque costretto a girare anche le interviste con una rumorosissima Arriflex 35mm, che avvolgevo con molte coperte per tentare di eliminare il rumore. Nelle interviste usavo lo zoom e cercavo di tenermi il più lontano possibile dai personaggi, almeno per garantire un'audizione accettabile, e comunque sempre abbastanza modesta. La mancanza di tempo e le condizioni di lavoro che ho chiamato da “peracottari”, termine gergale che definisce bene il nostro operato di quegli anni, mi imponevano di documentarmi a priori; sentivo fortissima l'esigenza di studiare la realtà che intendevo indagare partendo da inchieste preesistenti: spesso ricorrevo al lavoro di storici e giornalisti, come quello di Longo e Serao all'origine de La camorra, o l'inchiesta di Arturo Gismondi pubblicata su “Paese sera” usata per Banditi in Barbagia. Per questo film ho fatto a Roma un lungo lavoro di ricerca; quando sono andato a girare a Orgosolo avevo già stabilito i contatti con le persone sul luogo? ho trovato un ambiente già preparato. I miei documentari sono în primo luogo dei film politici, come si evince dai temi trattati, dalla durezza del commento. Sono un regista di sinistra e mi sono sempre considerato un militante, Ho sempre pensato di fare i film per il movimento operaio, e da socialista bassiano ho preso parte attiva nella vita politica e ho contribuito alla fondazione del Psiup. Ora mi rendo conto con la fine della classe operaia sia inarrestabile, perché lo stesso capitalismo è cambiato, il padrone e l'operaio non sono più nemici, sono sulla stessa sponda economica che è quella del Mercato. Ma le battaglie di allora, quelle contro la mafia, le aberrazioni del potere, la cecità di ogni estremismo politico sono ancora attive. Forse oggi sono più disilluso, ma non mi sento ancora sconfitto.

Da una conversazione di Laura Buffoni con Giuseppe Ferrara, a Roma, aprile 2006

== Fuori concorso ==

* [[Adolfo Celi, un uomo per due culture]] (2006) di Leonardo Celi
* [[Colpi di testa]] (2005) di Loredana Conte
* [[L'Eletta]] (2006) di Camilla Paternò e Matteo Basilé
* [[Il Grande Fardello]] (2004) di Simone Pera e Marianna Schivardi
* [[Hermanos de Italia]] (2006) di Volfango De Biasi
* [[L'impero del sole]] (1956) di Enrico Gras, Mario Craveri e Giorgio Moser
* [[Luigi, Teresa e la campagna d'Africa]] (2006) di Luca D'Ascanio
* [[Le mie elezioni]] (2006) dei Vloggers
* [[Il peggio di noi]] (2006) dì Corso Salanì

=== I Diari della Sacher ===
La Sacher Film ha prodotto, in due edizioni, prima 7 e poi 4 documentari tratti dalle testimonianze raccolte nell'Archivio Diaristico nazionale di Pieve Santo Stefano: memorie e diari, raccontati dai protagonisti stessi, storie di donne e uomini, gente comune, che rivivono nel ricordo momenti diversi della storia d'Italia. Nanni Moretti ha presentato I diari della Sacher alla 58° Mostra del Cinema di Venezia, dove hanno ottenuto una segnalazione della Giuria del Premio Fedic. I diari della Sacher 2002 vengono presentati da Nanni Moretti e Angelo Barbagallo per la prima volta il 4 agosto al Festival di Locarno, nella sezione “Cineasti del presente”. I film, coprodotti da Sacher, Tele+ e Rai3, vengono trasmessi su Tele+ grigio e nel periodo aprile-maggio 2002 su Raitre.

* Ca Cri Do Bo (2001) di Susanna Nicchiarelli
* Antonio Ruju. Vita di un Anarchico Sardo (2001) di Roberto Nanni
* Bandiera Rossa e Borsa Nera (2001) di Andrea Molaioli
* In Nome del Popolo Italiano (2001) di Valia Santella
* Scalamara (2001) di Giuseppe M. Gaudino
* I Quaderni di Luisa (2001) di Isabella Sandri
* Davai Bistrè! Avanti! Presto! (2001) di Mara Chiaretti

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2006]]

2006

2025-04-01T14:30:04Z

Thomas: /* Diaries and Family Movies */

2006

2025-04-01T14:22:50Z

Thomas: /* Festa di compleanno io sono un autarchico */

2006

2025-04-01T14:02:32Z

Thomas: /* I Giurati */

2001

2025-03-31T12:28:46Z

Thomas: /* Lumiere */

== Enti promotori ==
[[File:2001 Anteprima anno uno Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Anteprima Anno Zero, 2001]]Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Dipartimento dello Spettacolo Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini

== Direzione ==

=== Direzione artistica ===
Enrico ghezzi

=== Selezione e programmazione ===
Francesco Di pace, Stefano Francia, Enrico ghezzi

=== Direzione organizzativa ===
Antonio Tolo

=== Segreteria, ricerca film ===
Michela Mercuri,

=== Ospitalità ===
Miriam Pozzi

=== Cura del catalogo ===
Rossana Ronconi

=== Immagine coordinata ===
Antonio Tolo

=== Traduzioni ===
Miriam Pozzi, Rossana Ronconi

=== Ufficio Stampa ===
Marzia Milanesi, responsabile, Barbara Sassano, assistente, Catia Donini, regionale

=== Redazione pagine web ===
Paolo Pagliarani

=== Proiezioni ===
Brenno Miselli, Angela Miselli, Ugo Baracchi, Marco Davolio

== Presentazione ==
Il Sindaco Gianni Scenna, L'Assessore alla Cultura Ugo Baldassarri

Tagliato il traguardo della maggiore età, Anteprima, come una signora vezzosa, si ostina ad azzerare i propri anni, per rinnovare ancora una volta la ricerca di nuovi orizzonti audiovisivi. A condurre l'esplorazione, ancora una volta, lo sguardo curioso e inquieto di Enrico Ghezzi a conferma della propensione alla provocazione e all'avventura che il festival ha dimostrato di avere in queste prime diciannove edizioni. Non sono pochi, diciannove anni. Molti sono i registi e gli autori di cinema passati a Bellaria in questi anni, e che a Bellaria si sono fatti conoscere. Del resto Bellaria può, orgogliosamente, vantarsi di avere contribuito ad aprire strade nuove, ben presto percorse anche da altri. I festival cinematografici, infatti, sono proliferati numerosi. Pochi hanno saputo mantenersi vivi e longevi.

=== Cinema: un posto al/il mondo ===
Enrico ghezzi

Nel mondo del superamento del lavoro, o almeno della sua fantomatizzazione da una parte e del suo terribile rinchiudimento nei lager terzomondisti del lavoro coatto dall'altra, (anteprimaannozero) si trova per necessità fatale a giocare le sue proiezioni proprio su questa tensione. Il posto, il film grande e discreto con cui Ermanno Olmi propose e consolidò quarant'anni fa la sua poetica del "tempo fermo" (Il tempo si è fermato era stato il titolo del suo primo film), è il titolo centrale del festival di quest'anno. Non tanto per la mossa che ci ha portato a contrapporgli un raro film d'esordio di pochi anni dopo, quel Chi lavora è perduto di Tinto Brass, anticipazione della festa/rivoluzione del '68. Non solo, cioè, per la dialettica lavoro/nonlavoro d'epoca, quasi come una lotta di classe tra concezioni della forma del vivere sociale. Ma per la forza con cui fin dal titolo si pone la questione più teorica e viva delle forme di vita del nuovo millennio. Abbiamo ‘parlato’, a Bellaria l’anno scorso, del doppio movimento di sparizione del corpo (di quello dell'autore, di quello del cinema) inabissato nella sintesi digitale della rete, o miniaturizzato fino a poter essere inghiottito; e di contemporanea riemersione dei corpi hard come ‘cosa vista’ del cinema e della rete stessa. Quest'anno (marcato un mese fa a Cannes in tutto il cinema mondiale d'autore - col debito ritardo rispetto all'intensità del gran cinema hollywoodiano da Ghost fino al geniale Sesto senso - da un forte senso di lutto per la scomparsa dei corpi amati...), continuiamo a mostrare il disagio prorompente del corpo in cui alcuni film europei (che continuiamo a proporre tout court come contesto automatico di qualunque cinema che voglia prima di tutto giocare la propria indipendenza de modi di produzione forzatamente o tradizionalmente nazionali). E segniamo, con la presenza (che avremmo voluto ancora più forte e strutturata, se si fossero sormontati problemi tecnicopoliticofinanziarstrutturali) del cinema ‘visto dai musicisti” (e della videomusica) il reciproco sguardo spettrale che si lanciano le due forme fantasma più attive nel muovere e produrre il tenersi dello spettacolo (quello proprio cantato/temuto e trionfante/tramontante nel profetico/finale Gimme Shelter con cui i Rolling Stones aprono il festival). Il segno più forte di un nuovo stato di uscita dal lavoro (secondo la fatidica ‘sortie des usines' inaugurata dai Lumiére che li inaugura nel 1895) lo danno proprio le magmatiche centinaia di ore di registrazioni del Grande Fratello che proponiamo proprio come ‘segno lumiére' insieme con le immagini di dissesto selezionate da Giorgini. Nei monitor disseminati in vetrina, le immagini viste/non viste ci appariranno per quello che già (non) sono/furono/saranno nel loro frastagliarsi e fluire in varie forme e durate di tv e în rete: il reingresso immediato del corpo in un'altra fabbrica (lo spettacolo), a disposizione ‘sempre’, registrato ininterrottamente (come siamo tutti...?) e poi magari intravisto per pochi secondi. Il posto del cinema, nell'improbabile costante presente assente’ della fabbricaspettacolo da esso aperta o meglio rivelata più di un secolo fa, è ora quello di una centralità obliqua, divenuta anch'essa fantasma, spiazzata. Nel film russo che chiude il festival con stupefacente intensità e con fatale precisione (l'eco olmiana del titolo...), Un posto sulla terra, il corpo freak e it fantasma si incontrano appunto in uno stesso luogo/posto. Una comunità (per ora/da sempre) impossibile.

== CONCORSO ANTEPRIMA ==

* [[Amami]] (2000) di Guglielmo Zanette
* [[L'anacoluto]] (2000) di Mariarosaria Alvi
* [[Braccati]] (2001) di Gabriele Albanesi
* [[The Cannoli Line]] (2000) di Alessandra Tantillo
* [[Il confine]] (2001) di Piero G. De Luca
* [[Le cose vere]] (2001) di Antonello Matarazzo
* [[Dè-tail]] (2001) di Carlo Michele Schirinzi
* [[Di ritorno]] (2001) di Mauro Santini
* [[Domenica pomeriggio: invasione...terra...12 ore]] (2000) di Giuseppe Acone
* [[L'estate vola]] (2000) di Andrea Caccia
* [[Fiir einen Moment]] (2001) Per un momento di Marco Antoniazzi
* [[Hanna]] (2001) di Vinicio Basile
* [[Isbàm]] (2000) di Giorgio Carella e Paolo Cognetti
* [[La mia dolce mezzena]] (2000) di Gian Maria Tore
* [[Morte dell'eroe in due tempi]] (2000) di Antonio Di Trapani
* [[Il paese delle rane]] (2001) di Alberto Momo
* [[Paolo e Francesco]] (2000) di Gabriele Anastasio
* [[Pilgrims]] (2001) di Marco De Angelis
* [[Psychica agonya]] (2000) di Ss Sunda
* [[Quid pro quo]] (2000) di Jerome Bellavista
* [[Righe]] (2001) di Roberto Di Vito
* [[Scappa Valentina]] (2001) di Michelangelo Frammartino
* [[Siciliatunisia]] (2000) di Anselmo De Filippis e Stefano Savona
* [[Signore e signori]] (2000) di Francesco hAzzini
* [[Sogni di carta]] (2001) di Matteo Merli
* [[Spring Roll]] (2001) di David Zamagni, Nadia Ranocchi
* [[Suan]] (2001) di Valentina Bersiga
* [[Ti ricordi di Fox?]] (2000) di Alessandra Pescetta
* [[Il viaggio di Giuseppe]] (2001) di Emma Rossi-Landi, Riccardo Cremona, Giulia Tronci

== Concorso 150” a tema fisso duemilauno ==

* 2001 di Giovanni Esposito
* 2001 The Baggage di Marzia Morrone
* 2001-Macchè te lodico affare di Marco Riva
* $05 di Sonia Antonini, Arianna Felicetti e Matteo Marson
* A.I. alla mia generazione di Alessandro Spada
* Anno 2001 di Armando Alberti
* Anno 2001: i prioni sono tra noi di Antonello Matarazzo
* Automic di Valentina Bersiga
* Breve acuto non risolto di Francesca Aste, Micol Cossali, Giulia Mirandol
* Canto meglio io di Antonio Nardini
* Clavius di Maurizio Failla
* Comunicazione urgentissima! di Lauro Crociani
* Daisy dammi la mano son pazzo di te di Nadia Ranocchi
* Duemilaeuno: l’anno dei miracoli di Angelo Tantaro
* Duemilauna di Giovanni Ranocchi
* Elia Di di Gianni Gozzoli e Gabriele Turci
* Emporio di Alessio Kogoj
* ETC di Simone Lecca
* Flatus per lumina di Cesare Fernicoca e Roberto Prudentino
* Ghiaia di Federico Maraner
* Help! di Ettore Ferrettini
* Ho visto tutto di Mauro Crociati, Massimo Magnani, Alessandro Martinini
* Il risveglio di Simone di Susanna Gentili e Roberto Pantaloni
* Living 2001 di Daniele Torquati
* Minotauro di Maria Antonella Giannuzzi
* Natalia 85 ha abbandonato la chat di Alessandro Grimaldi
* Nel calendario il giorno non è ancora segnato di Domenico Distilo
* Nel sonno di Caino di Fabrizio Zanuccoli
* Nervi di Monaldi Moretti
* Odissea 2001 di Marcello Cotugno
* Pauline Barret di Samira Guadagnuolo
* Preferisco la luna di Leonardo Corbucci
* Videotape di Simone Ronci
* Vita da cani di Rosanna Benvenuto

== Premio casa rossa ==

* [[Gostanza da Libbiano]] (2000) di Paolo Benvenuti
* [[Chimera]] (2000) di Pappi Corsicato
* [[Domenica]] (2001) di Wilma Labate
* [[Estate romana]] (2000) di Matteo Garrone
* [[Una lunga, lunga, lunga notte d'amore]] (2000) di Luciano Emmer
* [[Occidente]] (2000) di Corso Salani
* [[Placido Rizzotto]] (2000) di Pasquale Scimeca
* [[Sangue vivo]] (2000) di Edoardo Winspeare
* [[Scarlet Diva]] (2000) di Asia Argento

== Contrap/posto, Brass il cinema al lavoro ==

* [[Chi lavora è perduto]] (1963) (In capo al mondo) di Tinto Brass
* [[Tempo libero]] (1964) di Tinto Brass
* [[Tempo lavorativo]] (1964) di Tinto Brass

== Gimme movies ==

* [[Gimme Shelter]] (1970) di David e Albert Maysles, Charlotte Zwerin
* [[The 5000 Fingers of Dr. T]] (1953) di Roy Rowland
* [[A Charlie Parker]] (1970) di Leo De Berardinis e Perla Peragallo
* [[Oggetti smarriti]] (1980) di Giuseppe Bertolucci
* [[Tuxedomoon Live]] (2001) di Raffaele Rago, Enrico Ludovici
* [[Dancer in the Light Bjork in sei variazioni di luce]] di Alessandro Riccini Ricci
* [[Au revoir - Wip, Work in Progress]] (2001) di Luca Guadagnino
* [[Film americano - Trailer]] (2001) di Walter Fasano
* [[Malattia]] (2001) di Elisabetta Sgarbi
* [[Vut Balè?...]] (2001) di Valentino Bettini
* [[Prima di tutto 1, Prima di tutto 2/1, Prima di tutto 2/2]] (2000) di Valentino Bettini e Francesco Minarini
* [[Umarete wa mita keredo]] (Sono nato ma...) (1932) di Yasujiro Ozu, Giappone
* [[Tokyo Monogatari]] (Tokyo Story) (1953) di Yasujiro Ozu, Giappone
* [[Playtime]] (Tempo di divertimento) (1967) di Jacques Tati, Francia
* [[O Thiasos]] (La recita) (1975) di Theo Angelopoulos, Grecia

== Corpi nello spettro dell'immagine ==

* [[À ma soeur!]] (2000) di Catherine Breillat
* [[L'amour, l'argent, l'amour]] (2000) di Philip Groning
* [[Interiora, le regioni più interne Exteriora, ai margini, interi]] (2001) di Tonino De Bernardi
* [[Mesto na zemle]] (2001) di Artur Aristakisjan
* [[Les savates du bon Dieu]] (2000) di Jean-Claude Brisseau

== Fuori concorso - Altre visioni - Duck soup - Generi/che visioni - Piccole menzogne sull'amore ==

=== Altre visioni ===

* [[Candilla]] (2001) Di Francesco Dominedò
* [[Canzoncina]] (2000) di Manuele Cecconello
* [[Capolinea]] (2001) di David Satta
* [[Debordanti]] (2001) di Pietro Balia
* [[Ernesto]] (2001) di Mario Toscano
* [[La gente]] (2000) di G.R.E.S. Film
* [[Hospes]] (2000) di Carola Cerreti
* [[K - il pianeta kattivo]] (2000) di Susanna Schoenberg
* [[Mad Woman's Vision]] (2000) di Simona Palmieri
* [[May I Take off?]] (2000) di Riccardo Maneglia
* [[Il mio mondo personale]] (2000) di Daniele Carrè
* [[L'ombra della bellezza]] (2000) di Lucio Fiorentino
* [[La periferia del viaggio]] (2000) di Giovanni Covini
* [[Questo è il silenzio]] (2000) di Giovanni Franci
* [[SCNZ]] (2001) di Domenico Martoccia
* [[Sopra le righe]] (2001) di Domenico Caraccia
* [[Vedo]] (2000) di Alessandra Bruno
* [[Ciccio Colonna]] (2000) di Maurizia Giusti alias Syusy Blady
* [[La frittatina]] (2001) di Marcello Gori
* [[Sex and Action in Las Vegas]] (2000) di Bob Ferrari

=== Generi/che visioni ===

* [[Il canto della cicala]] (2000) di Andrea Lato
* [[Cordialmente, Jack lo squartatore]] (2001) di Walter Salami jr.
* [[Emo Canino, il vampiro di Ossasecca]] (2000) di Roberto Amoroso
* [[Le foto dello scandalo]] (2000) di Daniele Lunghini
* [[Nick Story]] (2001) di David Puhl
* [[Perturbamento]] (2000) di Ernesto Fialdini
* [[Pipistrelli]] (2001) di Lorenzo Calza
* [[Psycho B.]] (2001) di Max Franceschini
* [[Puoi star tranquillo, tesoro]] (2000) di Stefano Bon
* [[Ritorna l'Uomo Nero]] (2000) di Anna e Franco Petter
* [[Il sapore della pena]] (2000) di Andrea Baldini
* [[Space]] (2000) di Tomas Abd El Ciampi
* [[Tizca - Gli uccelli dipinti del Caucaso]] (2000) di Luisa Pretolani, Massimiliano Valli

=== Piccole menzogne sull'amore ===

* [[L'artista]] (2000) di Susanna Nicchiarelli
* [[C'eravamo tanto amati]] (2001) di Cristina Vuolo
* [[Esile rosa tu]] (2001) di Filippo Timi
* [[L'incontro]] (2001) di Mauro Magazzino
* [[Massimo rispetto]] (2000) di Giacomo Durzi
* [[The Time Has Come]] (2001) di Tommaso Cammarano

== Lumiere ==

=== Dissesti ===
a cura di Ciro Giorgini

L'Italia come un corpo, solcato dalle ferite umane disumane naturali proprio come una vita qualsiasi. Fin dall'acqua del Polesine. Una camionetta della Rai percorre l'autostrada del Sole in costruzione. Si ferma a un'ora da Firenze, vicino ad un podere non ancora espropriato. È la prima volta che la nostra terra si fa tagliare in due per SEMPRE. Un sacerdote che racconta una luce soprannaturale vista nella notte del Vajont ed un grande fragore mai udito prima ed un muro d’acqua alto trenta quaranta chissà quanti metri. E l'acqua infinita di Firenze, prima della pietà delle mani giovani, ignare ma gravide di un sessantotto molto vicino. Ancora più vicino agli occhi dei siciliani, le cui rughe verranno mostrate da una tv che è entrata nella storia. Poi una serie di nomi piantati nella pelle del paese. Seveso. Fa già caldo ma i soldati di leva sono ancora con la divisa invernale, gli addetti alla disinfestazione non immaginano ancora di Chernobyl prossimo venturo, e hanno delle mascherine che non sono buone neanche per proteggersi dal ddt. E quella si chiama diossina. In Friuli la terra si lacera sotto i piedi di gente che non si mette paura ed è abituata ad aiutarsi da sempre. In Irpinia invece ci si mette la camorra e si scopre che con i container si può anche diventare ricchi. Vicino Roma un bambino viene inghiottito da un buco infido e la diretta tv cerca un nano per salvarlo; il bradisismo a Pozzuoli e la terra sembra come ed oltre “Viaggio in Italia”; l'acqua esplode in Val di Stava, in Valtellina tracima e scompaiono i paesi; la nube tossica dell'Acna a Cengio, quella della Farmoplant a Massa, e dopo Chernobyl l'Italia non vuole più l'energia nucleare. Poi le navi straboccanti di albanesi, l'incendio di un teatro storico a Bari e due tragedie in mare, con due nomi: la petroliera Haven a Genova e la motonave Moby Prince al largo di Livorno. Il fuoco dell'Etna brucia in diretta tv le case e il veleno di Vittorio Sgarbi, l’acqua si rovescia a Genova, una Madonna piange vicino Civitavecchia, mentre la nebbia di Piacenza unisce in autostrada auto e corpi. Le fiamme su un altro teatro, la Fenice a Venezia, e in una chiesa, il Duomo di Torino ma la Sindone è salva. La tv racconta il terremoto ad Assisi, la furia dell'acqua a Sarno. Ma i Tornado USA possono volare molto bassi, fino a tagliare i cavi delle funivie. Lo fanno a Cermis, senza tanti sensi di colpa. Un mostro di cemento, l'albergo Fuenti, crolla sotto i colpi delle ruspe sulla costiera amalfitana, l'acqua porta via i campeggi in Calabria e minaccia gli argini del Po, scrutati da migliaia di occhi. Dissesti. Ferite.

Altre immagini della sezione (per un totale di oltre 300 ore) quelle dal Grande Fratello totalmente inedite e non montate, frutto delle riprese di quattro camere fisse effettuate nella prima, trentesima, sessantesima e ultima giornata di permanenza nella “Casa”.

== Moviegarage Cinema on line/immagini dinamiche ==
Per il secondo anno Bellaria ospita una selezione internazionale di materiali prodotti per internet utilizzando nuove tecnologie. Dopo il grande clamore e la grande curiosità intorno alla rete e al web broadcast, dopo la nascita (e la morte) di molti progetti on Line, diverse rimangono le forme che le immagini hanno la possibilità di scegliere. È certo che le potenzialità siano in gran parte inespresse, o meglio, compresse dagli evidenti limiti tecnologici (disponibilità di banda, velocità di connessione...). È del tutto evidente che questi limiti strutturali saranno necessariamente superati nel breve periodo. È per questo che l'attuale assestamento, o la diminuzione di interesse verso le immagini on line, è del tutto momentaneo, in attesa di esplodere di nuovo. Il vero limite non è tecnologico, ma creativo: ciò che manca sono i contenuti. Da un lato la rete è un potenziale canale distributivo e molti siti diventano sempre più strutturati in tal senso. Da un altro lato il web è uno spazio creativo che trova nell'interattività e nell’interconnessione uno dei suo tratti caratterizzanti. Lo schermo piatto del computer viene penetrato, aprendosi su molteplici livelli intersecantesi e rende lo spettatore attivo protagonista dell'azione... È soprattutto questa la prospettiva più densa di sviluppi futuri. Le esperienze presentate rappresentano alcune ipotesi di lavoro. Alcuni sono progetti allo stato embrionale, altri sono esperienze consolidate. Altri rappresentano l'intrecciarsi di video digitale, videoclip e effetti speciali a costi ridotti. Una panoramica sulla produzione nazionale e internazionale.
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:2001]]

2001

2025-03-31T12:24:32Z

Thomas: /* Gimme movies */

2001

2025-03-31T11:52:26Z

Thomas:

1998

2025-03-19T13:32:31Z

Thomas: /* Enti promotori */

== Enti promotori e direzione ==
Associazione cinema dell’Adriatico, Comuni di Bellaria Igea Marina, Cattolica, Rimini

=== Consiglio di amministrazione ===
Mauro Conti (Presidente), Mara Garattoni, Pierpaolo Parma

=== Direttore ===
Gianfranco Miro Gori

=== Segretario ===
Antonio Tolo

=== Comitato scientifico ===
Gianfranco Angelucci, Vittorio Boarini, Vincenzo Cerami, Antonio Costa, Alberto Farassino, Giacomo Martini, Morando Morandini

=== Direttore Artistico ===
Marco Bellocchio

=== Coordinamento e relazioni esterne ===
Angela Leone

=== Segreteria e amministrazione ===
Miriam Pozzi

=== Segreteria e ospitalità ===
Alessandra Fontemaggi

=== Documentazione e cataloghi ===
Giuseppe Ricci con la collaborazione di Marco Leonetti

=== Segreteria a Cattolica ===
Simonetta Salvetti

=== Segreteria a Roma ===
Veronica Martini

=== Addetto Stampa ===
Marzia Milanesi, Barbara Sassano (assistente), Paolo Pagliarani

=== Servizi tecnici e allestimenti ===
Edoardo Zangheri, Paolo Tombeni

=== Grafica e immagine ===
Enzo Grassi - “Colpo d’Occhio”

=== Corrispondente dagli Stati Uniti ===
Giulia D’Agnolo Vallan

=== Curatori e consulenti ===
Daniela Ceselli e Francesca Pirani (retrospettiva: 1968 Ha ballato una sola estate, convegno: L'immagine in movimento e il movimento dell'immagine), Alberto Farassino (retrospettiva: L'investigatore privato), Leonardo Gandini (sezione: Scuole di cinema), Enrico Ghezzi (compleanno: Nostra signora dei turchi), Riccardo Giagni (sezione: La musica del cinema), Fabrizio Grosoli (sezione: Anteprime internazionali), Mario Sesti e Dario Buzzolan (sezione: Cinema italiano), Giovanni Spagnoletti e Sergio Toffetti (personale: Robert Bresson)

== Presentazione ==
[[File:1998 Locandina Adriatico Cinema Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Adriatico Cinema, 1998]]Il presidente dell’Associazione Cinema dell'Adriatico Mauro Conti.

La Romagna è una terra propizia per il cinema. Vi sono nati registi, sceneggiatori, attori...: Federico Fellini, per esempio, o Tonino Guerra, pochi giorni fa vincitore con Anghelopulos della Palma d’oro a Cannes. Vi si sono realizzati, vi si realizzano film. Vi si sono coltivati, vi si coltivano i “riti” della visione cinematografica: la provincia di Rimini è fra le prime in Italia al botteghino; e in essa, da tempo, si organizzano festival. Anteprima di Bellaria Igea Marina, MystFest di Cattolica e Riminicinema, solo per citare gli ultimi, si sono conquistati uno spazio e un ruolo non secondario né banale tra le manifestazioni simili in Italia e nel mondo; e oggi che non esistono più, essendo confluiti in un evento unico, Adriaticocinema, desidero ringraziare tutti coloro che vi hanno lavorato. Quanto a Adriaticocinema, neonato, mi piace precisare che non si tratta dell’addizione dei tre festival precedenti, né della somma delle tre città (Bellaria Igea Marina, Cattolia e Rimini) che lo hanno fondato. Si tratta bensì di una manifestazione unica e -pur rivendicando le proprie tradizioni- nuova.

Di Marco Bellocchio

Pensando alla conferenza stampa del 6 febbraio mi pare oggi che il programma definitivo di Adriaticocinema sia nella sostanza quello che avevamo annunciato. Un programma in cui la ricerca di nuove forme, di nuovi linguaggi è il corpo centrale del Festival e sarà il principale tema di discussione del convegno sul cinema italiano: “L'immagine in movimento e il movimento dell ‘immagine’. In questo senso abbiamo scelto i film italiani che parteciperanno al concorso, nel rigore che ci eravamo sempre prefissi. (Anche la giuria, composta da critici militanti e molto tendenziosi mi sembra in armonia col criterio di selezione: premiare la bellezza, l'originalità delle immagi- ni, secondo un’indiscutibile sensibilità e competenza). In questo senso ho invitato, fuori concorso il primo film di Massimo Fagioli e in questo senso proponiamo film “invisibili”, cioé film magari già presentati in altri concorsi o usciti anche fuggevolmente nelle sale (0 anche non fuggevolmente, ma che, come l’ultimo di Ciprì e Maresco, il pubblico delle tre città del Festival non avrebbe l'opportunità di vedere), film che sono scomparsi, a cui il Festival, senza illudersi di miracolarli, vuole offrire una nuova visione, di poter riapparire su uno schermo bianco. La perseveranza, la coerenza in arte devono essere riconosciute e premiate pro- prio perché viviamo in un'epoca in cui l’incoerenza, la dissociazione e la futilità sono la regola della vita quotidiana e producono ovviamente, poi, nella maggior parte degli artisti, immagini incoerenti, dissociate, futili... In questo senso presentiamo le retrospettive non integrali di un gruppo di autori nuovi (... Roberta Torre, Pasquale Misuraca, Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Antonio Rezza e Flavia Mastrella, Eros Puglilli, Bruno Bigomi) che, più o meno appartati, aristocratici, ma fedeli al loro stile, alle loro immagini originali implicitamente si contrappone al cinema dei padri, che più che padroni materiali del cinema italiano si comportano, sono dei “padri paralizzanti” nel senso di impedire o ritardare una vera rinascita. Senza vietare nulla, facendo semplicemente quello che hanno sempre fatto. Mi viene in mente una battuta di Cecov: “Costa: Sono necessarie nuove forme, nuove forme sono necessarie, e se queste mancano allora è meglio che niente sia necessario” (Il Gabbiano, Atto 19.11 prezzo di queste nuove forme in quel caso è il suicidio, per questo credo che, contro una tradizione di romanticismo ormai decomposto, va ricercata una terza via che, rifiutando la mediocrità, eviti l’autodistruzione. Il prezzo della ribellione del 68 è ancora il suicidio del 68. Per citare la rassegna “Ho ballato una sola estate”, curata da Daniela Ceselli e Francesca Pirani, che appunto indagando prevalentemente sui film che hanno preparato il 68 individua in essi una costante suicida. Il suicidio immanente al 68. Manon voglio ricordare tutto il programma sarebbe una fatica inutile per chi legge, il catalogo è fatto per questo e basta guardare l'indice. Non posso tuttavia non accennare a tre eventi, magari non particolarmente clamorosi, ma molto qualificanti e cioè il Festival delle scuole di cinema, il Convegno sull’appena riformato CSC diventato SNC, e la partecipazione di Adriaticocinema alla produzione di due cortometraggi di due allieve della Scuola Nazionale di Cinema e a un corto di Matteo Garrone, attività assolutamente da potenziare per un festival che vuole essere attivo, partecipante alla vita del cinema italiano. Una parola infine sulla libertà di espressione di questo Festival e cioè di poter divagare, sconfinare in altre forme dell’arte e non necessariamente complementari al cinema. La musica, il teatro, la danza, la pittura, l’architettura... Questo per- ché non è possibile che chi “sente” il cinema sia sordo alla musica o al teatro, può essere incompetente, ma la sensibilità non è a compartimenti stagni, reagisce a tutte le espressioni d’arte quando sono vere e profonde, e poi perché lo spazio del festival, distribuito su tre città, può rispondere naturalmente a una rappresentazione globale, come sei film, i concerti, le lezioni fossero le diverse immagini di un unico movimento, di un unico teatro che si sposta continuamente da un luogo all’altro, nel tempo, secondo la luce del giorno o il buio della notte.

== Concorso Adriaticocinema ==

* [[Alla scoperta dell’acqua calda]] di Michele Miegge
* [[Amleto]] di Stefano Patteri, Giovanni Rossetti, Alberto Zanetti
* [[Benvenuto a San Salvario]] di Enrico Verra
* [[Cadere nel tempo]] di Manuele Cecconello
* [[Cadute]] di Claudio Pazienza
* [[Il caso di forza maggiore]] di Matteo Garrone, Massimo Gaudioso e Fabio Nunziata
* [[La cena informale]] di Salvo Cuccia
* [[I colori della città celeste]] di Pappi Corsicato
* [[Fine pena mai]] di Benedetto Proietti, Giovanni Caccamo
* [[Funamboli]] di Mattia Battistini, Lina Battistini, Manuel Cassano, Raffaella Cassano
* [[Girotondo, giro attorno al mondo]] di Davide Manuli
* [[HQ1 - La tragica storia di Amleto, principe di Danimarca]] di Dimitri Patrizi
* [[Incerta di viaggio]] di Valentina Girodo
* [[Incontri rubati]] di Daniele Ciprì, Franco Maresco
* [[Incerta di viaggio]] di Valenti Girodo
* [[Mare largo]] di Ferdinando Vicentini Orgnani
* [[Nadia Luca & Roberto]] di Cosimo Terlizzi
* [[Pentesilea]] di Leonardo Carrano
* [[Polaroids]] di Hakim Zejjari
* [[Il racconto del leone]] di Francesca Marciano
* [[Santarielli d’Amantea]] di Pasquale Misuraca
* [[Shakespeare à Palerme]] di Francesca Comencini
* [[35 aforismi|35 aforismi su Elias Canetti]] di Francesco Paladino
* [[Victor]] di Giuseppe Mauresi, Franco Maurina
* [[Voyage pour Katie, Jean-Pierre et Jean-Luc]] di Federico Ramundo
* [[Appunti da Santarcangelo]] di Mario Martone

== Concorso La calma ==
Di Daniela Ceselli e Francesca Pirani.

Il tema della calma è una sfida alla sensibilità degli autori, proprio per il carattere peculiare di questo affetto: un comportamento pacato, tranquillo può essere scambiato per calma, ma in verità molto più frequentemente si tratta di indifferenza. Quindi abbiamo proposto agli autori dei cortometraggi di non fermarsi alla fenomenologia ed al comportamento, e di Spingersi nei territori del latente, per svelare il contenuto più profondo che si nasconde dietro ii gesti, gli sguardi, le parole. Calma quindi, intesa non come controllo delle proprie passioni, maschera ingannevole, assetto indifferente e manierato di chi non ha in verità affetti e sentimenti forti, ma invece, calma intesa come dimensione di certezza, di pienezza, di mancanza di angoscia di fronte alle cose della vita. Catturare l’essenza di questo affetto e rappresentarlo, pone senz'altro gli autori davanti al cimento di andare oltre il visibile, sollecitandoli ad affrontare una ricerca artistica per cogliere l’immagine nascosta che riveli questa misteriosa qualità umana.

=== I titoli del concorso ===

* Alice di Daniela Panfili, Elisa Vannini, Francesca Lucchetta, Lavinia Mandolini
* Ali di farfalla di Marcello Benvenuti e Paolo Matassini
* All you need is... di Luciano Monti
* L'amico Terry di Maurizio Failla
* A pruvatu mai? di Moni Giardina e Riccardo Sgalambro
* Attimi di Stefano Salvatori
* Bicho Preguira di Alberto Di Cintio e Hugo Lucini
* Buon vicinato di Giorgio Longo e Carlo Gianneschi
* Butoh di Uccio Pazienza
* La calma a cura di C. Bellesia, C. Calzolari, S. Collina, C. Martini, N. Tartarughi, G. Toschi
* La calma di Cristian Comand
* La calma di Daniele Santurro
* La calma di Elio Deponti e Luca Pelliconi
* La calma di Emanuele Miceli
* La calma di Flavio Moretti
* La calma di Luigi Cecchetti
* Calma di Raffaele Luponio (coordinatore degli allievi)
* La calma di Serena Ferrara
* La calma di Vanni Vallino
* La calma... e il suo segreto di Giorgio Fipaldini
* La calma: psicogenesi di Stefano Giottoli e Marco Riva
* La candela di Lauro Crociani
* Calma non calma di Romano Guelfi
* Calma plastica di Giulio De Andreis e Antongiulio Panizzi
* Calmati! a cura del gruppo “Jarmush” (Jessica Ansalone)
* Calmo... universi di movimenti di Alfonso Cioce
* Campestre di Claudio Di Giorgio
* Caterina di Enzo Ferrara e Daniela Panfili
* Celebrazione di Monica Petracci
* Cogito ergo bum di Paolo Rossetti
* Con calma io da sola di Luciano Galluzzi
* Con calma. Luogo comune di Simona Zara
* Con sigara...e senza di Paolo Taddei
* Confine di Mario Catto
* Confini di Giuseppe Bazzocchi
* Da lontano di Vito Amodio
* Da un anno poco più di Gianluca Stuard
* Dal bel seren de le tranquille ciglia... di Alfredo Mastrogiovanni
* Deconstructing coffee di Manuel Frara
* 2 di Daniele Carrer
* :- (| (due punti, segno meno, aperta parentesi) di Adriano Mestichella e Nicola Poddighe
* I due re di Alberto Comandini
* Ecco, adesso di Simone Massi
* Echolalia di Massimiliano Nuzzolo
* Entro mezzogiorno di Domenica e Maria Di Mario
* Finale di partita di Ja'nnis Kakara's
* Il finalista di Bruno Memoli
* Finalmente calmo di Marcello Gori
* Fiore di guerra di Sandro Vasini
* Fuoco di fila di Antonio Mora
* In aprile di Simone Massi
* In assenza di vento di Stefano Guccini
* In giro di Alessandro Ingargiola
* Invernale di Maria Rosa e Marino Rore
* Io sto bene e spero anche di voi di Philippe Chabert
* Keep on! Keepin' on! di Simone Massi
* Laura di Primo Giroldini
* La lettera di Alessandro Ingargiola
* Le mani di Penelope di Giuseppe Guastella
* Una mattina di Daniele Ravaglia
* Il mondo subacqueo di Davide Zagnoli
* My heart nil go on a cura di S. Tugnoli, L. Amitrano, E. Mezzetti, S. Landi, F. Tavernari, M. Maldotti
* Niente di Simone Massi
* Una noia dolente da speranze crudeli di Alessandro Zanchini
* Non perdere la calma... scappa a cura del gruppo “Mainposa” (Gianni Gozzoli)
* Norma di Giacomo D'Agostino
* Nuala di Ezio Romano
* Pansa di Nicola Scorza e Michele De Virgilio
* I performanti di Rinaldo Rivarola
* Il placidista di Andrea Pavone
* Portatori di calma di Andrea Taqui Fanelli
* Primo paragrafo di Francesco Asaro
* Psicopatic di Fulvio Pisani e Federico Bona
* La quiete di Cravo di Alessio Fattori
* Quipu di Rosario Compare
* Ramificazioni di Silvia Di Domenico
* Il rumore della mano destra di Andrea Bolioli
* Rumori di fondo di Gianbattista Pini
* Se mi vuoi chiamami questa sera di Rocco Ministeri
* Segnali dalla galassia di Marco Pitrone
* 1600 giorni di Anna di Enrico Venditti
* Senza titolo di Roberto Baratti
* Sfida a S. Polo di Giancarlo Dini
* Soli di Domenico Mirdaca
* Solitudo di Luciano Monti
* Soste di Fabio Fiandrini
* Stimoli di Sabrina Santi
* Stress di Maurizio Maliore
* Il tempo vola di Silvana Martina
* Terza ora educazione artistica di Andrea Lato
* Il titolo è alla fine di Fulvio Calderoni, Bruno
* Pisano e Alessandro Talamo
* Tra i due litiganti (la calma è la virtù dei forti) di Gianluigi G. Giorgiola
* Tunnel di Adelio Gregori e Romano Usa
* L'ultimo della serie di Gianmarco Mastore e Armando Meroni
* L'uomo nero di Danilo Ramirez
* Underground di Daniele Marcovecchio
* Water power di Alessandra Bergero
* Waterline di Guglielmo Finazzer
* Yes & not di Werther Germondari e Michele Sanzò

== Concorso Immagina la musica ==
Di Gino Castaldo

Chiedere ai lettori di mettersi a realizzare un proprio videoclip ideale, adattandolo a qualsiasi musica desiderassero, c'era sembrata una sfida divertente, ma piuttosto difficile. In fondo si trattava di pensare, di avere un'idea, di avere a disposizione mezzi tecnici non proprio irraggiungibili, ma comunque non automatici. Ci dicemmo: se ne arrivano trenta 0 quaranta è già un successo. Bene, ne sono arrivati più di duecentocinquanta e abbiamo visto crescere il mucchio di videocassette in redazione con crescente stupore. Ci siamo accorti che il richiamo funzionava molto oltre le nostre riduttive aspettative. E’ perfino banale dirlo, ma tanti anni di stralunati e fantasiosi abbinamenti tra musica e immagine, hanno diffuso capillarmente il germe di un linguaggio nuovo. Non musica applicata, o effetti visivi applicati all'immagine, ma di fatto un nuovo piano linguistico la cui unità potrebbe essere una immaginaria sillaba allo stesso tempo sonora e visiva. Vedremo in futuro dove porterà tutto questo. Per ora abbiamo una folta rappresentanza di una passione fai-da-te che cresce e serpeggia ai margini della grande industria. Da raccogliere e valutare...

== Concorso Scuole di Cinema ==

* [[I frutti puri impazziscono]] di Marco Bertozzi
* [[Eat Your Greens - Mangia la tua verdura]] di Mark Forstmann
* [[The Two-Wheeled Time Machine]] di David Lowe
* [[Denial]] di Phillip Crawford
* [[La cella]] di Philippe Barcinski
* [[Manden fra dybet - L'uomo dalle profondità]] di Martin Hagbjer
* [[Nageurs - Nuotatori]] di Alain-Paul Mallard
* [[Ku'damm-Security - Uomo in servizio]] di Ed Herzog
* [[Herbsten - Vendemmia]] di Michael Schorr
* [[Abschied]] di Marina Caba Rall
* [[Doom and Gloom]] di John McKay
* [[Jester]] di Nick Herbert
* [[Locked]] di Filipe Alcada
* [[Toxic Twins - The Beginner]] di Edo Tagliavini
* [[Starring Peter Martell]] di Fabrizio Favro
* [[Cococobana]] di Javier Solar, Andrés Leòn
* [[Dzive nr. 2]] di Kristine Zelve
* [[Komiwojazer]] di Markus Stein
* [[Sposob na Moravie]] di Marek Gajczak
* [[Close-Up]] di Evgenij Zvezdakov
* [[Et ils eurent beaucoup d’enfants]] di Nicolas Frey
* [[Prime Time - In prima serata]] di Dave Monahan
* [[1967]] di Marylou Tibaldo-Bongiorno

== Anteprima ==

* [[Bajo Bandera (Oltre la giustizia)]] di Juan José Jusid
* [[Moebius]] di "gli studenti della Universidad de Cine coordinati dal professor Gustavo Mosquera R., con la collaborazione di Natalia Urruty e Emiliano Torres"
* [[Oscar & Lucinda]] di Gillian Armstrong
* [[Jerry e Tom]] di Saul Rubinek
* [[Primo piano sull'assassino]] di John Raffo
* [[Historias de futbol]] di Andres Wood M.
* [[Préference]] di Grégoire Delacourt
* [[Kagi]] di Toshiharu Ikeda
* [[Postman Blues]] di Sabu
* [[Hold You Tight / Yue kuai le, yue duo luo]] di Stanley Kwan
* [[Leila]] di Dariush Mehrjui
* [[Il Cielo|Il Cielo della Luna]] di Massimo Fagioli
* [[Wolves Cry Under the Moon / Guao dao feng bi]] di Ho Ping
* [[The real Blonde]] di Tom DiCillo
* [[Do Me a Favor]] di Sondra Locke
* [[Orgazmo]] di Trey Parker

== Prime visioni ==

* [[Cinque giorni di tempesta]] di Francesco Calogero
* [[Cosa c'entra con l’amore]] di Marco Speroni
* [[Deserto rosso]] di Michelangelo Antonioni
* [[Giochi d’equilibrio]] di Amedeo Fago
* [[Giro di lune tra terra e mare]] di Giuseppe M. Gaudino
* [[Messaggi quasi segreti]] di Valerio Jalongo
* [[Polvere di Napoli]] di Antonio Capuano
* [[Totò che visse due volte]] di Daniele Ciprì, Franco Maresco

== Alfabeto italiano ==
Da un'idea di Beppe Attene e Beppe Sangiorgi, realizzato con materiale d’archivio della cineteca Rai in collaborazione con la Làntia Cinema & Audiovisivi

Di Marco Bellocchio

Inaugurare il Festival con Alfabeto Italiano ha il significato di proporre dei film prima di tutto di autori italiani molto personali, che operano uno “sfondamento” dei confini, dei canoni abbastanza rigidi dei film a soggetto (la storia secondo la drammaturgia sofoclea) da una parte, e del documentario dall’altra, senza ricorrere alla forma ormai comune del “docu-fiction”, ma inventando, architettando, facendo cinema d’autore essenzialmente al montaggio (quando per noi registi il “momento della verità” sono le riprese, il corpo a corpo con gli attori. Mi vengono in mente i collage dei surrealisti e i fotomontaggi politici di John Heartfield...), manipolando materiali impersonali, senza uno stile riconoscibile, emozionanti in sé per il fatto che documentano dei fatti “obiettivamente emozionanti”; immagini, ma anche suoni, musiche, mescolando tutto e pestando, come nel crogiolo di una strega, perché avvenga una trasformazione (o addirittura una trasfigurazione!). Nasca una forma, uno stile. Questa è la sfida. L'autore dovrebbe diventare uno storico e un artista. Storico in quanto interprete e non soltanto cronista dei fatti, artista in quanto creatore di forme nuove, utilizzando immagini di altri, che hanno girato magari con grande partecipazione personale, ma coll’obbligo professionale di limitarsi a documentare un fatto, catturarlo il più visibilmente possibile (la maggiore difficoltà è che qualche volta si riescono a scoprire materiali straordinari, ma montati secondo dei criteri di totale insensibilità non dico alla bellezza ma a un elementare, tradizionale ordine estetico. Le immagini al puro servizio della voce parlante. Di qui la nostra necessità di ricorrere frequentemente al rallentato, per cercare di allungare il più possibile le emozioni...). Tanti frammenti di tanti sguardi diversi, che si compongono, 2 cui un solo sguardo dà la sua forma. L’aver voluto questa inaugurazione (e aver lottato per averla) ha anche il significato di una mia personale definitiva riconciliazione con il montaggio. E’ davvero finito il tempo della paura di attaccare insieme i vari pezzi, il tempo della paura della dissociazione.

* [[Bambini, ragazzi, strapazzi]] di Maurizio Nichetti
* [[Case cose città]] di Silvio Soldini, Giorgio Garini
* [[Lavorare stanca]] di Wilma Labate
* [[Le parole del cuore]] di Giuseppe Piccioni
* [[Un popolo di poeti]] di Giuseppe Bertolucci
* [[La rovina della patria]] di Marco Tullio Giordana
* [[Sesso, video e realtà]] di Simona Izzo, con la collaborazione di Francesco Venditti

== Ha ballato una sola estate... ==
Di Daniela Ceselli, Francesca Pirani

Abbiamo cercato un'immagine e non un'idea per il titolo di questa rassegna sul ‘68, per non legare la ricerca sulla cinematografia di quegli anni ad un giudizio . Ha ballato una sola estate... è un'immagine che ovviamente nasconde un pensiero, mala cui vaghezza stimola a ricavare un'idea più ricca di umori, di domande, di poesia. Il film di Mattson, completamente dimenticato, propone un'immagine di ragazzetta, legandola al desiderio, alla bellezza, alla giovinezza, ma anche all’impossibilità della sopravvivenza di queste dimensioni umane. Sogno effimero di una notte d'estate... non resisterà alla fine di questa stagione, perchè la norma, la vita reale, quotidiana, sono fatte di un’altra materia. Allora la ragazzetta, come Ifigenia, muore, deve morire, sacrificata al pensiero religioso, per cui è necessario compiere questo rituale, per mantenere saldo il rapporto certo con la realtà. I registi di quegli anni colgono il potere eversivo di questa immagine e la ripropongono in maniera emblematica. Ovviamente già esistevano Giovanna di Dreyer, Lu/ì di Pabst e poi Carmen, Manon, Traviata e un elemento nuovo che vi si lega è senz'altro la ricerca di un superamento della forma narrativa, ovvero la ricerca di una maggiore libertà del linguaggio filmico, per andare verso una destrutturazione della storia e del tempo del racconto. Il tentativo è quello di infrangere la barriera che separa il sonno dalla veglia, il sogno dalla realtà, il pensiero conscio dal pensiero inconscio: sembra maturato il momento, per cui ciò che prima era improponibile, ora è diventato possibile... Dall’euforia di questa sensazione però, non si formano immagini nuove, ma si affacciano sullo schermo sinistre immagini di fallimento: nel prologo di Andrej Rublev (1966) un uomo si solleva dal suolo con un pallone gridando: “volo, volo!”, per schiantarsi a terra poco dopo. Materializzare il sogno, dare corpo all’utopia, fare della rivolta alla norma una prassi quotidiana, questo ciò che viene detto nelle università, scandito nelle piazze, scritto sui muri. Ma allora, perchè ciò che viene rappresentato racconta di una catastrofe senza scampo?... Il tema del suicidio è presente in un’innumerevole schiera di film: da Bresson a Resnais, da Cassavetes a Skolimowski, Godard, Truffaut, Ousmane... Altrimenti la morte giunge dall'esterno, una morte subita, tentata, inseguita: Easy Rider, Zabriskie Point, L'incidente, Rain People, Treni Strettamente sorvegliati... Il sogno si deteriora, si fa irreale, falso, sino a decomporsi e diventare malattia, follia: la maschera aderisce al volto di Morgan che non riesce più a ripercorrere la strada verso se stesso, restando impigliato nella sua fantasticheria. “Il ‘68 mori con il ‘68; la rivoluzione culturale non aveva fatto un bambino. I giovani non erano riusciti a sognare. Addormentati nello stato di veglia scambiarono la realtà per un sogno e, non riuscendo a dormire davvero per aver abbandonato la realtà, scambiarono i sogni con la realtà. Dormienti, ebbero paura della realtà esistente e l’aggredirono senza rifiutarla veramente, insonni, ebbero paura dei sogni e li negarono senza comprenderli”. (M. Fagioli, Le notti dell'isteria). E in questo senso la Storia Immortale di Welles diventa una grande metafora : se non si cerca di far vivere i sogni è la morte, ma se si realizzano è la follia... Il giovane William, ingenuo e “cieco” protagonista de L'Incidente, muore per non saper vedere e rifiutare la complicità fra l’indifferenza di Anna e la fatuità omicida del suo professore. Ne La femme douce, la protagonista scivola nella depressione e si suicida per essersi sottomessa alla freddezza asessuata della ragione. In Vita di Famiglia Bella va incontro al dissolvimento dei confini dell’io, mentre il fratello Witt abbandona qualsiasi ricerca sulla propria identità, per rassegnarsi all’ineluttabile destino dell’identificazione con il padre. Quello che colpisce in tutte queste storie è in fondo la mancanza di idee nuove, originali, e la sostanziale continuità con il passato, con i luoghi comuni di una cultura millenaria. La follia vista come ritorno allo stato animale (Morgan...) o come terribile affermazione di individualità nel processo rivoluzionario (Marat- Sade); l'impossibilità di una regressione, foriera di un angoscioso sgretolamento (Je t'aime, je t'aime); il rischio mortale che comporta l'emergenza del desiderio (Elvira Madigan); la sconfitta di coloro che tentano una separazione da dimensioni vecchie, distruttive, false (Abschied von Gestern, If.., Faces). E se dei pensieri così vecchi alimentano il cinema di quegli anni, viene immediato pensare che non potevano nascere immagini nuove, Originali, e che tutt'al più si poteva giungere alla rappresentazione del già esistente, senza arrivare alla creazione di un linguaggio che esprimesse veramente una rottura epistemologica. l registi più geniali raccontano dell'emergenza storica di una possibilità umana, qualcosa di latente, di inespresso che sta affiorando: la fine della supremazia della ragione, del rapporto positivistico della realtà, il volgersi alla fantasia umana come immenso patrimonio a cui attingere, diverso orizzonte evolutivo. Ma l’immagine nuova non si forma, resta allo stato di impulso, di vaga intuizione subito negata: lascia il suo posto a una creatura sciancata, un mendicante figlio di un dio minore che, non avendo raggiunto la fantasia, vaga dubbioso nella terra di nessuno della fantasticheria, dell’allucinazione, del delirio. Pesava sui registi di quegli anni e su tutta una generazione l'alleanza con un pensiero, con una cultura che sembrò rivoluzionaria, originale, ma che in verità impedì loro una nascita: le idee gonfie di nulla si posarono leggere sulla loro giovinezza e gli chiusero le vie del respiro. Il movimento studentesco a Berkeley, i fermenti di rivolta in Cina e in Giappone, il Maggio francese, l’Ottobre polacco, la Primavera praghese... c'è nel corso degli anni sessanta (pur con le debite differenze, connesse alla realtà politica di ciascun paese), una volontà di rottura radicale con il mondo dato, una speranza di trasformazione, affidata alla fantasia, all’immaginazione, allo slancio individuale e collettivo che 'accompagna al rifiuto dell’esercizio di potere del maestro sull’allievo, al sovvertimento delle istituzioni, dei rapporti gerarchici, dei vincoli burocratici ed economici, sfida all’impossibilità di essere, agire, comunicare, confidando in un'intuizione, in un'energia, piuttosto che in un modello, desiderio di inventare una prassi muova, legata all’intersoggettività, alla fisicità, alla spontaneità espressiva... Sia che si interpreti il ‘68 come irruzione della giovinezza sulla scena politico-sociale, “festa nel quotidiano” o rappresentazione indiretta dell'“assassinio dei padri”, sia che lo si interpreti come conflitto di classi di tipo nuovo o rivolta contro il dominio e l'integrazione, o ancora, crisi dell’Università o crisi di civiltà, non avente di mira un regime, o solo il regime, ma la “società dei consumi” in generale; il ‘68, e gli anni che lo preparano, con la sua impronta di non direttività, il suo portato di energia, di disinibita esuberanza, la sua ricerca espressiva, l'emergere di una libertà nuova che lascia intravedere possibilità nuove, si esaurisce ben presto... è l’amore di una sola notte. L'azione rivoluzionaria non è fabbricazione di un avvenire, non coincide con l’elaborazione di una nuova teoria, di una nuova metodologia di confronto con il reale, ma consiste unicamente nello “scompaginare i piani”, “abbattere le paratie”, “rende- re mobili le cose” (C.Lefort, La Briché). Si è sottolineato che dopo il ‘68 il mondo non è più lo stesso, che le istituzioni mutano completamente (scuola, fabbriche, ospedalì), ma al minimo e doveroso cambiamento, spesso di facciata, impresso alle istituzioni, non corrisponde un massimo di cambia- mento dell’uomo; il movimento hainsé il proprio fine e la propria fine, il suo senso si esaurisce in ciò che esso è: l'apertura di una breccia che immediatamente si richiude... paura, vincoli culturali, difetto di comprensione. E non a caso il tema del suicidio, che abbiamo voluto sottolineare in questa piccola rassegna, è l'immagine emblematica e sottesa di un malinconico ripiegamento su posizioni di sconfitta: materializza e suggella l’insopportabile disperazione dell’utopista, del sognatore, dell’uomo che tenta un rifiuto aperto nei confronti del mondo dato, e, non riuscendo a modificare il reale, schiacciato da una depressione Insostenibile, elimina fisicamente se stesso, “E loris dello spirito rivoluzionario” (che Calvino già individuava negli anni ‘50). Rivoluzionario è chi non accetta il dato naturale e storico e vuole cambiarlo, e questo indubbiamente c'era come aspirazione, ma viene meno come modalità. Proprio nel corso del fatidico anno lo slancio iniziale si placa, il sorriso si irrigidisce in una smorfia, l'interesse si assopisce, la ribellione diventa gesto di maniera, viene meno la fiducia nell’indirizzare il corso delle cose. Forse era troppo difficile e doloroso sostenere l’incertezza della destrutturazione della società in quanto tale, il sovvertimento delle re- gole, il superamento della norma sancita dalla storia: non restava più un “qualcosa” da scoprire, un assetto paralizzante da superare, una visione del mondo da criticare; occorreva un “oltre” da inventare e per inventare un oltre ci voleva molto coraggio, troppo... Studenti rivoluzionari, su una lavagna nomi di drammaturghi, scrittori filosofi vengono cancellati ad uno ad uno, Sartre per primo... polvere di gesso... sul fondo nero non resta scritto che il nome di Brecht. Così nella Chinoise di Godard, film del ‘67, non inserito in questa rassegna, come altri film emblematici di quegli anni, più visibili, quali 2007: Odissea nello spazio, Jules et Jim, Blow-up, Easy Rider, 1 pugni in tasca... All'estremità opposta del globo, Oshima, in Diario di un ladro di. Sbinjuka (*68), rappresenta il percorso iniziatico di due ragazzi, coincidente con la scoperta della sessualità, e fa dire a Torio: “..Noi non siamo mendicanti, in realtà siamo ladri. Tanabe non l'aveva capito. Per questo non si è unito ai nostri giochi di ladri. Umeko voleva rubare la virilità a Tanabe, e contemporaneamente 10 volevo rubare il sesso a Umeko. Ma il piano non è andato a segno. Lui non ha voluto unirsi a noi. Ha tentato di dirci tante cos, ma in realtà non ci ha insegnato un bel nulla... Tutta la cultura ufficiale, impersonata da Tanabe e dai suoi amici, non è servita niente: essi non fanno altro che tentare di svuotare di significato, ora paternalisticamente, ora violentemente, l’anarchica ribellione dei due giovani protagonisti. Immagini emblematiche, rifiuto dei maitres a penser... dove non piombano i carri armati con la loro violenza bruta, spesso sono l’astuzia dell'ideologia, il principio dell’organizzazione politica, la ragione astratta, il linguaggio coltivato in vitro, la delegittimazione filosofica dell’io, invisibili paletti fissati contro la presunta “minaccia” dei giovani in movimento, a tagliare le ali, a isterilire l'immaginazione, a rendere anemica la ribellione... Da R. Aron, La Revolution introuvable: “La intelligentsia degli anni sessanta aveva come dio non più il Sartre del dopoguerra, bensì un misto di Lévi-Strauss, Foucalt, Althusser e Lacan” (gli epigoni dei tedeschi Nietzsche, Heidegger, Freud, Marx). I nuovi intellettuali da una parte sembrano eliminare ogni tentazione metafisica, suffragare la creazione di una nuova estetica, indagare i significati e le forme del linguaggio, fondare un nuovo concetto di uomo e di umanità, ma dall’altra si avvalgono delle aspirazioni altrui, per produrre contro la volontà dei protagonisti, una risultante fondamentale: la paralisi della fantasia e del desiderio di conoscenza, la messa in crisi del rapporto con la realtà, la polverizzazione dell'io, recettivo, sofferente e agente... Riescono a rendere convincente la formula per cui “non esistono fatti, esistono solo interpretazioni” (Lacan): e certo sarebbe stato bello ottenere solo splendide rappresentazioni e valide interpretazioni, il ‘68 aveva fame di immagini, di suoni, di segni nuovi, male interpretazioni del reale spesso generano solo confusione e rassegnazione, e le rappresentazioni, incluse quelle impresse sulla celluloide, sono frequentemente mortuarie, immagini di sconfitta individuale, di omicidio, di suicidio, di follia... Quasi che alla liquidazione delle norme, o meglio alla critica e al dubbio assunti come norma, anzichè legarsi un anelito alla ricerca, si leghi la polverizzazione del soggetto, capace di dare un senso al proprio agire, fino ad una sorta di neonichilismo che affossa cupamente la tensione al nuovo. La libertà di pensiero, sessuale, espressiva, l'emancipazione dell’individuo, l'intuizione di un mondo irrazionale e inconscio, non necessariamente distruttivo, sono tensioni reali e forti negli anni Sessanta, ma presto si tramutano in una specie di opacità dell'io di fronte a se stesso, di impossibilità costituzionale a imprimere movimento alla storia, alla vita, all’arte. E allora risulta meno incomprensibile il futuro dei “sessantottardi”, che, secondo Aron, usciranno da questa situazione di disgregazione, non già aderendo a un “ordine sostitutivo” o un'ipotesi di ricerca alternativa, bensì con l'indifferenza, la violenza agita, il cinismo o ancora, la diserzione dal politico, l’individualismo edonistico, la fine dei dibattiti pubblici, un approccio cool e razionale alla vita, una coscienza toccata da tutto e da nulla, eccitata e indifferente...

* [[Ha ballato una sola estate]] di Arne Mattsson
* [[SInco v sieti]] di Stefan Uher
* [[Nicht versòhnt oder Es hit nur Getwalt, wo Gewalt herrscht]] di Jean-Marie Straub e Danièle Huillet
* [[Walkover]] di Jerzy Skolimowski
* [[Morgan matto da legare]] di Karel Reisz
* [[La Noire de...]] di Sembène Ousmane
* [[La ragazza senza storia]] di Alexander Kluge
* [[Elvira Madigan]] di Bo Widerberg
* [[Marat-Sade]] di Peter Brook
* [[Je t'aime, je taime]] di Alain Resnais
* [[Lucia]] di Humberto Solàs
* [[Storia immortale]] di Orson Welles
* [[Une femme douce]] di Robert Bresson
* [[If...]] di Lindsay Anderson
* [[Zycie rodzinne]] di Krzysztof Zanussi

== Peeping Tom ==

=== Tom Ponzi, un detective pieno di cinema ===
Nel corso del 1997, anno dell’ultimo Mystfest, sono morti Hal Lipset, il celebre detective privato autore di “La microspia nel e Tom Ponzi, che negli anni 60 aveva importato per primo in Italia le sue Martini”, tecniche di investigazione ad alto quoziente tecnologico ma che già nel 1948, esattamente cinquant'anni fa, aveva fondato la sua prima agenzia di investigazioni. Con essi sembra simbolicamente finire l’era dei vecchi e romanzeschi “occhi privati”, resi anacronistici dal mutamento dei costumi, dalle leggi sulla privacy e dalle nuove possibilità di osservazione planetaria (il satellite Earlbyrd è stato definito “il primo detective privato spaziale”). E mentre non termina ed anzi aumenta la sensazione di vivere in un mondo in cui ogni gesto e ogni parola possono essere spiati, registrati, fotografati, si impone - nel vertice di Cattolica della nuova triplice Adriatica, che intende conservare qualche traccia degli anni e dei temi del vecchio MystFest - una riflessione sulla figura del detective classico e sulle sue ultime metamorfosi. Così il tradizionale concorso promosso in collaborazione con Il Giallo Mondadori per il premio “Gran Giallo Città di Cattolica”, giunto alla XXV edizione, era riservato quest'anno a racconti inediti ispirati al tema “L'occhio privato e lo sguardo proibito: il detective e la privacy”. Mentre una sezione del programma cinematografico è costituita appunto da un ritratto “a tutto tondo” (film, documentari e un fascicolo monografico) del debordante, discutibile, triste solitario e appassionante Tom Ponzi, colui che ha rappresentato quasi per antonomasia la figura dell’investigatore privato in Italia. Ma se la vita stessa di Ponzi è stata un romanzo, dalla milizia paracadutistica nella RSI ai gesti eroici di stampo neorealista, da un’opulenza da grande industriale della detection alle fughe rocambolesche all’esilio, e se la sua carriera professionale sembra un'antologia dei più celebri casi e misteri delle cronache italiane, la sua rappresentatività lo fa diventare oggi anche uno specchio di cinquant'anni di storia d’Italia, dalla rovina del fascismo alle scazzottate del dopoguerra, dall’identifica- zione fra detective e paparazzo degli anni del boom al coinvolgimento nei primi gialli politico-economici nazionali. Ma soprattutto Tom Ponzi, e per questo un festival di cinema può occuparsene a pieno diritto, è stato un personaggio naturalmente cinematografico. Lui che dichiarava di annoiarsi con i film gialli perchè scopriva subito il colpevole, ha costruito la sua vita e immagine come quella di uno dei grandi “private eye” della fiction poliziesca. E non basta: è stato collezionista di film, che proiettava per amici e familiari nella sua saletta privata, disinvolto interprete di un film per la tv nonchè di vari programmi e documentari televisivi, da quello diretto da Riccardo Fellini nel 1968 a Servizi segreti di Chiambretti e Sanguineti nel 1993. E le sue stesse tecniche professionali che utilizzavano ampiamente cineprese, microcamere, teleobbiettivi e ogni genere di apparato ottico € sonoro sembrano influenzate da una concezione cinematografica della realtà, vista sempre come un Gran Giallo di cui produrre contemporaneamente la documentazione e la fiction.

=== Obbiettivi puntati ===

* Terrazzano, 10 ottobre di Mariso Ravagnoli
* Certainly It's a grubby Business di David C. Rea
* è arrivato l'investigatore di Riccardo Fellini
* Scuola per allievi detective di Mercurius Investigations
* I giovedì della signora Giulia di Massimo Scaglione
* Servizi segreti
* Il detective in cartoon di Tom Ponzi Investigations

=== La cineteca del detective ===
Dalla collezione di Tom Ponzi, comprendente un centinaio di film in maggioranza di guerra e d'avventura, sono stati selezionati quelli di genere giallo o noir più rari o singolari. Essi vengono presentati nelle copie 16 mm. (in qualche caso prive di titoli e sempre in versione doppiata) appartenute all'investigatore, senza dunque alcuna pretesa storico-critica ma solo come esempi del gusto di una persona e di un'epoca e occasioni di piccole riscoperte cinefile contemporanee.

* Roba da matti di Lloyd Bacon
* Chicago bolgia infernale di William Castle
* Lo sconosciuto del terzo piano di Boris Ingster
* L'angelo del ring di Alin Ganzer
* Fra mezzanotte e l’alba di Gordon Douglas
* Passaporto falso di Pierre Montazel
* Il bivio di Fernando Cerchio
* L’investigatore di Gordon Douglas

== Convegni ==

=== L'immagine in movimento e il movimento dell’immagine ===
Il giorno Sabato 6 giugno, presso il teatro “La Regina” di Cattolica, sì tiene un convegno dal titolo “L'immagine in movimento è il movimento dell'immagine”. Il convegno, della durata di una giornata, prevede la presenza di sei relatori (fra parentesi e in estrema sintesi il nucleo delle relazioni dei convegnisti): Adriano Aprà, critico cinematografico, direttore del Festival di Pesaro (Ciò che è vivo e ciò che è morto nel cinema odierno: la linea sperimentale, la linea del realismo inquieto, la linea “perbenista”); Vincenzo Cerami, scrittore e sceneggiatore (Il movimento dello sguardo e la parola che racconta lo sguardo); Massimo Fagioli, psichiatra, sceneggiatore, alla sua prima regia con il film 1/ Cielo della lima in programma fra le Anteprime del festival (Immagine e rappresentazione. Dire cose mediante luci, colori, forme, figure, linee. Invenzione di immagini nuove anche se di aspetto comune); Enrico Ghezzi, critico cinematografico, direttore del Festival di Taormina; Guido Fink, critico cinematografico, professore di Storia del Cinema all’Università di Firenze (Legibilità e traduaibilità dell'immagine, da parte di chi non fa del cinema ma lo guarda, spettatore o critico che sia, e cerca di “ripensarla” ricavandone o meno un senso a posteriori, cosa che da un lato sembra facile dato che viviamo in un'epoca di inflazione dell'immagine, ma che dall'altra può ingenerare, e di fatto ingenera, pericolosi automatismi, o confusioni, o vere e proprie incomprensioni); Giorgio Tinazzi, critico cinematografico, professore di Storia del Cinema all’Università di Padova (Dopo anni riemerge la necessità di riaffrontare un dibattito sugli aspetti formali del cinema. Opportunità di trovare padri putativi per questa rifondazione formale. Fascino e ambivalenza dell'immagine). Alle relazioni si aggiungeranno alcuni interventi dalla platea Un convegno è un'idea ovvia, quasi di sapore “istituzionale”, può essere luogo di fraintendimenti, divagazioni e ripetizioni, immediatamente associabile a uno stato d'animo di noia e stanchezza. E tuttavia il direttore del Festival Adriaticocinema, Marco Bellocchio, lo ha profondamente sostenuto, non solo perché da molti anni non ci si dedica a un dibattito specifico sugli aspetti formali del cinema, ma anche perché vorrebbe farne una preziosa occasione di ricerca edi confronto, che sorvoli sugli aspetti economici e politici dell'industria cinematografica, già ampiamente dibattuti e sviscerati, ed affronti l’essenza dell’arte in generale, dell’arte cinematografica in particolare...

Si parte dalla constatazione di un'estrema povertà delle immagini del cinema contemporaneo, in particolare italiano, intendendo per povertà la registrazione meccanica dei fatti, l'eccesso di realismo, deprivato della sua autenticità e storicità, la ripetitiva riproduzione di ciò che già esiste nella vita quotidiana o è già stato creato, la scelta di un linguaggio che esaurisce il suo senso nella mera comunicazione narrativa, il tacito rifiuto di una ricerca originale, di una tensione personale, tratto unico e distintivo del filmmaker, per paura di non incontrare il pubblico, per un difetto di invenzione o forse per un’implicita rassegnazione al prodotto medio... Con questo convegno vorremmo proporre una riflessione sulle cause che hanno portato il nostro cinema ad un progressivo inaridimento espressivo, ma anche sollecitare una dimensione propositiva, un cinema che esplori territori più profondi della fantasia e dell'inconscio, che indaghi le possibilità di una bellezza “invisibile”, che si interroghi sul ritmo e il movimento interiore delle immagini in movimento. Guardando alla storia del mezzo, alle poetiche di alcuni registi, a certe aspirazioni programmatiche del passato, forse è proprio entro la sfera dell'invisibile che la settimaarte trova la sua vera natura e vocazione e forse mancando di animarla, rinunciando a far vibrare corde sottili e misteriose, Spende il suo inganno più cinico. Da sempre il cinema ha il suo limite nell'impressione di realtà che offre, nell’oggetto dato, nel corpo dell’attore che mostra, come se gli altri linguaggi fossero più liberi e aperti alla trasfigurazione e alla rivelazione del latente, ma è poi vero questo suo limite ultimo? Se il cinema è a suo modo “la verità 24 volte al secondo”, che tipo di verità comunica e quale tipo di menzogna mette continuamente in scena? Nei vari campi dell’arte, ad esempio nella musica o in pittura, rientra nel percorso di un artista fare evolvere la propria disciplina, perché allora si va spegnendo l’evoluzione della disciplina cinematografica o si confina allo sviluppo delle tecnologie. Per ora non ci sono risposte da dare, l'importante in un dibattito “sul” cinema, come del resto “al” cinema, non è sedare le emozioni, ma provocarne...

=== La nuova scuola di cinema ===
Di Marco Bellocchio

L'attenzione dedicata negli scorsi anni dai festival della riviera alle scuole di cinema da una parte, e al giovane cinema italiano dall’altra, trova quest'anno, nella prima edizione di Adriaticocinema, un importante punto di convergenza. L'occasione è offerta dalla recente nascita della Scuola Nazionale di Cinema, sorta sulle ceneri del glorioso Centro Sperimentale di Cinematografia. Abbiamo pensato ad un incontro in cui sia possibile discutere essenzialmente su due argomenti. Da una parte riflettere sul passato e sul futuro della più importante scuola italiana di cinema: il Centro Sperimentale che negli ultimi tempi, a giudicare almeno dal giudizio degli studenti e dalla scarsa visibilità dei film prodotti, ha vissuto un momento di crisi, di appannamento. Quali sono i problemi che hanno determinato questa fase di stallo, e fino a che punto le caratteristiche istituzionali della nuova Scuola Nazionale possono aiutarlo a riguadagnare un ruolo cruciale per la formazione cinematografica delle nuove generazioni? Dall'altra l’incontro offrirà l'opportunità di discutere sul significato e sulla funzionalità, oggi, di una scuola di cinema. Che cosa vuol dire, insegnare a fare cinema, apprendere il mestiere del cinema, in un'epoca in cui chi per professione pensa e realizza immagini in movimento deve adeguarsi ad un mercato in cui sono richieste competenze ampie e diversificate, legate ad ambiti produttivi di vario tipo (cinema, tv, pubblicità, ecc.)? E ancora, in che misura questo apprendimento può e deve seguire i percorsi formativi classici, propri delle accademie e delle scuole d’arte e di cinema? Tutto questo senza avere la pretesa di dare risposte definitive a questioni che sono, per lo più, complesse e controverse. Nel tentativo, piuttosto, di iniziare a dibattere temi che non potranno non riguardare, negli anni a venire, tutto il cinema.

=== Film ===

* [[Discorso autonomo]] di Elisa Bolognini
* [[Mio padre aveva una Dyane rossa]] di Sara Pozzoli

=== Il festival coproduttore ===
Che Adriaticocinema partecipi produttivamente a due film di allieve della Scuola Nazionale di Cinema è una novità che dovrebbe essere ulteriormente potenziata nei prossimi anni. Proprio perché un Festival non deve limitarsi a mostrare dei film dopo averli selezionati, ma possibilmente intervenire, contribuire, e non solo con denaro, a che le idee di chi soprattutto non ha ancora la storia o il potere di imporle, vengano realizzate (beninteso quando si crede a queste idee). E in questo caso l’idea di un 68 o di una militanza politica rivoluzionaria, viste e raccontate dai figli dei militanti rivoluziona di allora, è sicuramente uno sguardo nuovo e uno sguardo, per tutte le ovvie implicazioni familiari, caldissimo, partecipante al massimo grado. Auguriamoci che questo piccolo esempi di partecipazione produttiva, ricordando per correttezza d’informazione la Scuola Nazionale di Cinema che è il principale produttore dei due corti e Multithématiques che ha collaborato alla loro realizzazione fornendo la tecnologia necessaria all'edizione, possa diventare un'attività costante anche nelle prossime edizioni di Adriaticocinema.

== L’idiota Lezioni di cinema sul tema dell’eroe buono ==
Di Marco Bellocchio.

Lezioni, corsi, dibattiti, comunicazioni di esperienze, di come si l cinema sono abbastanza comuni nei festival e nelle rassegne. Non si inventa più nulla se ci si limita a un titolo, la differenza sta nel come si realizza un progetto. E queste nostre Lezioni si distinguono per l'eccellenza dei maestri e per la scelta di un tema che può sembrare evangelico. L'Eroe Buono, con particolare riferimento a “L'Idiota” di Dostoevskij e al suo eroe, il principe Myskin, in realtà vuole contrapporsi a quella che è un’ideologia coerente e dominante, e cioè che gli uomini per natura non sono affatto buoni, che se non ci fossero le leggi si sbranerebbero tra loro, che ci salva la morale e il super-io e, al massimo del positivo, dagli uomini si può sperare una vita piena di conflitti, autoironica e un pò ridicola, un’ambiguità di fondo in cui coesistono il bene e il male e la differenza tra il normale e l’assassino è soltanto legata al caso, alle condizioni sociali, alla quantità di male che è comunque in ciascuno di noi. Pensare oggi a un essere umano naturalmente buono, tendente al bene sembra quasi un'ipotesi extraterrestre (religiosa appunto, Dio sta in cielo, in terra, in ogni luogo...), incomprensibile prima ancora che inaccettabile... Discutere sul principe Myskin, prendere l’Idiota come un personaggio oggetto di ispirazione e di discussione è già intrinsecamente una scelta di rottura... Anche se poi in effetti il marxismo proponeva (uso l’imperfetto per obiettività storica) una bontà umana originaria, da recuperare nel socialismo realizzato. Che poi come sappiamo non è accaduto. I maestri che parleranno di “bontà” e sicuramente anche del suo contrario, sempre a partire da Dostoevskij, non hanno bisogno di presentazioni. Sono: Harvey Keitel, Roberto Benigni, Antonio Albanese, Michele Placido e Domenico Starnone, Vincenzo Cerami, Nicola Piovani. Naturalmente lo spunto verrà elaborato e discusso e sperimentato per gli attori in un modo, per gli scrittori in un altro modo e per il compositore in un altro modo ancora. Queste lezioni sempre con temi diversi e con diversi maestri dovrebbero essere riprogrammate anche nella prossima edizione del festival e potenziate se è possibile, perché corrispondono alla linea generale di un festival che vive proprio di formazione, di partecipazione alla produzione, di discussione teorica, che vorrebbe insomma essere all'avanguardia della ricerca cinematografica e non solo uno spazio di esposizione di film.
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1998]]

1998

2025-03-19T13:31:41Z

Thomas: /* L’idiota Lezioni di cinema sul tema dell’eroe buono */

== Enti promotori ==
Associazione cinema dell’Adriatico, Comuni di Bellaria Igea Marina, Cattolica, Rimini

=== Consiglio di amministrazione ===
Mauro Conti (Presidente), Mara Garattoni, Pierpaolo Parma

=== Direttore ===
Gianfranco Miro Gori

=== Segretario ===
Antonio Tolo

=== Comitato scientifico ===
Gianfranco Angelucci, Vittorio Boarini, Vincenzo Cerami, Antonio Costa, Alberto Farassino, Giacomo Martini, Morando Morandini

=== Direttore Artistico ===
Marco Bellocchio

=== Coordinamento e relazioni esterne ===
Angela Leone

=== Segreteria e amministrazione ===
Miriam Pozzi

=== Segreteria e ospitalità ===
Alessandra Fontemaggi

=== Documentazione e cataloghi ===
Giuseppe Ricci con la collaborazione di Marco Leonetti

=== Segreteria a Cattolica ===
Simonetta Salvetti

=== Segreteria a Roma ===
Veronica Martini

=== Addetto Stampa ===
Marzia Milanesi, Barbara Sassano (assistente), Paolo Pagliarani

=== Servizi tecnici e allestimenti ===
Edoardo Zangheri, Paolo Tombeni

=== Grafica e immagine ===
Enzo Grassi - “Colpo d’Occhio”

=== Corrispondente dagli Stati Uniti ===
Giulia D’Agnolo Vallan

=== Curatori e consulenti ===
Daniela Ceselli e Francesca Pirani (retrospettiva: 1968 Ha ballato una sola estate, convegno: L'immagine in movimento e il movimento dell'immagine), Alberto Farassino (retrospettiva: L'investigatore privato), Leonardo Gandini (sezione: Scuole di cinema), Enrico Ghezzi (compleanno: Nostra signora dei turchi), Riccardo Giagni (sezione: La musica del cinema), Fabrizio Grosoli (sezione: Anteprime internazionali), Mario Sesti e Dario Buzzolan (sezione: Cinema italiano), Giovanni Spagnoletti e Sergio Toffetti (personale: Robert Bresson)

== Presentazione ==
[[File:1998 Locandina Adriatico Cinema Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Adriatico Cinema, 1998]]Il presidente dell’Associazione Cinema dell'Adriatico Mauro Conti.

La Romagna è una terra propizia per il cinema. Vi sono nati registi, sceneggiatori, attori...: Federico Fellini, per esempio, o Tonino Guerra, pochi giorni fa vincitore con Anghelopulos della Palma d’oro a Cannes. Vi si sono realizzati, vi si realizzano film. Vi si sono coltivati, vi si coltivano i “riti” della visione cinematografica: la provincia di Rimini è fra le prime in Italia al botteghino; e in essa, da tempo, si organizzano festival. Anteprima di Bellaria Igea Marina, MystFest di Cattolica e Riminicinema, solo per citare gli ultimi, si sono conquistati uno spazio e un ruolo non secondario né banale tra le manifestazioni simili in Italia e nel mondo; e oggi che non esistono più, essendo confluiti in un evento unico, Adriaticocinema, desidero ringraziare tutti coloro che vi hanno lavorato. Quanto a Adriaticocinema, neonato, mi piace precisare che non si tratta dell’addizione dei tre festival precedenti, né della somma delle tre città (Bellaria Igea Marina, Cattolia e Rimini) che lo hanno fondato. Si tratta bensì di una manifestazione unica e -pur rivendicando le proprie tradizioni- nuova.

Di Marco Bellocchio

Pensando alla conferenza stampa del 6 febbraio mi pare oggi che il programma definitivo di Adriaticocinema sia nella sostanza quello che avevamo annunciato. Un programma in cui la ricerca di nuove forme, di nuovi linguaggi è il corpo centrale del Festival e sarà il principale tema di discussione del convegno sul cinema italiano: “L'immagine in movimento e il movimento dell ‘immagine’. In questo senso abbiamo scelto i film italiani che parteciperanno al concorso, nel rigore che ci eravamo sempre prefissi. (Anche la giuria, composta da critici militanti e molto tendenziosi mi sembra in armonia col criterio di selezione: premiare la bellezza, l'originalità delle immagi- ni, secondo un’indiscutibile sensibilità e competenza). In questo senso ho invitato, fuori concorso il primo film di Massimo Fagioli e in questo senso proponiamo film “invisibili”, cioé film magari già presentati in altri concorsi o usciti anche fuggevolmente nelle sale (0 anche non fuggevolmente, ma che, come l’ultimo di Ciprì e Maresco, il pubblico delle tre città del Festival non avrebbe l'opportunità di vedere), film che sono scomparsi, a cui il Festival, senza illudersi di miracolarli, vuole offrire una nuova visione, di poter riapparire su uno schermo bianco. La perseveranza, la coerenza in arte devono essere riconosciute e premiate pro- prio perché viviamo in un'epoca in cui l’incoerenza, la dissociazione e la futilità sono la regola della vita quotidiana e producono ovviamente, poi, nella maggior parte degli artisti, immagini incoerenti, dissociate, futili... In questo senso presentiamo le retrospettive non integrali di un gruppo di autori nuovi (... Roberta Torre, Pasquale Misuraca, Yervant Gianikian e Angela Ricci Lucchi, Antonio Rezza e Flavia Mastrella, Eros Puglilli, Bruno Bigomi) che, più o meno appartati, aristocratici, ma fedeli al loro stile, alle loro immagini originali implicitamente si contrappone al cinema dei padri, che più che padroni materiali del cinema italiano si comportano, sono dei “padri paralizzanti” nel senso di impedire o ritardare una vera rinascita. Senza vietare nulla, facendo semplicemente quello che hanno sempre fatto. Mi viene in mente una battuta di Cecov: “Costa: Sono necessarie nuove forme, nuove forme sono necessarie, e se queste mancano allora è meglio che niente sia necessario” (Il Gabbiano, Atto 19.11 prezzo di queste nuove forme in quel caso è il suicidio, per questo credo che, contro una tradizione di romanticismo ormai decomposto, va ricercata una terza via che, rifiutando la mediocrità, eviti l’autodistruzione. Il prezzo della ribellione del 68 è ancora il suicidio del 68. Per citare la rassegna “Ho ballato una sola estate”, curata da Daniela Ceselli e Francesca Pirani, che appunto indagando prevalentemente sui film che hanno preparato il 68 individua in essi una costante suicida. Il suicidio immanente al 68. Manon voglio ricordare tutto il programma sarebbe una fatica inutile per chi legge, il catalogo è fatto per questo e basta guardare l'indice. Non posso tuttavia non accennare a tre eventi, magari non particolarmente clamorosi, ma molto qualificanti e cioè il Festival delle scuole di cinema, il Convegno sull’appena riformato CSC diventato SNC, e la partecipazione di Adriaticocinema alla produzione di due cortometraggi di due allieve della Scuola Nazionale di Cinema e a un corto di Matteo Garrone, attività assolutamente da potenziare per un festival che vuole essere attivo, partecipante alla vita del cinema italiano. Una parola infine sulla libertà di espressione di questo Festival e cioè di poter divagare, sconfinare in altre forme dell’arte e non necessariamente complementari al cinema. La musica, il teatro, la danza, la pittura, l’architettura... Questo per- ché non è possibile che chi “sente” il cinema sia sordo alla musica o al teatro, può essere incompetente, ma la sensibilità non è a compartimenti stagni, reagisce a tutte le espressioni d’arte quando sono vere e profonde, e poi perché lo spazio del festival, distribuito su tre città, può rispondere naturalmente a una rappresentazione globale, come sei film, i concerti, le lezioni fossero le diverse immagini di un unico movimento, di un unico teatro che si sposta continuamente da un luogo all’altro, nel tempo, secondo la luce del giorno o il buio della notte.

== Concorso Adriaticocinema ==

* [[Alla scoperta dell’acqua calda]] di Michele Miegge
* [[Amleto]] di Stefano Patteri, Giovanni Rossetti, Alberto Zanetti
* [[Benvenuto a San Salvario]] di Enrico Verra
* [[Cadere nel tempo]] di Manuele Cecconello
* [[Cadute]] di Claudio Pazienza
* [[Il caso di forza maggiore]] di Matteo Garrone, Massimo Gaudioso e Fabio Nunziata
* [[La cena informale]] di Salvo Cuccia
* [[I colori della città celeste]] di Pappi Corsicato
* [[Fine pena mai]] di Benedetto Proietti, Giovanni Caccamo
* [[Funamboli]] di Mattia Battistini, Lina Battistini, Manuel Cassano, Raffaella Cassano
* [[Girotondo, giro attorno al mondo]] di Davide Manuli
* [[HQ1 - La tragica storia di Amleto, principe di Danimarca]] di Dimitri Patrizi
* [[Incerta di viaggio]] di Valentina Girodo
* [[Incontri rubati]] di Daniele Ciprì, Franco Maresco
* [[Incerta di viaggio]] di Valenti Girodo
* [[Mare largo]] di Ferdinando Vicentini Orgnani
* [[Nadia Luca & Roberto]] di Cosimo Terlizzi
* [[Pentesilea]] di Leonardo Carrano
* [[Polaroids]] di Hakim Zejjari
* [[Il racconto del leone]] di Francesca Marciano
* [[Santarielli d’Amantea]] di Pasquale Misuraca
* [[Shakespeare à Palerme]] di Francesca Comencini
* [[35 aforismi|35 aforismi su Elias Canetti]] di Francesco Paladino
* [[Victor]] di Giuseppe Mauresi, Franco Maurina
* [[Voyage pour Katie, Jean-Pierre et Jean-Luc]] di Federico Ramundo
* [[Appunti da Santarcangelo]] di Mario Martone

== Concorso La calma ==
Di Daniela Ceselli e Francesca Pirani.

Il tema della calma è una sfida alla sensibilità degli autori, proprio per il carattere peculiare di questo affetto: un comportamento pacato, tranquillo può essere scambiato per calma, ma in verità molto più frequentemente si tratta di indifferenza. Quindi abbiamo proposto agli autori dei cortometraggi di non fermarsi alla fenomenologia ed al comportamento, e di Spingersi nei territori del latente, per svelare il contenuto più profondo che si nasconde dietro ii gesti, gli sguardi, le parole. Calma quindi, intesa non come controllo delle proprie passioni, maschera ingannevole, assetto indifferente e manierato di chi non ha in verità affetti e sentimenti forti, ma invece, calma intesa come dimensione di certezza, di pienezza, di mancanza di angoscia di fronte alle cose della vita. Catturare l’essenza di questo affetto e rappresentarlo, pone senz'altro gli autori davanti al cimento di andare oltre il visibile, sollecitandoli ad affrontare una ricerca artistica per cogliere l’immagine nascosta che riveli questa misteriosa qualità umana.

=== I titoli del concorso ===

* Alice di Daniela Panfili, Elisa Vannini, Francesca Lucchetta, Lavinia Mandolini
* Ali di farfalla di Marcello Benvenuti e Paolo Matassini
* All you need is... di Luciano Monti
* L'amico Terry di Maurizio Failla
* A pruvatu mai? di Moni Giardina e Riccardo Sgalambro
* Attimi di Stefano Salvatori
* Bicho Preguira di Alberto Di Cintio e Hugo Lucini
* Buon vicinato di Giorgio Longo e Carlo Gianneschi
* Butoh di Uccio Pazienza
* La calma a cura di C. Bellesia, C. Calzolari, S. Collina, C. Martini, N. Tartarughi, G. Toschi
* La calma di Cristian Comand
* La calma di Daniele Santurro
* La calma di Elio Deponti e Luca Pelliconi
* La calma di Emanuele Miceli
* La calma di Flavio Moretti
* La calma di Luigi Cecchetti
* Calma di Raffaele Luponio (coordinatore degli allievi)
* La calma di Serena Ferrara
* La calma di Vanni Vallino
* La calma... e il suo segreto di Giorgio Fipaldini
* La calma: psicogenesi di Stefano Giottoli e Marco Riva
* La candela di Lauro Crociani
* Calma non calma di Romano Guelfi
* Calma plastica di Giulio De Andreis e Antongiulio Panizzi
* Calmati! a cura del gruppo “Jarmush” (Jessica Ansalone)
* Calmo... universi di movimenti di Alfonso Cioce
* Campestre di Claudio Di Giorgio
* Caterina di Enzo Ferrara e Daniela Panfili
* Celebrazione di Monica Petracci
* Cogito ergo bum di Paolo Rossetti
* Con calma io da sola di Luciano Galluzzi
* Con calma. Luogo comune di Simona Zara
* Con sigara...e senza di Paolo Taddei
* Confine di Mario Catto
* Confini di Giuseppe Bazzocchi
* Da lontano di Vito Amodio
* Da un anno poco più di Gianluca Stuard
* Dal bel seren de le tranquille ciglia... di Alfredo Mastrogiovanni
* Deconstructing coffee di Manuel Frara
* 2 di Daniele Carrer
* :- (| (due punti, segno meno, aperta parentesi) di Adriano Mestichella e Nicola Poddighe
* I due re di Alberto Comandini
* Ecco, adesso di Simone Massi
* Echolalia di Massimiliano Nuzzolo
* Entro mezzogiorno di Domenica e Maria Di Mario
* Finale di partita di Ja'nnis Kakara's
* Il finalista di Bruno Memoli
* Finalmente calmo di Marcello Gori
* Fiore di guerra di Sandro Vasini
* Fuoco di fila di Antonio Mora
* In aprile di Simone Massi
* In assenza di vento di Stefano Guccini
* In giro di Alessandro Ingargiola
* Invernale di Maria Rosa e Marino Rore
* Io sto bene e spero anche di voi di Philippe Chabert
* Keep on! Keepin' on! di Simone Massi
* Laura di Primo Giroldini
* La lettera di Alessandro Ingargiola
* Le mani di Penelope di Giuseppe Guastella
* Una mattina di Daniele Ravaglia
* Il mondo subacqueo di Davide Zagnoli
* My heart nil go on a cura di S. Tugnoli, L. Amitrano, E. Mezzetti, S. Landi, F. Tavernari, M. Maldotti
* Niente di Simone Massi
* Una noia dolente da speranze crudeli di Alessandro Zanchini
* Non perdere la calma... scappa a cura del gruppo “Mainposa” (Gianni Gozzoli)
* Norma di Giacomo D'Agostino
* Nuala di Ezio Romano
* Pansa di Nicola Scorza e Michele De Virgilio
* I performanti di Rinaldo Rivarola
* Il placidista di Andrea Pavone
* Portatori di calma di Andrea Taqui Fanelli
* Primo paragrafo di Francesco Asaro
* Psicopatic di Fulvio Pisani e Federico Bona
* La quiete di Cravo di Alessio Fattori
* Quipu di Rosario Compare
* Ramificazioni di Silvia Di Domenico
* Il rumore della mano destra di Andrea Bolioli
* Rumori di fondo di Gianbattista Pini
* Se mi vuoi chiamami questa sera di Rocco Ministeri
* Segnali dalla galassia di Marco Pitrone
* 1600 giorni di Anna di Enrico Venditti
* Senza titolo di Roberto Baratti
* Sfida a S. Polo di Giancarlo Dini
* Soli di Domenico Mirdaca
* Solitudo di Luciano Monti
* Soste di Fabio Fiandrini
* Stimoli di Sabrina Santi
* Stress di Maurizio Maliore
* Il tempo vola di Silvana Martina
* Terza ora educazione artistica di Andrea Lato
* Il titolo è alla fine di Fulvio Calderoni, Bruno
* Pisano e Alessandro Talamo
* Tra i due litiganti (la calma è la virtù dei forti) di Gianluigi G. Giorgiola
* Tunnel di Adelio Gregori e Romano Usa
* L'ultimo della serie di Gianmarco Mastore e Armando Meroni
* L'uomo nero di Danilo Ramirez
* Underground di Daniele Marcovecchio
* Water power di Alessandra Bergero
* Waterline di Guglielmo Finazzer
* Yes & not di Werther Germondari e Michele Sanzò

== Concorso Immagina la musica ==
Di Gino Castaldo

Chiedere ai lettori di mettersi a realizzare un proprio videoclip ideale, adattandolo a qualsiasi musica desiderassero, c'era sembrata una sfida divertente, ma piuttosto difficile. In fondo si trattava di pensare, di avere un'idea, di avere a disposizione mezzi tecnici non proprio irraggiungibili, ma comunque non automatici. Ci dicemmo: se ne arrivano trenta 0 quaranta è già un successo. Bene, ne sono arrivati più di duecentocinquanta e abbiamo visto crescere il mucchio di videocassette in redazione con crescente stupore. Ci siamo accorti che il richiamo funzionava molto oltre le nostre riduttive aspettative. E’ perfino banale dirlo, ma tanti anni di stralunati e fantasiosi abbinamenti tra musica e immagine, hanno diffuso capillarmente il germe di un linguaggio nuovo. Non musica applicata, o effetti visivi applicati all'immagine, ma di fatto un nuovo piano linguistico la cui unità potrebbe essere una immaginaria sillaba allo stesso tempo sonora e visiva. Vedremo in futuro dove porterà tutto questo. Per ora abbiamo una folta rappresentanza di una passione fai-da-te che cresce e serpeggia ai margini della grande industria. Da raccogliere e valutare...

== Concorso Scuole di Cinema ==

* [[I frutti puri impazziscono]] di Marco Bertozzi
* [[Eat Your Greens - Mangia la tua verdura]] di Mark Forstmann
* [[The Two-Wheeled Time Machine]] di David Lowe
* [[Denial]] di Phillip Crawford
* [[La cella]] di Philippe Barcinski
* [[Manden fra dybet - L'uomo dalle profondità]] di Martin Hagbjer
* [[Nageurs - Nuotatori]] di Alain-Paul Mallard
* [[Ku'damm-Security - Uomo in servizio]] di Ed Herzog
* [[Herbsten - Vendemmia]] di Michael Schorr
* [[Abschied]] di Marina Caba Rall
* [[Doom and Gloom]] di John McKay
* [[Jester]] di Nick Herbert
* [[Locked]] di Filipe Alcada
* [[Toxic Twins - The Beginner]] di Edo Tagliavini
* [[Starring Peter Martell]] di Fabrizio Favro
* [[Cococobana]] di Javier Solar, Andrés Leòn
* [[Dzive nr. 2]] di Kristine Zelve
* [[Komiwojazer]] di Markus Stein
* [[Sposob na Moravie]] di Marek Gajczak
* [[Close-Up]] di Evgenij Zvezdakov
* [[Et ils eurent beaucoup d’enfants]] di Nicolas Frey
* [[Prime Time - In prima serata]] di Dave Monahan
* [[1967]] di Marylou Tibaldo-Bongiorno

== Anteprima ==

* [[Bajo Bandera (Oltre la giustizia)]] di Juan José Jusid
* [[Moebius]] di "gli studenti della Universidad de Cine coordinati dal professor Gustavo Mosquera R., con la collaborazione di Natalia Urruty e Emiliano Torres"
* [[Oscar & Lucinda]] di Gillian Armstrong
* [[Jerry e Tom]] di Saul Rubinek
* [[Primo piano sull'assassino]] di John Raffo
* [[Historias de futbol]] di Andres Wood M.
* [[Préference]] di Grégoire Delacourt
* [[Kagi]] di Toshiharu Ikeda
* [[Postman Blues]] di Sabu
* [[Hold You Tight / Yue kuai le, yue duo luo]] di Stanley Kwan
* [[Leila]] di Dariush Mehrjui
* [[Il Cielo|Il Cielo della Luna]] di Massimo Fagioli
* [[Wolves Cry Under the Moon / Guao dao feng bi]] di Ho Ping
* [[The real Blonde]] di Tom DiCillo
* [[Do Me a Favor]] di Sondra Locke
* [[Orgazmo]] di Trey Parker

== Prime visioni ==

* [[Cinque giorni di tempesta]] di Francesco Calogero
* [[Cosa c'entra con l’amore]] di Marco Speroni
* [[Deserto rosso]] di Michelangelo Antonioni
* [[Giochi d’equilibrio]] di Amedeo Fago
* [[Giro di lune tra terra e mare]] di Giuseppe M. Gaudino
* [[Messaggi quasi segreti]] di Valerio Jalongo
* [[Polvere di Napoli]] di Antonio Capuano
* [[Totò che visse due volte]] di Daniele Ciprì, Franco Maresco

== Alfabeto italiano ==
Da un'idea di Beppe Attene e Beppe Sangiorgi, realizzato con materiale d’archivio della cineteca Rai in collaborazione con la Làntia Cinema & Audiovisivi

Di Marco Bellocchio

Inaugurare il Festival con Alfabeto Italiano ha il significato di proporre dei film prima di tutto di autori italiani molto personali, che operano uno “sfondamento” dei confini, dei canoni abbastanza rigidi dei film a soggetto (la storia secondo la drammaturgia sofoclea) da una parte, e del documentario dall’altra, senza ricorrere alla forma ormai comune del “docu-fiction”, ma inventando, architettando, facendo cinema d’autore essenzialmente al montaggio (quando per noi registi il “momento della verità” sono le riprese, il corpo a corpo con gli attori. Mi vengono in mente i collage dei surrealisti e i fotomontaggi politici di John Heartfield...), manipolando materiali impersonali, senza uno stile riconoscibile, emozionanti in sé per il fatto che documentano dei fatti “obiettivamente emozionanti”; immagini, ma anche suoni, musiche, mescolando tutto e pestando, come nel crogiolo di una strega, perché avvenga una trasformazione (o addirittura una trasfigurazione!). Nasca una forma, uno stile. Questa è la sfida. L'autore dovrebbe diventare uno storico e un artista. Storico in quanto interprete e non soltanto cronista dei fatti, artista in quanto creatore di forme nuove, utilizzando immagini di altri, che hanno girato magari con grande partecipazione personale, ma coll’obbligo professionale di limitarsi a documentare un fatto, catturarlo il più visibilmente possibile (la maggiore difficoltà è che qualche volta si riescono a scoprire materiali straordinari, ma montati secondo dei criteri di totale insensibilità non dico alla bellezza ma a un elementare, tradizionale ordine estetico. Le immagini al puro servizio della voce parlante. Di qui la nostra necessità di ricorrere frequentemente al rallentato, per cercare di allungare il più possibile le emozioni...). Tanti frammenti di tanti sguardi diversi, che si compongono, 2 cui un solo sguardo dà la sua forma. L’aver voluto questa inaugurazione (e aver lottato per averla) ha anche il significato di una mia personale definitiva riconciliazione con il montaggio. E’ davvero finito il tempo della paura di attaccare insieme i vari pezzi, il tempo della paura della dissociazione.

* [[Bambini, ragazzi, strapazzi]] di Maurizio Nichetti
* [[Case cose città]] di Silvio Soldini, Giorgio Garini
* [[Lavorare stanca]] di Wilma Labate
* [[Le parole del cuore]] di Giuseppe Piccioni
* [[Un popolo di poeti]] di Giuseppe Bertolucci
* [[La rovina della patria]] di Marco Tullio Giordana
* [[Sesso, video e realtà]] di Simona Izzo, con la collaborazione di Francesco Venditti

== Ha ballato una sola estate... ==
Di Daniela Ceselli, Francesca Pirani

Abbiamo cercato un'immagine e non un'idea per il titolo di questa rassegna sul ‘68, per non legare la ricerca sulla cinematografia di quegli anni ad un giudizio . Ha ballato una sola estate... è un'immagine che ovviamente nasconde un pensiero, mala cui vaghezza stimola a ricavare un'idea più ricca di umori, di domande, di poesia. Il film di Mattson, completamente dimenticato, propone un'immagine di ragazzetta, legandola al desiderio, alla bellezza, alla giovinezza, ma anche all’impossibilità della sopravvivenza di queste dimensioni umane. Sogno effimero di una notte d'estate... non resisterà alla fine di questa stagione, perchè la norma, la vita reale, quotidiana, sono fatte di un’altra materia. Allora la ragazzetta, come Ifigenia, muore, deve morire, sacrificata al pensiero religioso, per cui è necessario compiere questo rituale, per mantenere saldo il rapporto certo con la realtà. I registi di quegli anni colgono il potere eversivo di questa immagine e la ripropongono in maniera emblematica. Ovviamente già esistevano Giovanna di Dreyer, Lu/ì di Pabst e poi Carmen, Manon, Traviata e un elemento nuovo che vi si lega è senz'altro la ricerca di un superamento della forma narrativa, ovvero la ricerca di una maggiore libertà del linguaggio filmico, per andare verso una destrutturazione della storia e del tempo del racconto. Il tentativo è quello di infrangere la barriera che separa il sonno dalla veglia, il sogno dalla realtà, il pensiero conscio dal pensiero inconscio: sembra maturato il momento, per cui ciò che prima era improponibile, ora è diventato possibile... Dall’euforia di questa sensazione però, non si formano immagini nuove, ma si affacciano sullo schermo sinistre immagini di fallimento: nel prologo di Andrej Rublev (1966) un uomo si solleva dal suolo con un pallone gridando: “volo, volo!”, per schiantarsi a terra poco dopo. Materializzare il sogno, dare corpo all’utopia, fare della rivolta alla norma una prassi quotidiana, questo ciò che viene detto nelle università, scandito nelle piazze, scritto sui muri. Ma allora, perchè ciò che viene rappresentato racconta di una catastrofe senza scampo?... Il tema del suicidio è presente in un’innumerevole schiera di film: da Bresson a Resnais, da Cassavetes a Skolimowski, Godard, Truffaut, Ousmane... Altrimenti la morte giunge dall'esterno, una morte subita, tentata, inseguita: Easy Rider, Zabriskie Point, L'incidente, Rain People, Treni Strettamente sorvegliati... Il sogno si deteriora, si fa irreale, falso, sino a decomporsi e diventare malattia, follia: la maschera aderisce al volto di Morgan che non riesce più a ripercorrere la strada verso se stesso, restando impigliato nella sua fantasticheria. “Il ‘68 mori con il ‘68; la rivoluzione culturale non aveva fatto un bambino. I giovani non erano riusciti a sognare. Addormentati nello stato di veglia scambiarono la realtà per un sogno e, non riuscendo a dormire davvero per aver abbandonato la realtà, scambiarono i sogni con la realtà. Dormienti, ebbero paura della realtà esistente e l’aggredirono senza rifiutarla veramente, insonni, ebbero paura dei sogni e li negarono senza comprenderli”. (M. Fagioli, Le notti dell'isteria). E in questo senso la Storia Immortale di Welles diventa una grande metafora : se non si cerca di far vivere i sogni è la morte, ma se si realizzano è la follia... Il giovane William, ingenuo e “cieco” protagonista de L'Incidente, muore per non saper vedere e rifiutare la complicità fra l’indifferenza di Anna e la fatuità omicida del suo professore. Ne La femme douce, la protagonista scivola nella depressione e si suicida per essersi sottomessa alla freddezza asessuata della ragione. In Vita di Famiglia Bella va incontro al dissolvimento dei confini dell’io, mentre il fratello Witt abbandona qualsiasi ricerca sulla propria identità, per rassegnarsi all’ineluttabile destino dell’identificazione con il padre. Quello che colpisce in tutte queste storie è in fondo la mancanza di idee nuove, originali, e la sostanziale continuità con il passato, con i luoghi comuni di una cultura millenaria. La follia vista come ritorno allo stato animale (Morgan...) o come terribile affermazione di individualità nel processo rivoluzionario (Marat- Sade); l'impossibilità di una regressione, foriera di un angoscioso sgretolamento (Je t'aime, je t'aime); il rischio mortale che comporta l'emergenza del desiderio (Elvira Madigan); la sconfitta di coloro che tentano una separazione da dimensioni vecchie, distruttive, false (Abschied von Gestern, If.., Faces). E se dei pensieri così vecchi alimentano il cinema di quegli anni, viene immediato pensare che non potevano nascere immagini nuove, Originali, e che tutt'al più si poteva giungere alla rappresentazione del già esistente, senza arrivare alla creazione di un linguaggio che esprimesse veramente una rottura epistemologica. l registi più geniali raccontano dell'emergenza storica di una possibilità umana, qualcosa di latente, di inespresso che sta affiorando: la fine della supremazia della ragione, del rapporto positivistico della realtà, il volgersi alla fantasia umana come immenso patrimonio a cui attingere, diverso orizzonte evolutivo. Ma l’immagine nuova non si forma, resta allo stato di impulso, di vaga intuizione subito negata: lascia il suo posto a una creatura sciancata, un mendicante figlio di un dio minore che, non avendo raggiunto la fantasia, vaga dubbioso nella terra di nessuno della fantasticheria, dell’allucinazione, del delirio. Pesava sui registi di quegli anni e su tutta una generazione l'alleanza con un pensiero, con una cultura che sembrò rivoluzionaria, originale, ma che in verità impedì loro una nascita: le idee gonfie di nulla si posarono leggere sulla loro giovinezza e gli chiusero le vie del respiro. Il movimento studentesco a Berkeley, i fermenti di rivolta in Cina e in Giappone, il Maggio francese, l’Ottobre polacco, la Primavera praghese... c'è nel corso degli anni sessanta (pur con le debite differenze, connesse alla realtà politica di ciascun paese), una volontà di rottura radicale con il mondo dato, una speranza di trasformazione, affidata alla fantasia, all’immaginazione, allo slancio individuale e collettivo che 'accompagna al rifiuto dell’esercizio di potere del maestro sull’allievo, al sovvertimento delle istituzioni, dei rapporti gerarchici, dei vincoli burocratici ed economici, sfida all’impossibilità di essere, agire, comunicare, confidando in un'intuizione, in un'energia, piuttosto che in un modello, desiderio di inventare una prassi muova, legata all’intersoggettività, alla fisicità, alla spontaneità espressiva... Sia che si interpreti il ‘68 come irruzione della giovinezza sulla scena politico-sociale, “festa nel quotidiano” o rappresentazione indiretta dell'“assassinio dei padri”, sia che lo si interpreti come conflitto di classi di tipo nuovo o rivolta contro il dominio e l'integrazione, o ancora, crisi dell’Università o crisi di civiltà, non avente di mira un regime, o solo il regime, ma la “società dei consumi” in generale; il ‘68, e gli anni che lo preparano, con la sua impronta di non direttività, il suo portato di energia, di disinibita esuberanza, la sua ricerca espressiva, l'emergere di una libertà nuova che lascia intravedere possibilità nuove, si esaurisce ben presto... è l’amore di una sola notte. L'azione rivoluzionaria non è fabbricazione di un avvenire, non coincide con l’elaborazione di una nuova teoria, di una nuova metodologia di confronto con il reale, ma consiste unicamente nello “scompaginare i piani”, “abbattere le paratie”, “rende- re mobili le cose” (C.Lefort, La Briché). Si è sottolineato che dopo il ‘68 il mondo non è più lo stesso, che le istituzioni mutano completamente (scuola, fabbriche, ospedalì), ma al minimo e doveroso cambiamento, spesso di facciata, impresso alle istituzioni, non corrisponde un massimo di cambia- mento dell’uomo; il movimento hainsé il proprio fine e la propria fine, il suo senso si esaurisce in ciò che esso è: l'apertura di una breccia che immediatamente si richiude... paura, vincoli culturali, difetto di comprensione. E non a caso il tema del suicidio, che abbiamo voluto sottolineare in questa piccola rassegna, è l'immagine emblematica e sottesa di un malinconico ripiegamento su posizioni di sconfitta: materializza e suggella l’insopportabile disperazione dell’utopista, del sognatore, dell’uomo che tenta un rifiuto aperto nei confronti del mondo dato, e, non riuscendo a modificare il reale, schiacciato da una depressione Insostenibile, elimina fisicamente se stesso, “E loris dello spirito rivoluzionario” (che Calvino già individuava negli anni ‘50). Rivoluzionario è chi non accetta il dato naturale e storico e vuole cambiarlo, e questo indubbiamente c'era come aspirazione, ma viene meno come modalità. Proprio nel corso del fatidico anno lo slancio iniziale si placa, il sorriso si irrigidisce in una smorfia, l'interesse si assopisce, la ribellione diventa gesto di maniera, viene meno la fiducia nell’indirizzare il corso delle cose. Forse era troppo difficile e doloroso sostenere l’incertezza della destrutturazione della società in quanto tale, il sovvertimento delle re- gole, il superamento della norma sancita dalla storia: non restava più un “qualcosa” da scoprire, un assetto paralizzante da superare, una visione del mondo da criticare; occorreva un “oltre” da inventare e per inventare un oltre ci voleva molto coraggio, troppo... Studenti rivoluzionari, su una lavagna nomi di drammaturghi, scrittori filosofi vengono cancellati ad uno ad uno, Sartre per primo... polvere di gesso... sul fondo nero non resta scritto che il nome di Brecht. Così nella Chinoise di Godard, film del ‘67, non inserito in questa rassegna, come altri film emblematici di quegli anni, più visibili, quali 2007: Odissea nello spazio, Jules et Jim, Blow-up, Easy Rider, 1 pugni in tasca... All'estremità opposta del globo, Oshima, in Diario di un ladro di. Sbinjuka (*68), rappresenta il percorso iniziatico di due ragazzi, coincidente con la scoperta della sessualità, e fa dire a Torio: “..Noi non siamo mendicanti, in realtà siamo ladri. Tanabe non l'aveva capito. Per questo non si è unito ai nostri giochi di ladri. Umeko voleva rubare la virilità a Tanabe, e contemporaneamente 10 volevo rubare il sesso a Umeko. Ma il piano non è andato a segno. Lui non ha voluto unirsi a noi. Ha tentato di dirci tante cos, ma in realtà non ci ha insegnato un bel nulla... Tutta la cultura ufficiale, impersonata da Tanabe e dai suoi amici, non è servita niente: essi non fanno altro che tentare di svuotare di significato, ora paternalisticamente, ora violentemente, l’anarchica ribellione dei due giovani protagonisti. Immagini emblematiche, rifiuto dei maitres a penser... dove non piombano i carri armati con la loro violenza bruta, spesso sono l’astuzia dell'ideologia, il principio dell’organizzazione politica, la ragione astratta, il linguaggio coltivato in vitro, la delegittimazione filosofica dell’io, invisibili paletti fissati contro la presunta “minaccia” dei giovani in movimento, a tagliare le ali, a isterilire l'immaginazione, a rendere anemica la ribellione... Da R. Aron, La Revolution introuvable: “La intelligentsia degli anni sessanta aveva come dio non più il Sartre del dopoguerra, bensì un misto di Lévi-Strauss, Foucalt, Althusser e Lacan” (gli epigoni dei tedeschi Nietzsche, Heidegger, Freud, Marx). I nuovi intellettuali da una parte sembrano eliminare ogni tentazione metafisica, suffragare la creazione di una nuova estetica, indagare i significati e le forme del linguaggio, fondare un nuovo concetto di uomo e di umanità, ma dall’altra si avvalgono delle aspirazioni altrui, per produrre contro la volontà dei protagonisti, una risultante fondamentale: la paralisi della fantasia e del desiderio di conoscenza, la messa in crisi del rapporto con la realtà, la polverizzazione dell'io, recettivo, sofferente e agente... Riescono a rendere convincente la formula per cui “non esistono fatti, esistono solo interpretazioni” (Lacan): e certo sarebbe stato bello ottenere solo splendide rappresentazioni e valide interpretazioni, il ‘68 aveva fame di immagini, di suoni, di segni nuovi, male interpretazioni del reale spesso generano solo confusione e rassegnazione, e le rappresentazioni, incluse quelle impresse sulla celluloide, sono frequentemente mortuarie, immagini di sconfitta individuale, di omicidio, di suicidio, di follia... Quasi che alla liquidazione delle norme, o meglio alla critica e al dubbio assunti come norma, anzichè legarsi un anelito alla ricerca, si leghi la polverizzazione del soggetto, capace di dare un senso al proprio agire, fino ad una sorta di neonichilismo che affossa cupamente la tensione al nuovo. La libertà di pensiero, sessuale, espressiva, l'emancipazione dell’individuo, l'intuizione di un mondo irrazionale e inconscio, non necessariamente distruttivo, sono tensioni reali e forti negli anni Sessanta, ma presto si tramutano in una specie di opacità dell'io di fronte a se stesso, di impossibilità costituzionale a imprimere movimento alla storia, alla vita, all’arte. E allora risulta meno incomprensibile il futuro dei “sessantottardi”, che, secondo Aron, usciranno da questa situazione di disgregazione, non già aderendo a un “ordine sostitutivo” o un'ipotesi di ricerca alternativa, bensì con l'indifferenza, la violenza agita, il cinismo o ancora, la diserzione dal politico, l’individualismo edonistico, la fine dei dibattiti pubblici, un approccio cool e razionale alla vita, una coscienza toccata da tutto e da nulla, eccitata e indifferente...

* [[Ha ballato una sola estate]] di Arne Mattsson
* [[SInco v sieti]] di Stefan Uher
* [[Nicht versòhnt oder Es hit nur Getwalt, wo Gewalt herrscht]] di Jean-Marie Straub e Danièle Huillet
* [[Walkover]] di Jerzy Skolimowski
* [[Morgan matto da legare]] di Karel Reisz
* [[La Noire de...]] di Sembène Ousmane
* [[La ragazza senza storia]] di Alexander Kluge
* [[Elvira Madigan]] di Bo Widerberg
* [[Marat-Sade]] di Peter Brook
* [[Je t'aime, je taime]] di Alain Resnais
* [[Lucia]] di Humberto Solàs
* [[Storia immortale]] di Orson Welles
* [[Une femme douce]] di Robert Bresson
* [[If...]] di Lindsay Anderson
* [[Zycie rodzinne]] di Krzysztof Zanussi

== Peeping Tom ==

=== Tom Ponzi, un detective pieno di cinema ===
Nel corso del 1997, anno dell’ultimo Mystfest, sono morti Hal Lipset, il celebre detective privato autore di “La microspia nel e Tom Ponzi, che negli anni 60 aveva importato per primo in Italia le sue Martini”, tecniche di investigazione ad alto quoziente tecnologico ma che già nel 1948, esattamente cinquant'anni fa, aveva fondato la sua prima agenzia di investigazioni. Con essi sembra simbolicamente finire l’era dei vecchi e romanzeschi “occhi privati”, resi anacronistici dal mutamento dei costumi, dalle leggi sulla privacy e dalle nuove possibilità di osservazione planetaria (il satellite Earlbyrd è stato definito “il primo detective privato spaziale”). E mentre non termina ed anzi aumenta la sensazione di vivere in un mondo in cui ogni gesto e ogni parola possono essere spiati, registrati, fotografati, si impone - nel vertice di Cattolica della nuova triplice Adriatica, che intende conservare qualche traccia degli anni e dei temi del vecchio MystFest - una riflessione sulla figura del detective classico e sulle sue ultime metamorfosi. Così il tradizionale concorso promosso in collaborazione con Il Giallo Mondadori per il premio “Gran Giallo Città di Cattolica”, giunto alla XXV edizione, era riservato quest'anno a racconti inediti ispirati al tema “L'occhio privato e lo sguardo proibito: il detective e la privacy”. Mentre una sezione del programma cinematografico è costituita appunto da un ritratto “a tutto tondo” (film, documentari e un fascicolo monografico) del debordante, discutibile, triste solitario e appassionante Tom Ponzi, colui che ha rappresentato quasi per antonomasia la figura dell’investigatore privato in Italia. Ma se la vita stessa di Ponzi è stata un romanzo, dalla milizia paracadutistica nella RSI ai gesti eroici di stampo neorealista, da un’opulenza da grande industriale della detection alle fughe rocambolesche all’esilio, e se la sua carriera professionale sembra un'antologia dei più celebri casi e misteri delle cronache italiane, la sua rappresentatività lo fa diventare oggi anche uno specchio di cinquant'anni di storia d’Italia, dalla rovina del fascismo alle scazzottate del dopoguerra, dall’identifica- zione fra detective e paparazzo degli anni del boom al coinvolgimento nei primi gialli politico-economici nazionali. Ma soprattutto Tom Ponzi, e per questo un festival di cinema può occuparsene a pieno diritto, è stato un personaggio naturalmente cinematografico. Lui che dichiarava di annoiarsi con i film gialli perchè scopriva subito il colpevole, ha costruito la sua vita e immagine come quella di uno dei grandi “private eye” della fiction poliziesca. E non basta: è stato collezionista di film, che proiettava per amici e familiari nella sua saletta privata, disinvolto interprete di un film per la tv nonchè di vari programmi e documentari televisivi, da quello diretto da Riccardo Fellini nel 1968 a Servizi segreti di Chiambretti e Sanguineti nel 1993. E le sue stesse tecniche professionali che utilizzavano ampiamente cineprese, microcamere, teleobbiettivi e ogni genere di apparato ottico € sonoro sembrano influenzate da una concezione cinematografica della realtà, vista sempre come un Gran Giallo di cui produrre contemporaneamente la documentazione e la fiction.

=== Obbiettivi puntati ===

* Terrazzano, 10 ottobre di Mariso Ravagnoli
* Certainly It's a grubby Business di David C. Rea
* è arrivato l'investigatore di Riccardo Fellini
* Scuola per allievi detective di Mercurius Investigations
* I giovedì della signora Giulia di Massimo Scaglione
* Servizi segreti
* Il detective in cartoon di Tom Ponzi Investigations

=== La cineteca del detective ===
Dalla collezione di Tom Ponzi, comprendente un centinaio di film in maggioranza di guerra e d'avventura, sono stati selezionati quelli di genere giallo o noir più rari o singolari. Essi vengono presentati nelle copie 16 mm. (in qualche caso prive di titoli e sempre in versione doppiata) appartenute all'investigatore, senza dunque alcuna pretesa storico-critica ma solo come esempi del gusto di una persona e di un'epoca e occasioni di piccole riscoperte cinefile contemporanee.

* Roba da matti di Lloyd Bacon
* Chicago bolgia infernale di William Castle
* Lo sconosciuto del terzo piano di Boris Ingster
* L'angelo del ring di Alin Ganzer
* Fra mezzanotte e l’alba di Gordon Douglas
* Passaporto falso di Pierre Montazel
* Il bivio di Fernando Cerchio
* L’investigatore di Gordon Douglas

== Convegni ==

=== L'immagine in movimento e il movimento dell’immagine ===
Il giorno Sabato 6 giugno, presso il teatro “La Regina” di Cattolica, sì tiene un convegno dal titolo “L'immagine in movimento è il movimento dell'immagine”. Il convegno, della durata di una giornata, prevede la presenza di sei relatori (fra parentesi e in estrema sintesi il nucleo delle relazioni dei convegnisti): Adriano Aprà, critico cinematografico, direttore del Festival di Pesaro (Ciò che è vivo e ciò che è morto nel cinema odierno: la linea sperimentale, la linea del realismo inquieto, la linea “perbenista”); Vincenzo Cerami, scrittore e sceneggiatore (Il movimento dello sguardo e la parola che racconta lo sguardo); Massimo Fagioli, psichiatra, sceneggiatore, alla sua prima regia con il film 1/ Cielo della lima in programma fra le Anteprime del festival (Immagine e rappresentazione. Dire cose mediante luci, colori, forme, figure, linee. Invenzione di immagini nuove anche se di aspetto comune); Enrico Ghezzi, critico cinematografico, direttore del Festival di Taormina; Guido Fink, critico cinematografico, professore di Storia del Cinema all’Università di Firenze (Legibilità e traduaibilità dell'immagine, da parte di chi non fa del cinema ma lo guarda, spettatore o critico che sia, e cerca di “ripensarla” ricavandone o meno un senso a posteriori, cosa che da un lato sembra facile dato che viviamo in un'epoca di inflazione dell'immagine, ma che dall'altra può ingenerare, e di fatto ingenera, pericolosi automatismi, o confusioni, o vere e proprie incomprensioni); Giorgio Tinazzi, critico cinematografico, professore di Storia del Cinema all’Università di Padova (Dopo anni riemerge la necessità di riaffrontare un dibattito sugli aspetti formali del cinema. Opportunità di trovare padri putativi per questa rifondazione formale. Fascino e ambivalenza dell'immagine). Alle relazioni si aggiungeranno alcuni interventi dalla platea Un convegno è un'idea ovvia, quasi di sapore “istituzionale”, può essere luogo di fraintendimenti, divagazioni e ripetizioni, immediatamente associabile a uno stato d'animo di noia e stanchezza. E tuttavia il direttore del Festival Adriaticocinema, Marco Bellocchio, lo ha profondamente sostenuto, non solo perché da molti anni non ci si dedica a un dibattito specifico sugli aspetti formali del cinema, ma anche perché vorrebbe farne una preziosa occasione di ricerca edi confronto, che sorvoli sugli aspetti economici e politici dell'industria cinematografica, già ampiamente dibattuti e sviscerati, ed affronti l’essenza dell’arte in generale, dell’arte cinematografica in particolare...

Si parte dalla constatazione di un'estrema povertà delle immagini del cinema contemporaneo, in particolare italiano, intendendo per povertà la registrazione meccanica dei fatti, l'eccesso di realismo, deprivato della sua autenticità e storicità, la ripetitiva riproduzione di ciò che già esiste nella vita quotidiana o è già stato creato, la scelta di un linguaggio che esaurisce il suo senso nella mera comunicazione narrativa, il tacito rifiuto di una ricerca originale, di una tensione personale, tratto unico e distintivo del filmmaker, per paura di non incontrare il pubblico, per un difetto di invenzione o forse per un’implicita rassegnazione al prodotto medio... Con questo convegno vorremmo proporre una riflessione sulle cause che hanno portato il nostro cinema ad un progressivo inaridimento espressivo, ma anche sollecitare una dimensione propositiva, un cinema che esplori territori più profondi della fantasia e dell'inconscio, che indaghi le possibilità di una bellezza “invisibile”, che si interroghi sul ritmo e il movimento interiore delle immagini in movimento. Guardando alla storia del mezzo, alle poetiche di alcuni registi, a certe aspirazioni programmatiche del passato, forse è proprio entro la sfera dell'invisibile che la settimaarte trova la sua vera natura e vocazione e forse mancando di animarla, rinunciando a far vibrare corde sottili e misteriose, Spende il suo inganno più cinico. Da sempre il cinema ha il suo limite nell'impressione di realtà che offre, nell’oggetto dato, nel corpo dell’attore che mostra, come se gli altri linguaggi fossero più liberi e aperti alla trasfigurazione e alla rivelazione del latente, ma è poi vero questo suo limite ultimo? Se il cinema è a suo modo “la verità 24 volte al secondo”, che tipo di verità comunica e quale tipo di menzogna mette continuamente in scena? Nei vari campi dell’arte, ad esempio nella musica o in pittura, rientra nel percorso di un artista fare evolvere la propria disciplina, perché allora si va spegnendo l’evoluzione della disciplina cinematografica o si confina allo sviluppo delle tecnologie. Per ora non ci sono risposte da dare, l'importante in un dibattito “sul” cinema, come del resto “al” cinema, non è sedare le emozioni, ma provocarne...

=== La nuova scuola di cinema ===
Di Marco Bellocchio

L'attenzione dedicata negli scorsi anni dai festival della riviera alle scuole di cinema da una parte, e al giovane cinema italiano dall’altra, trova quest'anno, nella prima edizione di Adriaticocinema, un importante punto di convergenza. L'occasione è offerta dalla recente nascita della Scuola Nazionale di Cinema, sorta sulle ceneri del glorioso Centro Sperimentale di Cinematografia. Abbiamo pensato ad un incontro in cui sia possibile discutere essenzialmente su due argomenti. Da una parte riflettere sul passato e sul futuro della più importante scuola italiana di cinema: il Centro Sperimentale che negli ultimi tempi, a giudicare almeno dal giudizio degli studenti e dalla scarsa visibilità dei film prodotti, ha vissuto un momento di crisi, di appannamento. Quali sono i problemi che hanno determinato questa fase di stallo, e fino a che punto le caratteristiche istituzionali della nuova Scuola Nazionale possono aiutarlo a riguadagnare un ruolo cruciale per la formazione cinematografica delle nuove generazioni? Dall'altra l’incontro offrirà l'opportunità di discutere sul significato e sulla funzionalità, oggi, di una scuola di cinema. Che cosa vuol dire, insegnare a fare cinema, apprendere il mestiere del cinema, in un'epoca in cui chi per professione pensa e realizza immagini in movimento deve adeguarsi ad un mercato in cui sono richieste competenze ampie e diversificate, legate ad ambiti produttivi di vario tipo (cinema, tv, pubblicità, ecc.)? E ancora, in che misura questo apprendimento può e deve seguire i percorsi formativi classici, propri delle accademie e delle scuole d’arte e di cinema? Tutto questo senza avere la pretesa di dare risposte definitive a questioni che sono, per lo più, complesse e controverse. Nel tentativo, piuttosto, di iniziare a dibattere temi che non potranno non riguardare, negli anni a venire, tutto il cinema.

=== Film ===

* [[Discorso autonomo]] di Elisa Bolognini
* [[Mio padre aveva una Dyane rossa]] di Sara Pozzoli

=== Il festival coproduttore ===
Che Adriaticocinema partecipi produttivamente a due film di allieve della Scuola Nazionale di Cinema è una novità che dovrebbe essere ulteriormente potenziata nei prossimi anni. Proprio perché un Festival non deve limitarsi a mostrare dei film dopo averli selezionati, ma possibilmente intervenire, contribuire, e non solo con denaro, a che le idee di chi soprattutto non ha ancora la storia o il potere di imporle, vengano realizzate (beninteso quando si crede a queste idee). E in questo caso l’idea di un 68 o di una militanza politica rivoluzionaria, viste e raccontate dai figli dei militanti rivoluziona di allora, è sicuramente uno sguardo nuovo e uno sguardo, per tutte le ovvie implicazioni familiari, caldissimo, partecipante al massimo grado. Auguriamoci che questo piccolo esempi di partecipazione produttiva, ricordando per correttezza d’informazione la Scuola Nazionale di Cinema che è il principale produttore dei due corti e Multithématiques che ha collaborato alla loro realizzazione fornendo la tecnologia necessaria all'edizione, possa diventare un'attività costante anche nelle prossime edizioni di Adriaticocinema.

== L’idiota Lezioni di cinema sul tema dell’eroe buono ==
Di Marco Bellocchio.

Lezioni, corsi, dibattiti, comunicazioni di esperienze, di come si l cinema sono abbastanza comuni nei festival e nelle rassegne. Non si inventa più nulla se ci si limita a un titolo, la differenza sta nel come si realizza un progetto. E queste nostre Lezioni si distinguono per l'eccellenza dei maestri e per la scelta di un tema che può sembrare evangelico. L'Eroe Buono, con particolare riferimento a “L'Idiota” di Dostoevskij e al suo eroe, il principe Myskin, in realtà vuole contrapporsi a quella che è un’ideologia coerente e dominante, e cioè che gli uomini per natura non sono affatto buoni, che se non ci fossero le leggi si sbranerebbero tra loro, che ci salva la morale e il super-io e, al massimo del positivo, dagli uomini si può sperare una vita piena di conflitti, autoironica e un pò ridicola, un’ambiguità di fondo in cui coesistono il bene e il male e la differenza tra il normale e l’assassino è soltanto legata al caso, alle condizioni sociali, alla quantità di male che è comunque in ciascuno di noi. Pensare oggi a un essere umano naturalmente buono, tendente al bene sembra quasi un'ipotesi extraterrestre (religiosa appunto, Dio sta in cielo, in terra, in ogni luogo...), incomprensibile prima ancora che inaccettabile... Discutere sul principe Myskin, prendere l’Idiota come un personaggio oggetto di ispirazione e di discussione è già intrinsecamente una scelta di rottura... Anche se poi in effetti il marxismo proponeva (uso l’imperfetto per obiettività storica) una bontà umana originaria, da recuperare nel socialismo realizzato. Che poi come sappiamo non è accaduto. I maestri che parleranno di “bontà” e sicuramente anche del suo contrario, sempre a partire da Dostoevskij, non hanno bisogno di presentazioni. Sono: Harvey Keitel, Roberto Benigni, Antonio Albanese, Michele Placido e Domenico Starnone, Vincenzo Cerami, Nicola Piovani. Naturalmente lo spunto verrà elaborato e discusso e sperimentato per gli attori in un modo, per gli scrittori in un altro modo e per il compositore in un altro modo ancora. Queste lezioni sempre con temi diversi e con diversi maestri dovrebbero essere riprogrammate anche nella prossima edizione del festival e potenziate se è possibile, perché corrispondono alla linea generale di un festival che vive proprio di formazione, di partecipazione alla produzione, di discussione teorica, che vorrebbe insomma essere all'avanguardia della ricerca cinematografica e non solo uno spazio di esposizione di film.
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[[Categoria:1998]]

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Thomas:

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Thomas: /* Spazio Aperto */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Archivio del cinema indipendente italiano, con il contributo di: Presidenza del Consiglio dei Ministri, Dipartimento Spettacolo Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==
[[File:1997 Locandina Anteprima per il Cinema Indipendente Bellaria Film Festival.jpg|alt=Locandina disegnata da Mario Schifano|miniatura|Locandina Anteprima per il cinema indipendente italiano, 1997]]

=== Direzione artistica ===
Antonio Costa, Enrico Ghezzi, Morando Morandini, Roberto Silvestri

=== Direzione organizzativa ===
Gianfranco Miro Gori

=== Segreteria ===
Anna Gradara, Paola Gori, Antonio Tolo

=== Ufficio stampa ===
Marzia Milanesi

=== Amministrazione e servizi tecnici ===
Saverio Gori

=== Impaginazione cataloghi ===
Antonio Tolo, Catia Donini

=== Hanno collaborato ===
Catia Donini, Paola Gradara, Paolo Pagliarani, Mirko Ricci, Marco Tomasin

== Presentazione ==
Di Mara Garattoni, Assessore alla Cultura.

In questi anni si è osservata la nascita di festival del cinema indipendente in diverse regioni d'Italia, quasi si trattasse di una tendenza forse della ordinaria necessità di contenere la spesa, mentre nel 1983, quando Anteprima ha preso l'avvio, poche erano le rassegne che si occupavano di questo segmento di cinema. Oggi la manifestazione bellariese ha raggiunto una sua fisionomia e un ruolo significativo nel contesto nazionale. A Bellaria hanno presentato le loro opere prime giovani autori che ora sono affermati registi: Soldini, Segre, Lodoli, Ciprì e Maresco, Rezza... e ciò conferma la qualità del lavoro svolto. Fra gli obiettivi che Anteprima ha perseguito, due vanno particolarmente evidenziati: l'occasione di incontro fra giovani filmakers che hanno potuto disporre di una vetrina per le loro opere; e l'opportunità di confrontarsi con i maestri del nostro cinema e con i loro film d'esordio. Si pensi ai "compleanni" di Prima della rivoluzione di Bertolucci, de / pugni in tasca di Bellocchio, de La battaglia di Algeri di Pontecorvo, dei Sovversivi di Paolo e Vittorio Taviani nella presente edizione. Le retrospettive hanno proposto percorsi di lettura e spunti di ricerca attraverso libere rivisitazioni della cinematografia italiana e internazionale, al fine di indagare differenti orizzonti di conoscenza, e di aprirsi ad un confronto sul piano estetico, sul piano semantico e oltre. Quest'anno è la volta del cinema del 1967, l'anno di Blow up, La Cina è vicina, Lontano dal Vietnam... E' l'anno in cui si afferma il bisogno di sperimentare forme di arte e di vita libere dagli schemi della tradizione; con questa retrospettiva si intende suggerire uno sguardo problematico, magari anche perplesso sulle opere del primo underground italiano, esente da intenti nostalgici e celebrativi. Anteprima ha cercato di avviare un rapporto dialettico, talora critico, ironico o curioso con il passato, senza perdere di vista le espressioni del presente. Si tratta ora di aprire prospettive nuove per rafforzare i risultati raggiunti e per maturare il ruolo significativo riconosciuto alla nostra rassegna nel panorama del cinema indipendente. Si può ipotizzare che Anteprima, oltre che fornire la visibilità alle opere prime dei giovani registi, possa divenire un punto di riferimento anche di mercato per il cinema indipendente? E' plausibile immaginare un'opportunità di produzione e commercializzazione per gli autori? La formazione, lo studio, la sperimentazione possono sostanziare la valenza culturale d un festival? Probabilmente sì, se questo non si esaurisce con l'evento, con la vetrina, ma vengano avviate relazioni fra più soggetti: autori, Università, Archivio del cinema indipendente, associazioni impegnate nella promozione della cultura cinematografica. Il patrimonio culturale di Anteprima oggi necessita di un rafforzamento finanziario ed organizzativo per diversificare gli ambiti della ricerca, per sostenere esperienze, favorire contaminazioni con quei mondi che si raccordano intrinsecamente col cinema quali la musica, la narrativa, l'indagine sociale o antropologica, ma anche con i luoghi dell'arte e della poesia. Occorre allora approfondire la riflessione per animare un circuito di idee, di competenze, di esperienze che stimolano la tensione ideale, il coraggio artistico, la creatività dei giovani autori restituendo al cinema le sue straordinarie potenzialità espressive talvolta mortificate da un appiattimento diffuso e spesso povero di pensiero. Qualunque rielaborazione di progetto e di programma deve tuttavia individuare come proprio punto di forza il cinema indipendente, elemento qualificante di Anteprima, in una prospettiva che sappia coniugare le potenzialità positive del cambiamento con il senso della propria esperienza.

== Analisi di un disincanto ==
Di Morando Morandini.

Agli inizi degli anni Ottanta, quando si cominciò, eravamo soli. Riempire un vuoto, s'usa dire. Avevamo trovato/inventato uno spazio -soltanto una vetrina? - per il cinema indipendente. Lo sapevamo che la locuzione era approssimativa, incompleta, imprecisa (e il video?), ma in quindici anni non si è riusciti a trovarne un'altra. Negli anni Novanta siamo in tanti, su e giù per la penisola, ad arare lo stesso campo, e ci facciamo concorrenza. È un buon segno. Pur avendo i suoi inconvenienti, la concorrenza stimola. Impedisce di ripetersi, sedersi, adagiarsi, addormentarsi. Circostanza ancor più importante, la concorrenza indica la presenza crescente di un fenomeno, lo sviluppo di un'attività produttiva, se non un mercato, su un arco di artigianato che è più ampio e ha più sfumature di quel che si crede: si va dal dilettantismo più privato al lavoro collettivo, dalla libertà più anarchica (almeno a livello potenziale) alle committenze pubbliche di enti locali. Pur tralasciando le iniziative analoghe alla nostra, basta vedere quante sono le rassegne di “corti”. Il ritorno al cortometraggio di 35mm è un fenomeno interessante degli anni Novanta che non è stato ancora analizzato come merita anche perché - distaccandosi da una tradizione nefasta 0, comunque, riduttiva del cinema italiano, e delle leggi che l'hanno regolato - non ci si limita più al documentario, ma ci si cimenta con la “fiction” o con formule ibride. Passiamo alle cifre. Nel 1993 le opere - 0, come scherzosamente diciamo noia Bellaria, i "pezzi" - presentate per l'ammissione al concorso furono 220. Nel 1994, quando finalmente dall'ultima decade di agosto Anteprima si spostò all'inizio di giugno, il numero calò a una cifra di poco superiore alle 150. Era inevitabile: i filmakers, almeno quelli abituali, avevano avuto meno tempo per approntare i loro nuovi lavori. Nel 1996si arrivò a 202 “pezzi”. Quest'anno c'è stato un improvviso aumento sopra i 270 per un totale di circa 85. Il che corrisponde a una durata media di 15 minuti. Se si tiene conto che per il concorso i selezionatori avevano a disposizione circa dodici ore (“Anche meno, se vi riesce", ci dicevano quelli della direzione tecnica) si vede che il rapporto è di uno a sette. Quello della scelta non è un lavoro facile, direbbe il signor di La Palisse. Anche quest'anno, giunta alla 15° edizione, Anteprima propone quella che per abitudine e convenzione s'usa chiamare la cornice, e che negli ultimi anni ha rischiato di prevaricare sul quadro, cioè sul concorso, per l'attenzione - e i titoli - che le hanno dedicato i mass-media. Il che, non a torto, ha sollevato proteste, mugugni e lamentele degli autori in lizza per i due Gabbiani. Oltre ai film del premio Casa Rossa (che non è ancora, ma potrebbe diventarlo, il vero premio, il più ambito, per il cinema indipendente italiano nell'ambito dei lungometraggi su pellicola indirizzati a quel mercato delle sale dove spesso, invece, non riescono a penetrare) e ai video di 150 secondi del concorso a tema fisso (Un bel Po, tema di attualità una volta tanto), c'è la consueta "festa di compleanno" che, inaugurata nel 1994 con Prima della rivoluzione, tocca questa volta a Sovversivi a trent'anni dalla realizzazione. I festeggiati saranno i fratelli Paolo e Vittorio Taviani e i loro collaboratori. C'è la retrospettiva che quest'anno ha assorbito la sezione di mezzanotte, intitolata L'anno prima, inteso come il 1967. Con un pizzico di malignità nel suo giuoco d'anticipo, la rassegna intende aprire la strada quelle celebrazioni del Sessantotto che l'anno prossimo saranno organizzate da altri festival, ma soprattutto offrire piaceri, emozioni, occasioni di riflessione e di studio al pubblico di Anteprima, in modo particolare ai giovani filmakers, in concorso e non, che, invece, in passato non l'hanno frequentata come dovevano e potevano. È lo si vede dai film che fanno, aggiungerebbe un maligno. È giusto e necessario e inevitabile voltar pagina, ma non prima di averla letta e capita. C'è da dire, infatti, che durante il cosi lavoro di selezione vengono, complice la Stanchezza, i momenti di sconforto per la pochezza del materiale che arriva a Bellaria. In quei momenti ci si domanda: ma vanno al cinema? che film vedono? quali i loro registi preferiti? che libri leggono? che idee di cinema hanno in testa? come e da chi hanno imparato? In selezione si passa dai balbettii cine(video)amatoriali del più bieco minimalismo provinciale alle più dissennate velleità di globali metafore metafisiche. (Perla cronaca: i primi provengono soprattutto dal Nord, le seconde dal Sud). Emergono allo stato larvale i peggiori vizi del sedicente cinema d'autore che da vent'anni ha vivacchiato sul parassitismo sovvenzionato dell'articolo 28 e che tanto ha contribuito ad allontanare dalla produzione nazionale il pubblico delle sale. Senza impancarci a sociologi improvvisati della domenica, viene a galla un altro dato interessante e preoccupante, vista la giova- ne età media dei videomakers aspiranti al concorso: un diffuso disagio giovanile, un malessere che talvolta ha, in modo più o meno esplicito, concrete ragioni sociali (disoccupazione, difficoltà di trovare un posto, disaffezione e svogliatezza per lavori alienanti, umilianti e mal retribuiti), ma che più spesso ha ragioni esistenziali e ristagna in un disincanto, vicino alla depressione se non alla disperazione. Importa poco in questa sede stabilire in che misura questo malessere sia espresso in modi efficaci e con mezzi adeguati, senza ridursi a un compiaciuto “piangersi addosso" che, d'altronde, si riscontra anche in altri settori: è il rispecchiamento di una generazione, di una società, di un paese.

== Concorso anteprima ==

* [[AI confine tra il Missouri e la Garbatella]] di Carola Spadoni
* [[Altro da sé]] di Gerardo Forlenza
* [[Un angelo sulla pelle]] di Federico Olivetti
* [[Astratti furori]] di Antonio De Lucia, Enrico Venditti
* [[Ballata trash]] di Cristiano Palozzi, Antonella Sica
* [[Belli sciallati]] di Bruno Bigoni
* [[Bianco muove (vince in cinque mosse)]] di Filippo Bettelli
* [[Buongiorno Serbia]] di Massimo De Felice
* [[I cancelli della memoria]] di Osvaldo Verri
* [[La carne sulle ossa]] di Daniele Gaglianone
* [[100 anni]] di Nicola Barnaba
* [[Cold ground]] di Guido Santi
* [[Colpi]] di Enzo Procopio, Donato Di Bello
* [[Come una giornata]] di Alessandro Carpentieri
* [[La cura]] di Guido Giansoldati
* [[Destiny - Un pieno d'amicizia]] di Marco Bragaglia
* [[È I figli di Terror|I figli di Terror]] di Giuseppe Selva
* [[Una fumata di sigaretta]] di Saverio Cosentino
* [[Giorno]] di Giovanni Lucci
* [[Itinerarium]] di Mario Catto
* [[Kiss]] di Giovanni Bogani
* [[La matta dei fiori]] di Rolando Stefanelli
* [[Neve russa]] di Myrice Tansini
* [[La passeggiata dello Schizo]] di Monica Petracci, Lorenzo Bazzocchi
* [[Piccole epifanie berlinesi (Kleine Berliner Epiphanien)]] di Giorgio E. S. Ghisolfi
* [[The retreat (La ritirata)]] di Michele Mellara
* [[Rien ne va plus]] di Gian Luca Cozzolino
* [[Se il tuo occhio dà scandalo, cavalo!]] di Beniamino Catena
* [[Lo sfratto]] di Alessandra Pagano
* [[Solo per i tuoi occhi]] di Alessandro Amaducci
* [[Sta calando il soul]] di Licio Esposito
* [[Statici 5]] di Jacopo Quadri
* [[Una storia di amore in quattro capitoli e mezzo]] di Mariano Lamberti, Roberta Calandra
* [[A strange marriage]] di Filippo Piscopo, Lorena Luciano
* [[Unicuique suum (A ciascuno il suo)]] di Luca Olivieri

== Premio Casa Rossa ==

* [[Il caricatore]] di Eugenio Cappuccio, Massimo Gaudioso, Fabio Nunziata
* [[Escoriandoli]] di Antonio Rezza e Flavia Mastrella
* [[La freccia azzurra]] di Enzo D'Alò
* [[Gli occhi stanchi]] di Corso Salani
* [[Pizzicata]] di Edoardo Winspeare

== 150 secondi a tema fisso (Un bel Po) ==
Video in Concorso

* Profumo di Yuri Ancarani
* Creazion di Vito José Arena
* Chico de puta di Cristina Bernardi
* Esesà, esesà motrate mja (Nera, nera, sorella mia) di Cristina Bernardi
* Un po' di qua un po' di là di Andrea Busi
* Anche l'odiens è una questione d'onore di Alex De Luigi, Lorenzo Pecchioni
* Secondo piano di Ruggero Di Paola
* Fiumi di parole di Maurizio Failla
* Briosch di Giorgio Fipaldini, Giulio Innocenti
* Senza foce di Stefano Franceschetti, Cristiano Carloni
* Oltre il fiume di Stefano Giovagnoni
* Un bel po' ad caloig di Ivano Gobbi
* Porciepolli di Ivano Gobbi
* Un bel po di Giuliana Landoni
* Na mna side di Monia Lippi, Monica Petracci
* Un bel Po di Mainposa
* Il caffè di Andrea Minoglio
* Buio Omega 2 di Graziano Misuraca
* Cocatime di Luciano Monti
* Horror vacui di Luciano Monti
* Grr di Domenico Murdaca
* Il mattone di Antonio Nardelli
* Lo spiritoso di Luca Olivieri
* Ho “un bel po" e di Massimiliano Ottaviani
* N.B.D.D.R. Nel blu dipinto di rosso di Andrea Pellizzer
* Appunti sul Po per una possibile Medea di Sergio Porro
* Un bel po di Giovanni Raggi
* Capodanno sul delta di Giovanni Rubino
* Questione di scala di Dario Soldo
* Il brufolo di Edo Tagliavini
* L'io di Veronica Tanzi
* Ave verum corpus di Sandro Vasini

== Arti e Mestieri ==

* [[Caos: progetto 5/96]] di Leofreddi
* [[Consuetudine in formato di dittico]] di Manuel Frara
* [[Es Stiirmt]] di Stefano Cagol
* [[Facevo le nugatine]] di Adonella Marena
* [[Marc's polka]] di Biagio Gibilterra
* [[Nino Ventura - forme di terra e segni di colore]] di Antonio De Lucia
* [[Stanze]] di Massimo Cangiano, Francesca Nottoli, Luca Zoppi
* [[La storia]] di Esterina Milli Toja

== C'è poco da ridere ==

* [[Alzabarriera]] di Giacomo Ferrante
* [[Giorni d'estate]] di Fabio Del Greco
* [[Madness]] di Giulio Kinchmayr
* [[Milonga]] di Turi Greco
* [[Mimmo X]] di Diego Olivares, Carlo Luglio
* [[Il sole sul muro]] di Riccardo Bianchini
* [[Soluzione temporanea]] di Maurizio Mirai
* [[Studente modello]] di Alessandro Riccio, Ruggero di Paola
* [[Umana... ma non troppo]] di Domenico Caraccia
* [[L'urlo]] di Ruggero Di Paola

== Memorie e desideri (del cinema) ==
[[Caro Camillo]] di Luigi Simeone

[[Direttive dall'alto]] di Marcello Gori

[[Doom]] di Marco Pozzi

[[I frutti puri impazziscono]] di Marco Bertozzi

[[L'homme cinéma (L'uomo cinema)]] di Alessandro Carpentieri

[[Non sono partigiano del “non importa cosa, non importa come..." Henri Alekan, cineasta]] di Alessandro Barbadoro, Romano Guelfi

[[Parto]] di Rosario Compare

[[La professione e l'uomo]] di Francesco Bettin

[[R.S.V.P. (repondez s'il vous plaît)]] di Stefano Argentero, Rita Ghilardi, Maria Cristina Costa

[[Salaam cinema!]] di Andrea Calvo, Umberto Trichero

[[Una volta. Wim Wenders, le tracce dello sguardo]] di Giovanni Bogani

== 1967 L'anno prima ==
Il cinema sperimentale e industriale, l'emerso e il sommerso, del 1967. Anteprima cinema presenta una selezione parziale di questi film, realizzati allora, in ogni parte del mondo. 1967, un anno davvero particolare, non ancora vissuto pericolosamente. L'anno prima del '68. Eppure Jerry Rubin e Wilhelm Reich già sono stati tradotti da noi. E' il momento, in Italia, delle discussioni accanite tra i fans di Bella di giorno e di Blow up, tra quelli che rischiano il gioco al massacro della perversione estrema, della ‘personalità multipla dentro se stessi", o che giocano ancora con le perversioni cerebrali e il riequilibrio del soggetto, dell'lo scisso. 1967, è anche l'anno della nascita della Cooperativa Cinema Indipendente, affiliata al New American Cinema, disgustata dai modi di produzione industriali e affascinata dal progetto, narcisistico e politico, di rovesciare gli artisti dal piedistallo e scaraventare l'arte, situazionisticamente, nella vita dietro allo slogan: ‘siamo tutti tutti artisti’. 1967, l'anno della comparsa di La presa del potere di Luigi XIV (solo in tv) e L'Harem, La Cina è vicina e A ciascuno il suo, La bisbetica domata, il miglior film di Zeffirelli, e Edipo re, Lo straniero e II giardino delle delizie, l'esordio di Silvano Agosti. Il cinema colto e il cinema popolare vanno alla scissione. Incomunicabilità totale. L'industria italiana in mano a strani figuri ne risentirà, non sarà più in grado nei decenni successivi di assorbire i succhi creativi fertili e indipendenti, forse definitivamente. E' un momento magico, dentro e fuori le sale cinematografiche. L'Italia sta per vivere gli ultimi splendori della Cinecittà classica, che sarebbe già capace anzi, ma non se ne accorge e nessuno l'aiuta, di precorrere i tempi. | nostri sub-musical, western spaghetti, horror estremi, avventurosi visionari, film "alla 007", fantascientifici a budget zero, film-fumetto e polizieschi, per lo più coprodotti con la Francia, a basso costo e alto ingegno, sono testi sacri pop per i filmakers d'oltre manica più anticonformisti. Landis e Scorsese, Demme e Dante, Carpenter e Waters, Henenlotter e Bartel, Spielberg (che già vi vede ET. e Indiana Jones) e Lucas, coloro cioè che guideranno poco dopo l'immaginario, per la prima volta planetario, globalizzato, fino alla fine del secolo, intanto studiano, e prima di Quentin Tarantino, Lucio Fulci (Come rubammo la bomba atomica), Antonio Margheriti (La morte viene dal pianeta Aytin), Steno (Arriva Dorellik), Jess Franco (Agente speciale LK.), Giovanni Fago (Per 100 mila dollari ti ammazzo), Sergio Sollima (Faccia a faccia), Piero Vivarelli (Mister X), Riccardo Freda (Moresque, obiettivo allucinante e La morte non conta i dollari), Ugo Tognazzi (Il fischio al naso), Sergio Corbucci (Bersaglio mobile e | crudeli), e Vittorio Cottafavi, Mario Bava e Giulio Questi. Intanto. Siamo agli ultimi bagliori del crepuscolo hollywoodiano. Un attimo prima dell'insorgenza definitiva della "new Hollywood", della generazione dei decostruttivisti (Coppola, Altman, Woody Allen, Ashby, Peckinpah, Rafelson, SchatZberg, Pakula, Mulligan, Peerce, Pollack, Roy Hill...). E tenendo da parte chi fa cinema direttamente rivoluzionario: gli underground; lo spaesato britannico Boorman; Theodore). Flicker, il cineasta sostanzialmente di un solo film e punito per averlo realizzato come voleva; i newyorkesi volanti come Cassavetes che catturano il respiro asmatico e nevrotico della metropoli; Orson Welles e Jerry Lewis. Sono proprio nel loro momento più "cool" i grandi vecchi dello studio system, che hanno appena fatto, o gireranno tra breve, il loro ultimo film, come Cukor, Minnelli e Ford. Da Howard Hawks (E! Dorado) a Sam Fuller, da Nicholas Raya Billy Wilder, da Elia Kazan a Robert Aldrich (Quella sporca dozzina), da Blake Edwards (Gunn) a Anthony Mann, da Stanley Donen (Bedazzled) a Otto Preminger (Hurry Sundown), da Frank Tashlin (Caprice) a Charlie Chaplin (La contessa di Hong Kong), da Henry Hathaway (The last safari) a John Huston (Riflessi in un occhio d'oro), da Phil Karson (A time for killing) a Mitchel Leisen (Spree), da Anatole Litvak (La notte dei generali) a Don Siegel (Madigan), da John Sturges (Hour of the gun) a Leslie Martinson (Fathom), da Arthur Penn (Bonnie and Clyde) a Richard Brooks (A sangue freddo) e al "fuori gioco" Joseph Losey (L'incidente). Tranne quest'ultimo, definitivamente esiliato a Londra, sono cineasti che ci danno nel 1967 le loro opere più esizialmente perfette e curate, dai cromatismi e dal significato più barocchi, dai tempi perfetti: puro catalogo mozzafiato degli stereotipi, dei generi, delle seduzioni più glamour, dei movimenti di macchina più elaborati e delle tecniche prodigiose della Hollywood di fase bizantina (la Viennale del 1994 proprio al cinema "cool", quello realizzato nella decadenza di Hollywood, tra il 1958 e il 1968, data di nascita della “new Hollywood", ha dedicato la sua bellissima retrospettiva). Tutti quegli elementi sono pronti all'esplosione ma eccoli qui congelati, fermati nell'eternità, per sempre. Eppure, anche in quei capolavori della crisi, la magia del ‘deja vu' riesce: il racconto è mistero, l'immagine è sogno, l'onirismo insomma resta miracolosamente fluido e equilibrato, ogni dettaglio è studiatissimo. Manca l'errore. Mentre chi attacca Hollywood frontalmente cerca il jamais vu', squilibri, anarchie, errori, smascheramenti, rimasticamenti, decentramenti, ribaltamenti, innesti e confusioni di generi, disarmonie, distruzioni. Lo vedremo anche nelle opere di Snow, McBride, Goldman, Lewis, Boorman, Flicker, che valorizzeranno il superfluo invece del sostanziale, il doppio invece dell'originale, l'interpolazione invece del ‘filo conduttore’. Estrarranno, da immagini che disturbano e non consolano, il dolore, la violenza e la follia che nel genere ferreo della produzione in serie di sogni sono stati mimetizzati, occultati. E che intanto nella realtà, nella vita, nei ghetti neri esplodono, bruciano. Siccome l'ordine imperante è strutturalmente disordinato (già il ‘Rossellini televisivo' incolpava l'anarchia catastrofica dello sviluppo capitalista responsabile del genocidio per fame, facilmente evitabile date le risorse, della quasi intera umanità), si cercherà con l'arte, di introdurre caos nell'ordine lo scrive Adorno. Lo praticherà il controcinema, con maggiore rabbia Glauber Rocha, da allora fino alla sconfitta, un decennio dopo. Nasce e si esaurirà in quel decennio 1967-1977, infatti, anche il cinema militante. Chris Marker nel 1978 ne tesserà l'elogio funebre in Le fond de l'air est rouge, sottotitolo Scénes de la troisiéme guerre mondiale 1967-1977. Dando la palla, da allora, al consumatore di immagini liberato (almeno lui): che ordini in modo diverso gli elementi proposti, che non caschi più in alcun trabocchetto ideologico, etico, religioso, contenutista, formalista; che 4 inventi un immaginario interattivo attrezzato, fantasioso e non celibe. Poteva essere l'era della rivoluzione, è stata almeno l'era di David Lynch e Quentin Tarantino 1967. Viviamo intanto in Europa la miaturità delle nouvelles vagues -Francois Truffaut gira Farenheit 451 e diventa il regista francese numero uno, non è più outsider- penetrate anche nei luoghi più difficili da sconsacrare, come Bucarest, Mosca, Praga e Belgrado, nascono nouvelles vagues, con un po' di ritardo, perfino nel Medio Oriente e nel Bengala...Fassbinder deve ancora realizzare la sua opera prima. Abbiamo scelto qualcosa di ciò che fu prodotto in quell'anno anche dai tre mondi extraoccidentali (Glauber Rocha, Nagisa Oshima e Shohei Imamura, per esempio) o che arrivò in Italia in qualche modo. O di cui allora si discusse. Nei club off, come il Filmstudio di Roma, dove approdava prima o poi la produzione alternativa di tutto il mondo, ed erano di casa Straub, Warhol, Markopoulos, Mekas e Brakhage. O ciò che fu analizzato (e magari visto dal pubblico normale molto dopo o mai) nelle riviste di tendenza, come “Cinema e film," cui molto dobbiamo nella scelta di questi film, e che apparve folgorante proprio nel 1966-1967, come Echi del silenzio di Peter Goldman, che pure fu realizzato nel 1965, o il più visto Le Samourai di Jean Pierre Melville.

=== 1967, l'anno unico ===
Di Roberto Silvestri.

Come nei terremoti devastanti. Si spacca la terra, da una parte c'è il vecchio che ci abbandona per sempre, dall'altra c'è un nuovo magmatico e misterioso che avanza. In mezzo c'è il 1967 e qualche dinosauro sbruciacchiato dalla lava incandescente che, forse, sopravviverà e trasmetterà memoria genetica... L'antagonismo sociale dei primi giovani diseredati metropolitani, a Mosca come a Tokyo, ha già fatto sentire la sua voce, ma è ancora solo teppismo isolabile, facile da controllare e degradare a gang criminale. Sfugge il contro design del consumo soprattutto giovanile di massa, però, e criptici sono i segnali telepatici di comunicazione tra teenagers polimorfi che liberano i loro corpi, stranamente disincarnati, nel rock che dilata la coscienza, nel viaggio beat (dentro e fuori di sé), nella transmentalità lisergica, nel sesso zen, nelle religioni non comandate...del 1967 sono i seguenti film beat-rock: Catalina Caper di Lee Sholem con Little Richard, Clambakedi Arthur H. Nadel, Easy Come Easy Godi John Rich e Double trouble di Norman Taurog con Elvis Presley, il juke box musical C'mon let's live a little di David Butler con Jackie DeShannon e Bobby Vee, The cool ones di Gene Nelson con Glen Campbell, Don't make waves di Alexander Mackendrick con Claudia Cardinale e i Byrds, Four stars di Andy Warhol con i Velvet Underground, Good Times di William Friedkin con Sonny and Cher, The Greadful Dead di Robert Nelson, Here we go round the Mulberry Bush di Clive Donner con The Spencer Davis Group, How | win the war di Richard Lester con John Lennon, it's a bikini world di Stephanie Rothman e The Animals, Magical Mystery tour dei Beatles, Riot on Sunset Strip di Arthur Dreifuss con Chocolate Watch Band and The Standells, Separation di Jack Bond con i Procol Harum, Tonite let's all make love in London di Peter Whithead con Small Faces, The trip di Roger Corman con Mike Bloomfield, Up the Junction di Peter Collinson con Manfred Mann. Tanto per capire quale era la colonna sonora, tanto per ricordare l'Impero di Bandiera Gialla, di Renzo Arbore e Gianni Boncompagni. Il pianeta, inoltre, non accettava il bipolarismo. Rangoon e il movimento dei non allineati ricordano che non tutti i popoli, il vietnamita, per esempio, o l'indonesiano (appena sterminato: mezzo milione di persone) sono docili alle manovre delle multinazionali e dei suoi eserciti e che il modello delle “democrazie popolari" e della sovranità limitata sia iniquo e catastrofico, salta all'occhio di chiunque, a sinistra, e fin dall'inizio. Le lotte di fabbrica in tutto il mondo industriale, nei primi anni'60, hanno già dato lo ‘start', e il primo vero segnale inquietante. Una forza lavoro a basso costo e a professionalità zero, ma a circolarità mille, da sfruttare sadicamente ovunque, è diventata l'operaio massa multinazionale incontrollabile, soggetto antagonista che darà un bel filo da torcere: ispanico e nero in Usa; maghrebino, turco, italiano, spagnolo e portoghese in nord Europa. Un ‘mostro’ che cambierà il mondo, cercherà con le sue lotte di istillare un po' di civiltà responsabile ovunque, e farà tremare il vero Mostro, il Dominio del Capitale, privato, di stato o di corporation. Anche perché le operaie della casa, nel frattempo, fanno saltare anche l'ultimo luogo di comando del ‘maschio sposato con prole' creando non pochi problemi agli equilibri simbolici dei film a venire. Ma, nel 1967, il ‘mostro' sta solo per toccare la maniglia... Le nouvelles vagues nazionali, europee dell'est e dell'ovest, ma anche indiane, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente, da dieci anni, dal 1958, stanno intanto provocando un maremoto rovinoso, mentre l'immaginario africano emette i primi vagiti alternativi. Giovani filmakers ambiziosi e determinati, in cerca di aria pura e iconoclasti, visionari e pieni di talento, patricidi conseguenti, si sono sbarazzati della tecnica dei registi anziani, dei generi polverosi e abusati, dei modi di produzione rigidi e paralizzanti, della lavorazione in studio, del sistema divistico antiquato, della commedia che non fa più ridere, del dramma che non dà più emozioni. Dei cinema di papà autoritari, gerarchici, letterari, ottocenteschi. Hanno adisposizione armi teoriche raffinate per dichiararlo morto, sepolto dalla banalità. Il formalismo, lo strutturalismo e la semiologia. Il cinema di papà, analizzato, è smascherato. Falso, pericoloso, noioso, da museo. Hanno a disposizione tecnologie leggere per prescinderne. Ed ecco gettarsi, zavattinianamente, al fianco di Jean Rouch o dei fratelli Maysles, per le strade con troupe minimaliste e 16mm o 8mm o 35mm usati come ‘camera stylo', ‘cinema verità', cinema diretto, cinema personale... cinema che racconta un'altra realtà, lontana da quella tangibile, più chiara, individualmente: Andy Warhol ha un anno intenso: /, a man, Bike boy, Nude restaurant, Four star 24 hours movie e Imitation of Christ. Imitando i documentari sociali delle tv più critiche, come la BBC; portando l'osceno al livello della nostra comprensione critica, visto che la pornografia ha ormai diritto di accesso libero nelle nostre fantasie; cercando aria pura e fresca per sfuggire all'anidride carbonica delle immagini elettroniche intossicate. E non lavorano in nome del ‘nuovo', per uno spettatore che non c'è ancora, come fanno Straub e Godard, ma a cominciare dall'anno successivo, ma per rimettere a posto alcune cose vecchie da recuperare, restaurare. Le ‘avanguardie storiche', per esempio. Non sono bastate due guerre mondiali a cancellarle, a digerirle. Tutto ricomincia da Dziga Vertov, Vladimir Vladimirovic Majakovskji, Hans Eisler. Ricomincia da quel testo che Dusan Makavejev consegna ai critici assieme al suo film Uno questione di cuore. "Come un libro, il film deve essere letto tra le righe. E tra le righe non c'è nulla. Il mezzo è il messaggio. Non esistono grandi artisti che non abbiano provato a descrivere l'atto sessuale. Il problema era fare un film in cui avessero massima importanza il fascino della nullità, gli istanti senza senso, la gente che non pensa. Che fosse una storia d'amore simpatica, comica, semplice, buffa, erotica e un po' nevrotica, come ogni rapporto umano. L'immagine deve soddisfare lo spettatore, dargli la “gioia di vedere" e nient'altro. E il suono deve aggiungere a tutto ciò che è privato e grazioso una dimensione storica. Gli strutturalisti sono gentilmente pregati di far speciale attenzione ai seguenti elementi: a) i topi; b) il rapporto tra “signifié" e “signifiant"; c) la rivoluzione. ‘L'arte è tutto ciò che si può far passare come tale': Marshall McLuhan"(Dusan Makavejev).

=== I film ===

* [[The big mouth]] (Il ciarlatano) di Jerry Lewis
* [[La chinoise]] (La cinese) di Jean-Luc Godard
* [[La Cina è vicina]] di Marco Bellocchio
* [[Echoes of silence]] (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* [[Echoes of silence]] (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* [[Lapis]] di James Whitney
* [[Ljubavni Slucaj Ili Tragedija Sluzbenice P.T.T.]] (Un affare di cuore, ovvero la tragedia di una postelegrafonica) di Dusan Makavejev
* [[Loin du Viet Nam]] (Lontano dal Vietnam) di Alain Resnais, William Klein, Joris Ivens, Agnés Varda, Claude Lelouch, Jean-Luc Godard
* [[Marat/Sade]] di Peter Brook
* [[Nihon shunka-ko]] (Sulle canzoni sconce giapponesi) di Nagisa Oshima
* [[Ningen johatsu]] (Evaporazione dell'uomo) di Shohei Imamura
* [[Point Blank]] (Senza un attimo di tregua) di John Boorman
* [[The president's Analyst]] (La folle impresa del dottor Schaefer) di Theodore J. Flicker
* [[Privilege]] di Peter Watkins
* [[Le règne du jour]] (Il regno del giorno) di Pierre Perrault
* [[Terra em trance]] di Glauber Rocha
* [[Wavelenght]] (Lunghezza d'onda) di Michael Snow

== Aspettando il sessantotto ==

=== Alle origini dell'underground italiano ===
Di Antonio Costa

“Queste opere vivono nella memoria di chi le ha viste come macchine capaci di produrre illusione e desiderio". Queste parole di Vittorio Fagone (1990:182), critico d'arte che ha seguito con grande attenzione l'evoluzione dal cinema sperimentale alla videoarte, si riferiscono ai film di Gianfranco Baruchello. Il contesto è quello della stagione aurorale del cinema d'artista, cinema dei pittori (“una stagione che non mi vergogno di rimpiangere pubblicamente"), in cui oltre a Baruchello vengono citati, tra gli altri, Anna Lajolo, Guido Lombardi, Mario Schifano, Ugo Nespolo. Credo che si possano estendere anche a molti altri film che hanno segnato la nascita del film sperimentale italiano le parole di Fagone, che bene rendono il clima di quella stagione. Quella stagione, appunto. Quando comincia? E quando finisce? E ancora: quali sono i confini di quelle esperienze? Cosa si comprende sotto le varie etichette di cinema sperimentale, underground, d'artista, indipendente? La (non molta, in verità) letteratura sull'argomento ci ha trasmesso alcuni dati che finiamo per ritrovare ripetuti in ogni compilazione storiografica più o meno attendibile: dipendenza (se non altro dal punto di vista organizzativo) dal modello del cinema underground statunitense (la Cooperativa del Cinema Indipendente modellata sul NAC); prevalenza di singole poetiche e percorsi individuali piuttosto che autentico programma di gruppo; rapida evoluzione e crescita del movimento sessantottesco con conseguente disinteresse per gli esiti nel frattempo maturati sia individualmente che in gruppo. Una volta che si decida di ritornare -e le ragioni possono essere diverse, ma tutte ugualmente valide- su quella stagione, sui suoi protagonisti indipendentemente dai percorsi individuali successivamente compiuti, sui loro film e sui loro testi, ciò che emerge è un bisogno di esperienza di cinema. Come ricordava opportunamente Bacigalupo (1974), furono proprio i protagonisti della CCI i primi a far conoscere in Italia i film del NAC. E quindi esperienza del cinema altrui, ma soprattutto esperienza di un cinema da fare, al di fuori del cinema istituzionale. E inoltre esperienza di cinema che si confonde con altre esperienze: di vita e di arte. Insomma, il cinema visto come esperienza essenziale, necessaria: quasi una risposta a un imperativo interiore, ma non solo (il faut absolument étre moderne!). Uno dei tratti che più colpisce nel cinema underground italiano è la totale (o quasi) assenza di riferimenti a una tradizione sperimentale del cinema italiano che pure era esistita (Aprà 1975:157). Perché non conosciuta, dirà qualcuno. O semplicemente perché gli stimoli vennero da fuori, perché le fonti furono cercate altrove. Ma forse non fu senza conseguenze questa assenza di radicamento e di confronto con una tradizione propria. Non è un caso che qui a Bellaria insistiamo tanto, come stiamo facendo da alcuni anni, sulle esperienze degli anni Sessanta. Dopo la personale di Grifi e il cinema e i video del e sul Living Theatre (con una notevole selezione dei film di Alfredo Leonardi), proponiamo quest'anno le prime esperienze di Bacigalupo, Baruchello, De Bernardi, Schifano, Nespolo, Adamo Vergine e Pia Epremiam. Questa sistematica rivisitazione che abbiamo cominciato e continuiamo (e continueremo, se possibile) a fare, vuole (vorrebbe) essere un'occasione per stabilire un rapporto con il passato (più o meno prossimo): un rapporto problematico, magari anche critico, non certo celebrativo e rituale. Tant'è vero che nella nostra proposta che quest'anno è focalizzata sull'anno 1967, l'anno "prima della rivoluzione" è compreso non solo il cinema underground italiano, ma un panorama di più ampio respiro che comprende alcuni dei punti più avanzati della ricerca internazionale. Proponendo le “vedute di un anno", il 1967, con qualche piccolo -e motivato- sconfinamento avanti o indietro, si è voluto mostrare allo "statu nascenti" un fenomeno che conoscerà ben altri sviluppi, collegamenti e accelerazioni l'anno successivo. Ma è probabilmente nel tempo della vigilia che meglio si possono vedere radici, rapporti di parentela e di filiazione, cogliere il fenomeno nella sua complessità. Questo dovrebbe mettere al riparo da mitizzazioni, atteggiamenti celebrativi. E preparare le condizioni, quando sarà il momento, per un approccio non superficiale con l'anno 1968.

=== Massimo Bacigalupo ===

* [[Quasi una tangente]] - 1966
* [[60 metri per il 31 marzo]] - 1968

=== Gianfranco Baruchello ===

* [[Costretto a scomparire]] - 1967-68
* [[Perforce]] - 1967-68
* [[Complemento di colpa]] - 1967-68
* [[Non accaduto]] - 1967-68
* [[Norme per gli olocausti]] - 1967-68
* [[Per una giornata di malumore nazionale]] - 1967-68

=== Tonino De Bernardi ===

* [[Cronache del sentimento e del sogno]] - 1968

=== Pia Epremian ===

* [[Epremian e Gigliola]] (Dissolvimento)

=== Anna Lajolo e Guido Lombardi ===

* [[D - Non diversi giorni si pensa splendessero alle prime origini del nascente mondo o che avessero temperatura diversa]] - 1969

=== Ugo Nespolo ===

* [[La galante avventura del cavaliere dal lieto volto]] - 1966/67
* [[Le gote in fiamme]] - 1967

=== Luca Patella ===

* [[Terra animata]] - 1967
* [[Intorno-fuori. Materiale per camminare]] - 1967
* [[Fanimesto-Manifesto, oggettivo-razionale, soggettivo-irrazionale]] - 1966

=== Mario Schifano ===

* Serata
* Ricordo
* Anna Karina in agosto vista dalle farfalle
* Jean-Luc Cinema Godard

=== Adamo Vergine ===
[[Espiazione]] - 1968

== Spazio Aperto ==

* [[Against]] di Paolo Sabbatini
* [[L'agguato]] di Claudio Balestri, Nicola Zanobi
* [[Aloha!]] di Corrado Bernanzioli
* [[Amore cieco]] di Simone Mazzetti
* [[Un anno dopo]] di Massimiliano Mauceri
* [[L'ascensore]] di Gianni Del Corral
* [[Attenti al lupo]] di Andrea Di Luzio
* [[Autoscontro]] di Giancarlo Campagnani
* [[Avevo un appuntamento]] di Alessandro Pinto
* [[Bellinquadro]] di Francesco Azzini
* [[Una bionda suonò alla porta]] di Marco Catalucci
* [[Un brontolio di tuono sgretola l'altezza della notte]] di Annamaria Murdocca
* [[Buio obbligato]] di Andrea Di Luzio
* [[C'est la vie]] di Silvano Plank
* [[Il cappello]] di Lorisa Andreoli, Stefano Wiel
* [[Catastrofe]] di Francesco Brandi
* [[Catena]] di Luca Coeli
* [[La cena]] di Simone Ligabue, Stefano Pini
* [[Chi]] di Guglielmo Finazzer
* [[La chiave per il mare]] di Dario Ballantini
* [[Chiodi]] di Carlo Tombola, Corrado Benanzioli
* [[Clichè]] di Marcel Cordeiro, Barbara Pederzoli
* [[Colori nella Laguna]] di Antonello Chiaramida
* [[La corsa degli zingari]] di Pasquale Di lanni
* [[La cura]] di Simona Martella, Francesco Cappa
* [[Dialettica della leggerezza]] di Gianfranco Boiani, Paola D'Ignazi
* [[Driftin']] di Gianmarco Torri
* [[Due storie morali]] di Renato Maria Rogari
* [[È mpoze]] di Domenico Salierno
* [[L'equivoco]] di Daniele Marcovecchio
* [[L'esame]] di Sergio Seravalli
* [[Ex voto]] di Armando Tinnirello
* [[Una famiglia molto rispettabile]] di Roberto Romeo
* [[Fat funeral]] di Marta Storti, Maria Grazia Saccà
* [[Fatte a mano - case e cose della valle di Suessola]] di Fulvio De Lucia
* [[Finalmente persone]] di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* [[Fine]] di Salvatore Vitiello
* [[Forse per caso]] di Domenico Caraccia
* [[Fuoco fatuo]] di Davide Pensalfini
* [[Fuori orario]] di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* [[Il giudice]] di Andrea Busi, Armando Mozzetta
* [[Giuseppe Scarabelli e il Museo di Geologia e Preistoria di Imola]] di Carlo Sarti
* [[La giusta causa]] di Gloria Pera
* [[La goccia e il vetro]] di Giuseppe Marcoli
* [[Gommismo LCW 2630]] di Marco Bongiovanni, Stefano Ricci
* [[Gorgheggi]] di Antonio Marino
* [[Il grido del cuore]] di Paola Amadesi
* [[Haircut (taglio di capelli)]] di Matteo Di Guida
* [[In un attimo]] di Riccardo Costa
* [[L'indifferenza]] di Michele Rosania
* [[Infezione e immunità]] di Vivian Tullio
* [[lonas]] di Armando Festa
* [[It's a Blue Blue Day]] di Graziano Misuraca
* [[L'italiota]] di Federico Rizzo
* [[U iurnatieri]] di Franco Turdo
* [[Lettera da Corniglio]] di Giovanni Martinelli
* [[Lettera 32]] di Alessandro Errico
* [[Liberi e belli, ovvero, Del fardello del capello]] di Beppe Anderi, Filippo Loro
* [[Lovstori]] di Alessandro Avellis
* [[Il macchinista]] di Michele Banzato
* [[Matrjosca]] di Mainposa
* [[Mezzanotte e due]] di Valter Bucoli
* [[Momenti in movimento]] di Alberto Sant'Elia
* [[Mondavio, rievocazione storica dell'antica caccia al cinghiale]] di Loretta Dalola
* [[Il mondo non oggettivo]] di Gennaro Aquino
* [[Il muro]] di Enrico Satta
* [[Napoli 2020]] di Rosario Gallone
* [[Non ti crucciar ma portami dall'altra sponda (oh, oh)]] di Corrado Ardone
* [[Nosside]] di Carmelo Milone
* [[Oltre le pareti]] di Roberto Romeo
* [[Ombre]] di Ivan Zuccon
* [[Opera]] al rosso di Antonio Meucci
* [[Orpo!]] di Gabriele Albanesi
* [[L'ospite]] di Domenico Caraccia
* [[Out]] di Michele Carillo
* [[Paulin au Lido de Venise]] di Federico Rizzo
* [[Per amore solo per amore]] di Davide Di Gandolfo
* [[Percorso di guerra]] di Frida Aimme
* [[Peter Pan]] di Nicola Zanobi
* [[Play-TV]] di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* [[Il pozzo]] di Gabriele Grotto
* [[Presenze]] di Antonella Gandini
* [[The Price of Freedom]] di Ayumu Jibuta
* [[Una prova]] di Lavinia Rosso
* [[Prozac e Anafranil]] di Nicola Nannavecchia
* [[Il punto nero]] di Ciro Tortorella
* [[Q 25]] di Roberto Bartoli
* [[Questione di tempo]] di Oscar Sartori
* [[Quinto non uccidere]] di Giuseppe Coco
* [[Regina sui Sette Fratelli]] di Antonello Chiaramida
* [[Il regno dei piccioni]] di Marta Mambriani
* [[Rifiuti in campana]] di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* [[Riflessi di morte]] di Mario Tani
* [[Ritrovato]] di Francesca Peruzzi
* [[Riverberi]] di Elisabetta Filocamo
* [[Rose perdute]] di Silvano Plank
* [[Sarajlije]] di Alessandro Viani
* [[Secu]] di Luca Scivoletto
* [[Senza titolo]] di Davide Guerrini
* [[Il sesto giorno]] di Sergio Salvano
* [[Settepensieri]] di Giorgio Sabbatini
* [[Sille]] di Tommaso Ortino
* [[Sogni senza fissa dimora]] di Maurizio Maliore
* [[Sogno di un insonne]] di Cristian Granata
* [[Sogno solito di un insolito amore]] di Nicola Falcinella
* [[Lo spettacolo più bello del mondo]] di Egale Cerroni
* [[La spilla]] di Giancarlo Chiappani
* [[Stasera non esco]] di Francesco Minarini
* [[Stelle cadenti]] di Domenico Caraccia
* [[Le stelle di giorno]] di Lauro Crociani
* [[Storielle]] di Barbara Rossi Prudente, Michele Carillo
* [[Il tempo dei Tabarri]] di Maffeo D'Arcole
* [[Teneri barbari]] di Marco Boni
* [[La tigre dai denti a sciabola]] di Antonio Pedicini
* [[Titti e Silvestro (una storia penosa)]] di Giorgio Bonecchi Borgazzi, Marco Borroni
* [[La tunica]] di Federico Rizzo
* [[Turni]] di Brunella Audello, Vittorio Dabbene
* [[Tutti chi?]] di Alfonso Sabba
* [[Urbino memoriale]] di Cristiano Carloni, Stefano Franceschetti
* [[Via]] di Giovanni Bogani
* [[Il viaggio]] di Emanuele Miceli
* [[Il virus]] di Vito Dinatolo
* [[Vuoti a perdere]] di Roberto Campagna, Elena De Rosa
* [[L'atleta]] di Alessandro Bertani, Alberto Soncini
* [[Willer Angst]] di Guglielmo Finazzer
* [[Working Time at School]] di Federico Rizzo

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1997]]

1997

2025-03-18T12:36:22Z

Thomas: /* Spazio Aperto */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Archivio del cinema indipendente italiano, con il contributo di: Presidenza del Consiglio dei Ministri, Dipartimento Spettacolo Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==
[[File:1997 Locandina Anteprima per il Cinema Indipendente Bellaria Film Festival.jpg|alt=Locandina disegnata da Mario Schifano|miniatura|Locandina Anteprima per il cinema indipendente italiano, 1997]]

=== Direzione artistica ===
Antonio Costa, Enrico Ghezzi, Morando Morandini, Roberto Silvestri

=== Direzione organizzativa ===
Gianfranco Miro Gori

=== Segreteria ===
Anna Gradara, Paola Gori, Antonio Tolo

=== Ufficio stampa ===
Marzia Milanesi

=== Amministrazione e servizi tecnici ===
Saverio Gori

=== Impaginazione cataloghi ===
Antonio Tolo, Catia Donini

=== Hanno collaborato ===
Catia Donini, Paola Gradara, Paolo Pagliarani, Mirko Ricci, Marco Tomasin

== Presentazione ==
Di Mara Garattoni, Assessore alla Cultura.

In questi anni si è osservata la nascita di festival del cinema indipendente in diverse regioni d'Italia, quasi si trattasse di una tendenza forse della ordinaria necessità di contenere la spesa, mentre nel 1983, quando Anteprima ha preso l'avvio, poche erano le rassegne che si occupavano di questo segmento di cinema. Oggi la manifestazione bellariese ha raggiunto una sua fisionomia e un ruolo significativo nel contesto nazionale. A Bellaria hanno presentato le loro opere prime giovani autori che ora sono affermati registi: Soldini, Segre, Lodoli, Ciprì e Maresco, Rezza... e ciò conferma la qualità del lavoro svolto. Fra gli obiettivi che Anteprima ha perseguito, due vanno particolarmente evidenziati: l'occasione di incontro fra giovani filmakers che hanno potuto disporre di una vetrina per le loro opere; e l'opportunità di confrontarsi con i maestri del nostro cinema e con i loro film d'esordio. Si pensi ai "compleanni" di Prima della rivoluzione di Bertolucci, de / pugni in tasca di Bellocchio, de La battaglia di Algeri di Pontecorvo, dei Sovversivi di Paolo e Vittorio Taviani nella presente edizione. Le retrospettive hanno proposto percorsi di lettura e spunti di ricerca attraverso libere rivisitazioni della cinematografia italiana e internazionale, al fine di indagare differenti orizzonti di conoscenza, e di aprirsi ad un confronto sul piano estetico, sul piano semantico e oltre. Quest'anno è la volta del cinema del 1967, l'anno di Blow up, La Cina è vicina, Lontano dal Vietnam... E' l'anno in cui si afferma il bisogno di sperimentare forme di arte e di vita libere dagli schemi della tradizione; con questa retrospettiva si intende suggerire uno sguardo problematico, magari anche perplesso sulle opere del primo underground italiano, esente da intenti nostalgici e celebrativi. Anteprima ha cercato di avviare un rapporto dialettico, talora critico, ironico o curioso con il passato, senza perdere di vista le espressioni del presente. Si tratta ora di aprire prospettive nuove per rafforzare i risultati raggiunti e per maturare il ruolo significativo riconosciuto alla nostra rassegna nel panorama del cinema indipendente. Si può ipotizzare che Anteprima, oltre che fornire la visibilità alle opere prime dei giovani registi, possa divenire un punto di riferimento anche di mercato per il cinema indipendente? E' plausibile immaginare un'opportunità di produzione e commercializzazione per gli autori? La formazione, lo studio, la sperimentazione possono sostanziare la valenza culturale d un festival? Probabilmente sì, se questo non si esaurisce con l'evento, con la vetrina, ma vengano avviate relazioni fra più soggetti: autori, Università, Archivio del cinema indipendente, associazioni impegnate nella promozione della cultura cinematografica. Il patrimonio culturale di Anteprima oggi necessita di un rafforzamento finanziario ed organizzativo per diversificare gli ambiti della ricerca, per sostenere esperienze, favorire contaminazioni con quei mondi che si raccordano intrinsecamente col cinema quali la musica, la narrativa, l'indagine sociale o antropologica, ma anche con i luoghi dell'arte e della poesia. Occorre allora approfondire la riflessione per animare un circuito di idee, di competenze, di esperienze che stimolano la tensione ideale, il coraggio artistico, la creatività dei giovani autori restituendo al cinema le sue straordinarie potenzialità espressive talvolta mortificate da un appiattimento diffuso e spesso povero di pensiero. Qualunque rielaborazione di progetto e di programma deve tuttavia individuare come proprio punto di forza il cinema indipendente, elemento qualificante di Anteprima, in una prospettiva che sappia coniugare le potenzialità positive del cambiamento con il senso della propria esperienza.

== Analisi di un disincanto ==
Di Morando Morandini.

Agli inizi degli anni Ottanta, quando si cominciò, eravamo soli. Riempire un vuoto, s'usa dire. Avevamo trovato/inventato uno spazio -soltanto una vetrina? - per il cinema indipendente. Lo sapevamo che la locuzione era approssimativa, incompleta, imprecisa (e il video?), ma in quindici anni non si è riusciti a trovarne un'altra. Negli anni Novanta siamo in tanti, su e giù per la penisola, ad arare lo stesso campo, e ci facciamo concorrenza. È un buon segno. Pur avendo i suoi inconvenienti, la concorrenza stimola. Impedisce di ripetersi, sedersi, adagiarsi, addormentarsi. Circostanza ancor più importante, la concorrenza indica la presenza crescente di un fenomeno, lo sviluppo di un'attività produttiva, se non un mercato, su un arco di artigianato che è più ampio e ha più sfumature di quel che si crede: si va dal dilettantismo più privato al lavoro collettivo, dalla libertà più anarchica (almeno a livello potenziale) alle committenze pubbliche di enti locali. Pur tralasciando le iniziative analoghe alla nostra, basta vedere quante sono le rassegne di “corti”. Il ritorno al cortometraggio di 35mm è un fenomeno interessante degli anni Novanta che non è stato ancora analizzato come merita anche perché - distaccandosi da una tradizione nefasta 0, comunque, riduttiva del cinema italiano, e delle leggi che l'hanno regolato - non ci si limita più al documentario, ma ci si cimenta con la “fiction” o con formule ibride. Passiamo alle cifre. Nel 1993 le opere - 0, come scherzosamente diciamo noia Bellaria, i "pezzi" - presentate per l'ammissione al concorso furono 220. Nel 1994, quando finalmente dall'ultima decade di agosto Anteprima si spostò all'inizio di giugno, il numero calò a una cifra di poco superiore alle 150. Era inevitabile: i filmakers, almeno quelli abituali, avevano avuto meno tempo per approntare i loro nuovi lavori. Nel 1996si arrivò a 202 “pezzi”. Quest'anno c'è stato un improvviso aumento sopra i 270 per un totale di circa 85. Il che corrisponde a una durata media di 15 minuti. Se si tiene conto che per il concorso i selezionatori avevano a disposizione circa dodici ore (“Anche meno, se vi riesce", ci dicevano quelli della direzione tecnica) si vede che il rapporto è di uno a sette. Quello della scelta non è un lavoro facile, direbbe il signor di La Palisse. Anche quest'anno, giunta alla 15° edizione, Anteprima propone quella che per abitudine e convenzione s'usa chiamare la cornice, e che negli ultimi anni ha rischiato di prevaricare sul quadro, cioè sul concorso, per l'attenzione - e i titoli - che le hanno dedicato i mass-media. Il che, non a torto, ha sollevato proteste, mugugni e lamentele degli autori in lizza per i due Gabbiani. Oltre ai film del premio Casa Rossa (che non è ancora, ma potrebbe diventarlo, il vero premio, il più ambito, per il cinema indipendente italiano nell'ambito dei lungometraggi su pellicola indirizzati a quel mercato delle sale dove spesso, invece, non riescono a penetrare) e ai video di 150 secondi del concorso a tema fisso (Un bel Po, tema di attualità una volta tanto), c'è la consueta "festa di compleanno" che, inaugurata nel 1994 con Prima della rivoluzione, tocca questa volta a Sovversivi a trent'anni dalla realizzazione. I festeggiati saranno i fratelli Paolo e Vittorio Taviani e i loro collaboratori. C'è la retrospettiva che quest'anno ha assorbito la sezione di mezzanotte, intitolata L'anno prima, inteso come il 1967. Con un pizzico di malignità nel suo giuoco d'anticipo, la rassegna intende aprire la strada quelle celebrazioni del Sessantotto che l'anno prossimo saranno organizzate da altri festival, ma soprattutto offrire piaceri, emozioni, occasioni di riflessione e di studio al pubblico di Anteprima, in modo particolare ai giovani filmakers, in concorso e non, che, invece, in passato non l'hanno frequentata come dovevano e potevano. È lo si vede dai film che fanno, aggiungerebbe un maligno. È giusto e necessario e inevitabile voltar pagina, ma non prima di averla letta e capita. C'è da dire, infatti, che durante il cosi lavoro di selezione vengono, complice la Stanchezza, i momenti di sconforto per la pochezza del materiale che arriva a Bellaria. In quei momenti ci si domanda: ma vanno al cinema? che film vedono? quali i loro registi preferiti? che libri leggono? che idee di cinema hanno in testa? come e da chi hanno imparato? In selezione si passa dai balbettii cine(video)amatoriali del più bieco minimalismo provinciale alle più dissennate velleità di globali metafore metafisiche. (Perla cronaca: i primi provengono soprattutto dal Nord, le seconde dal Sud). Emergono allo stato larvale i peggiori vizi del sedicente cinema d'autore che da vent'anni ha vivacchiato sul parassitismo sovvenzionato dell'articolo 28 e che tanto ha contribuito ad allontanare dalla produzione nazionale il pubblico delle sale. Senza impancarci a sociologi improvvisati della domenica, viene a galla un altro dato interessante e preoccupante, vista la giova- ne età media dei videomakers aspiranti al concorso: un diffuso disagio giovanile, un malessere che talvolta ha, in modo più o meno esplicito, concrete ragioni sociali (disoccupazione, difficoltà di trovare un posto, disaffezione e svogliatezza per lavori alienanti, umilianti e mal retribuiti), ma che più spesso ha ragioni esistenziali e ristagna in un disincanto, vicino alla depressione se non alla disperazione. Importa poco in questa sede stabilire in che misura questo malessere sia espresso in modi efficaci e con mezzi adeguati, senza ridursi a un compiaciuto “piangersi addosso" che, d'altronde, si riscontra anche in altri settori: è il rispecchiamento di una generazione, di una società, di un paese.

== Concorso anteprima ==

* [[AI confine tra il Missouri e la Garbatella]] di Carola Spadoni
* [[Altro da sé]] di Gerardo Forlenza
* [[Un angelo sulla pelle]] di Federico Olivetti
* [[Astratti furori]] di Antonio De Lucia, Enrico Venditti
* [[Ballata trash]] di Cristiano Palozzi, Antonella Sica
* [[Belli sciallati]] di Bruno Bigoni
* [[Bianco muove (vince in cinque mosse)]] di Filippo Bettelli
* [[Buongiorno Serbia]] di Massimo De Felice
* [[I cancelli della memoria]] di Osvaldo Verri
* [[La carne sulle ossa]] di Daniele Gaglianone
* [[100 anni]] di Nicola Barnaba
* [[Cold ground]] di Guido Santi
* [[Colpi]] di Enzo Procopio, Donato Di Bello
* [[Come una giornata]] di Alessandro Carpentieri
* [[La cura]] di Guido Giansoldati
* [[Destiny - Un pieno d'amicizia]] di Marco Bragaglia
* [[È I figli di Terror|I figli di Terror]] di Giuseppe Selva
* [[Una fumata di sigaretta]] di Saverio Cosentino
* [[Giorno]] di Giovanni Lucci
* [[Itinerarium]] di Mario Catto
* [[Kiss]] di Giovanni Bogani
* [[La matta dei fiori]] di Rolando Stefanelli
* [[Neve russa]] di Myrice Tansini
* [[La passeggiata dello Schizo]] di Monica Petracci, Lorenzo Bazzocchi
* [[Piccole epifanie berlinesi (Kleine Berliner Epiphanien)]] di Giorgio E. S. Ghisolfi
* [[The retreat (La ritirata)]] di Michele Mellara
* [[Rien ne va plus]] di Gian Luca Cozzolino
* [[Se il tuo occhio dà scandalo, cavalo!]] di Beniamino Catena
* [[Lo sfratto]] di Alessandra Pagano
* [[Solo per i tuoi occhi]] di Alessandro Amaducci
* [[Sta calando il soul]] di Licio Esposito
* [[Statici 5]] di Jacopo Quadri
* [[Una storia di amore in quattro capitoli e mezzo]] di Mariano Lamberti, Roberta Calandra
* [[A strange marriage]] di Filippo Piscopo, Lorena Luciano
* [[Unicuique suum (A ciascuno il suo)]] di Luca Olivieri

== Premio Casa Rossa ==

* [[Il caricatore]] di Eugenio Cappuccio, Massimo Gaudioso, Fabio Nunziata
* [[Escoriandoli]] di Antonio Rezza e Flavia Mastrella
* [[La freccia azzurra]] di Enzo D'Alò
* [[Gli occhi stanchi]] di Corso Salani
* [[Pizzicata]] di Edoardo Winspeare

== 150 secondi a tema fisso (Un bel Po) ==
Video in Concorso

* Profumo di Yuri Ancarani
* Creazion di Vito José Arena
* Chico de puta di Cristina Bernardi
* Esesà, esesà motrate mja (Nera, nera, sorella mia) di Cristina Bernardi
* Un po' di qua un po' di là di Andrea Busi
* Anche l'odiens è una questione d'onore di Alex De Luigi, Lorenzo Pecchioni
* Secondo piano di Ruggero Di Paola
* Fiumi di parole di Maurizio Failla
* Briosch di Giorgio Fipaldini, Giulio Innocenti
* Senza foce di Stefano Franceschetti, Cristiano Carloni
* Oltre il fiume di Stefano Giovagnoni
* Un bel po' ad caloig di Ivano Gobbi
* Porciepolli di Ivano Gobbi
* Un bel po di Giuliana Landoni
* Na mna side di Monia Lippi, Monica Petracci
* Un bel Po di Mainposa
* Il caffè di Andrea Minoglio
* Buio Omega 2 di Graziano Misuraca
* Cocatime di Luciano Monti
* Horror vacui di Luciano Monti
* Grr di Domenico Murdaca
* Il mattone di Antonio Nardelli
* Lo spiritoso di Luca Olivieri
* Ho “un bel po" e di Massimiliano Ottaviani
* N.B.D.D.R. Nel blu dipinto di rosso di Andrea Pellizzer
* Appunti sul Po per una possibile Medea di Sergio Porro
* Un bel po di Giovanni Raggi
* Capodanno sul delta di Giovanni Rubino
* Questione di scala di Dario Soldo
* Il brufolo di Edo Tagliavini
* L'io di Veronica Tanzi
* Ave verum corpus di Sandro Vasini

== Arti e Mestieri ==

* [[Caos: progetto 5/96]] di Leofreddi
* [[Consuetudine in formato di dittico]] di Manuel Frara
* [[Es Stiirmt]] di Stefano Cagol
* [[Facevo le nugatine]] di Adonella Marena
* [[Marc's polka]] di Biagio Gibilterra
* [[Nino Ventura - forme di terra e segni di colore]] di Antonio De Lucia
* [[Stanze]] di Massimo Cangiano, Francesca Nottoli, Luca Zoppi
* [[La storia]] di Esterina Milli Toja

== C'è poco da ridere ==

* [[Alzabarriera]] di Giacomo Ferrante
* [[Giorni d'estate]] di Fabio Del Greco
* [[Madness]] di Giulio Kinchmayr
* [[Milonga]] di Turi Greco
* [[Mimmo X]] di Diego Olivares, Carlo Luglio
* [[Il sole sul muro]] di Riccardo Bianchini
* [[Soluzione temporanea]] di Maurizio Mirai
* [[Studente modello]] di Alessandro Riccio, Ruggero di Paola
* [[Umana... ma non troppo]] di Domenico Caraccia
* [[L'urlo]] di Ruggero Di Paola

== Memorie e desideri (del cinema) ==
[[Caro Camillo]] di Luigi Simeone

[[Direttive dall'alto]] di Marcello Gori

[[Doom]] di Marco Pozzi

[[I frutti puri impazziscono]] di Marco Bertozzi

[[L'homme cinéma (L'uomo cinema)]] di Alessandro Carpentieri

[[Non sono partigiano del “non importa cosa, non importa come..." Henri Alekan, cineasta]] di Alessandro Barbadoro, Romano Guelfi

[[Parto]] di Rosario Compare

[[La professione e l'uomo]] di Francesco Bettin

[[R.S.V.P. (repondez s'il vous plaît)]] di Stefano Argentero, Rita Ghilardi, Maria Cristina Costa

[[Salaam cinema!]] di Andrea Calvo, Umberto Trichero

[[Una volta. Wim Wenders, le tracce dello sguardo]] di Giovanni Bogani

== 1967 L'anno prima ==
Il cinema sperimentale e industriale, l'emerso e il sommerso, del 1967. Anteprima cinema presenta una selezione parziale di questi film, realizzati allora, in ogni parte del mondo. 1967, un anno davvero particolare, non ancora vissuto pericolosamente. L'anno prima del '68. Eppure Jerry Rubin e Wilhelm Reich già sono stati tradotti da noi. E' il momento, in Italia, delle discussioni accanite tra i fans di Bella di giorno e di Blow up, tra quelli che rischiano il gioco al massacro della perversione estrema, della ‘personalità multipla dentro se stessi", o che giocano ancora con le perversioni cerebrali e il riequilibrio del soggetto, dell'lo scisso. 1967, è anche l'anno della nascita della Cooperativa Cinema Indipendente, affiliata al New American Cinema, disgustata dai modi di produzione industriali e affascinata dal progetto, narcisistico e politico, di rovesciare gli artisti dal piedistallo e scaraventare l'arte, situazionisticamente, nella vita dietro allo slogan: ‘siamo tutti tutti artisti’. 1967, l'anno della comparsa di La presa del potere di Luigi XIV (solo in tv) e L'Harem, La Cina è vicina e A ciascuno il suo, La bisbetica domata, il miglior film di Zeffirelli, e Edipo re, Lo straniero e II giardino delle delizie, l'esordio di Silvano Agosti. Il cinema colto e il cinema popolare vanno alla scissione. Incomunicabilità totale. L'industria italiana in mano a strani figuri ne risentirà, non sarà più in grado nei decenni successivi di assorbire i succhi creativi fertili e indipendenti, forse definitivamente. E' un momento magico, dentro e fuori le sale cinematografiche. L'Italia sta per vivere gli ultimi splendori della Cinecittà classica, che sarebbe già capace anzi, ma non se ne accorge e nessuno l'aiuta, di precorrere i tempi. | nostri sub-musical, western spaghetti, horror estremi, avventurosi visionari, film "alla 007", fantascientifici a budget zero, film-fumetto e polizieschi, per lo più coprodotti con la Francia, a basso costo e alto ingegno, sono testi sacri pop per i filmakers d'oltre manica più anticonformisti. Landis e Scorsese, Demme e Dante, Carpenter e Waters, Henenlotter e Bartel, Spielberg (che già vi vede ET. e Indiana Jones) e Lucas, coloro cioè che guideranno poco dopo l'immaginario, per la prima volta planetario, globalizzato, fino alla fine del secolo, intanto studiano, e prima di Quentin Tarantino, Lucio Fulci (Come rubammo la bomba atomica), Antonio Margheriti (La morte viene dal pianeta Aytin), Steno (Arriva Dorellik), Jess Franco (Agente speciale LK.), Giovanni Fago (Per 100 mila dollari ti ammazzo), Sergio Sollima (Faccia a faccia), Piero Vivarelli (Mister X), Riccardo Freda (Moresque, obiettivo allucinante e La morte non conta i dollari), Ugo Tognazzi (Il fischio al naso), Sergio Corbucci (Bersaglio mobile e | crudeli), e Vittorio Cottafavi, Mario Bava e Giulio Questi. Intanto. Siamo agli ultimi bagliori del crepuscolo hollywoodiano. Un attimo prima dell'insorgenza definitiva della "new Hollywood", della generazione dei decostruttivisti (Coppola, Altman, Woody Allen, Ashby, Peckinpah, Rafelson, SchatZberg, Pakula, Mulligan, Peerce, Pollack, Roy Hill...). E tenendo da parte chi fa cinema direttamente rivoluzionario: gli underground; lo spaesato britannico Boorman; Theodore). Flicker, il cineasta sostanzialmente di un solo film e punito per averlo realizzato come voleva; i newyorkesi volanti come Cassavetes che catturano il respiro asmatico e nevrotico della metropoli; Orson Welles e Jerry Lewis. Sono proprio nel loro momento più "cool" i grandi vecchi dello studio system, che hanno appena fatto, o gireranno tra breve, il loro ultimo film, come Cukor, Minnelli e Ford. Da Howard Hawks (E! Dorado) a Sam Fuller, da Nicholas Raya Billy Wilder, da Elia Kazan a Robert Aldrich (Quella sporca dozzina), da Blake Edwards (Gunn) a Anthony Mann, da Stanley Donen (Bedazzled) a Otto Preminger (Hurry Sundown), da Frank Tashlin (Caprice) a Charlie Chaplin (La contessa di Hong Kong), da Henry Hathaway (The last safari) a John Huston (Riflessi in un occhio d'oro), da Phil Karson (A time for killing) a Mitchel Leisen (Spree), da Anatole Litvak (La notte dei generali) a Don Siegel (Madigan), da John Sturges (Hour of the gun) a Leslie Martinson (Fathom), da Arthur Penn (Bonnie and Clyde) a Richard Brooks (A sangue freddo) e al "fuori gioco" Joseph Losey (L'incidente). Tranne quest'ultimo, definitivamente esiliato a Londra, sono cineasti che ci danno nel 1967 le loro opere più esizialmente perfette e curate, dai cromatismi e dal significato più barocchi, dai tempi perfetti: puro catalogo mozzafiato degli stereotipi, dei generi, delle seduzioni più glamour, dei movimenti di macchina più elaborati e delle tecniche prodigiose della Hollywood di fase bizantina (la Viennale del 1994 proprio al cinema "cool", quello realizzato nella decadenza di Hollywood, tra il 1958 e il 1968, data di nascita della “new Hollywood", ha dedicato la sua bellissima retrospettiva). Tutti quegli elementi sono pronti all'esplosione ma eccoli qui congelati, fermati nell'eternità, per sempre. Eppure, anche in quei capolavori della crisi, la magia del ‘deja vu' riesce: il racconto è mistero, l'immagine è sogno, l'onirismo insomma resta miracolosamente fluido e equilibrato, ogni dettaglio è studiatissimo. Manca l'errore. Mentre chi attacca Hollywood frontalmente cerca il jamais vu', squilibri, anarchie, errori, smascheramenti, rimasticamenti, decentramenti, ribaltamenti, innesti e confusioni di generi, disarmonie, distruzioni. Lo vedremo anche nelle opere di Snow, McBride, Goldman, Lewis, Boorman, Flicker, che valorizzeranno il superfluo invece del sostanziale, il doppio invece dell'originale, l'interpolazione invece del ‘filo conduttore’. Estrarranno, da immagini che disturbano e non consolano, il dolore, la violenza e la follia che nel genere ferreo della produzione in serie di sogni sono stati mimetizzati, occultati. E che intanto nella realtà, nella vita, nei ghetti neri esplodono, bruciano. Siccome l'ordine imperante è strutturalmente disordinato (già il ‘Rossellini televisivo' incolpava l'anarchia catastrofica dello sviluppo capitalista responsabile del genocidio per fame, facilmente evitabile date le risorse, della quasi intera umanità), si cercherà con l'arte, di introdurre caos nell'ordine lo scrive Adorno. Lo praticherà il controcinema, con maggiore rabbia Glauber Rocha, da allora fino alla sconfitta, un decennio dopo. Nasce e si esaurirà in quel decennio 1967-1977, infatti, anche il cinema militante. Chris Marker nel 1978 ne tesserà l'elogio funebre in Le fond de l'air est rouge, sottotitolo Scénes de la troisiéme guerre mondiale 1967-1977. Dando la palla, da allora, al consumatore di immagini liberato (almeno lui): che ordini in modo diverso gli elementi proposti, che non caschi più in alcun trabocchetto ideologico, etico, religioso, contenutista, formalista; che 4 inventi un immaginario interattivo attrezzato, fantasioso e non celibe. Poteva essere l'era della rivoluzione, è stata almeno l'era di David Lynch e Quentin Tarantino 1967. Viviamo intanto in Europa la miaturità delle nouvelles vagues -Francois Truffaut gira Farenheit 451 e diventa il regista francese numero uno, non è più outsider- penetrate anche nei luoghi più difficili da sconsacrare, come Bucarest, Mosca, Praga e Belgrado, nascono nouvelles vagues, con un po' di ritardo, perfino nel Medio Oriente e nel Bengala...Fassbinder deve ancora realizzare la sua opera prima. Abbiamo scelto qualcosa di ciò che fu prodotto in quell'anno anche dai tre mondi extraoccidentali (Glauber Rocha, Nagisa Oshima e Shohei Imamura, per esempio) o che arrivò in Italia in qualche modo. O di cui allora si discusse. Nei club off, come il Filmstudio di Roma, dove approdava prima o poi la produzione alternativa di tutto il mondo, ed erano di casa Straub, Warhol, Markopoulos, Mekas e Brakhage. O ciò che fu analizzato (e magari visto dal pubblico normale molto dopo o mai) nelle riviste di tendenza, come “Cinema e film," cui molto dobbiamo nella scelta di questi film, e che apparve folgorante proprio nel 1966-1967, come Echi del silenzio di Peter Goldman, che pure fu realizzato nel 1965, o il più visto Le Samourai di Jean Pierre Melville.

=== 1967, l'anno unico ===
Di Roberto Silvestri.

Come nei terremoti devastanti. Si spacca la terra, da una parte c'è il vecchio che ci abbandona per sempre, dall'altra c'è un nuovo magmatico e misterioso che avanza. In mezzo c'è il 1967 e qualche dinosauro sbruciacchiato dalla lava incandescente che, forse, sopravviverà e trasmetterà memoria genetica... L'antagonismo sociale dei primi giovani diseredati metropolitani, a Mosca come a Tokyo, ha già fatto sentire la sua voce, ma è ancora solo teppismo isolabile, facile da controllare e degradare a gang criminale. Sfugge il contro design del consumo soprattutto giovanile di massa, però, e criptici sono i segnali telepatici di comunicazione tra teenagers polimorfi che liberano i loro corpi, stranamente disincarnati, nel rock che dilata la coscienza, nel viaggio beat (dentro e fuori di sé), nella transmentalità lisergica, nel sesso zen, nelle religioni non comandate...del 1967 sono i seguenti film beat-rock: Catalina Caper di Lee Sholem con Little Richard, Clambakedi Arthur H. Nadel, Easy Come Easy Godi John Rich e Double trouble di Norman Taurog con Elvis Presley, il juke box musical C'mon let's live a little di David Butler con Jackie DeShannon e Bobby Vee, The cool ones di Gene Nelson con Glen Campbell, Don't make waves di Alexander Mackendrick con Claudia Cardinale e i Byrds, Four stars di Andy Warhol con i Velvet Underground, Good Times di William Friedkin con Sonny and Cher, The Greadful Dead di Robert Nelson, Here we go round the Mulberry Bush di Clive Donner con The Spencer Davis Group, How | win the war di Richard Lester con John Lennon, it's a bikini world di Stephanie Rothman e The Animals, Magical Mystery tour dei Beatles, Riot on Sunset Strip di Arthur Dreifuss con Chocolate Watch Band and The Standells, Separation di Jack Bond con i Procol Harum, Tonite let's all make love in London di Peter Whithead con Small Faces, The trip di Roger Corman con Mike Bloomfield, Up the Junction di Peter Collinson con Manfred Mann. Tanto per capire quale era la colonna sonora, tanto per ricordare l'Impero di Bandiera Gialla, di Renzo Arbore e Gianni Boncompagni. Il pianeta, inoltre, non accettava il bipolarismo. Rangoon e il movimento dei non allineati ricordano che non tutti i popoli, il vietnamita, per esempio, o l'indonesiano (appena sterminato: mezzo milione di persone) sono docili alle manovre delle multinazionali e dei suoi eserciti e che il modello delle “democrazie popolari" e della sovranità limitata sia iniquo e catastrofico, salta all'occhio di chiunque, a sinistra, e fin dall'inizio. Le lotte di fabbrica in tutto il mondo industriale, nei primi anni'60, hanno già dato lo ‘start', e il primo vero segnale inquietante. Una forza lavoro a basso costo e a professionalità zero, ma a circolarità mille, da sfruttare sadicamente ovunque, è diventata l'operaio massa multinazionale incontrollabile, soggetto antagonista che darà un bel filo da torcere: ispanico e nero in Usa; maghrebino, turco, italiano, spagnolo e portoghese in nord Europa. Un ‘mostro’ che cambierà il mondo, cercherà con le sue lotte di istillare un po' di civiltà responsabile ovunque, e farà tremare il vero Mostro, il Dominio del Capitale, privato, di stato o di corporation. Anche perché le operaie della casa, nel frattempo, fanno saltare anche l'ultimo luogo di comando del ‘maschio sposato con prole' creando non pochi problemi agli equilibri simbolici dei film a venire. Ma, nel 1967, il ‘mostro' sta solo per toccare la maniglia... Le nouvelles vagues nazionali, europee dell'est e dell'ovest, ma anche indiane, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente, da dieci anni, dal 1958, stanno intanto provocando un maremoto rovinoso, mentre l'immaginario africano emette i primi vagiti alternativi. Giovani filmakers ambiziosi e determinati, in cerca di aria pura e iconoclasti, visionari e pieni di talento, patricidi conseguenti, si sono sbarazzati della tecnica dei registi anziani, dei generi polverosi e abusati, dei modi di produzione rigidi e paralizzanti, della lavorazione in studio, del sistema divistico antiquato, della commedia che non fa più ridere, del dramma che non dà più emozioni. Dei cinema di papà autoritari, gerarchici, letterari, ottocenteschi. Hanno adisposizione armi teoriche raffinate per dichiararlo morto, sepolto dalla banalità. Il formalismo, lo strutturalismo e la semiologia. Il cinema di papà, analizzato, è smascherato. Falso, pericoloso, noioso, da museo. Hanno a disposizione tecnologie leggere per prescinderne. Ed ecco gettarsi, zavattinianamente, al fianco di Jean Rouch o dei fratelli Maysles, per le strade con troupe minimaliste e 16mm o 8mm o 35mm usati come ‘camera stylo', ‘cinema verità', cinema diretto, cinema personale... cinema che racconta un'altra realtà, lontana da quella tangibile, più chiara, individualmente: Andy Warhol ha un anno intenso: /, a man, Bike boy, Nude restaurant, Four star 24 hours movie e Imitation of Christ. Imitando i documentari sociali delle tv più critiche, come la BBC; portando l'osceno al livello della nostra comprensione critica, visto che la pornografia ha ormai diritto di accesso libero nelle nostre fantasie; cercando aria pura e fresca per sfuggire all'anidride carbonica delle immagini elettroniche intossicate. E non lavorano in nome del ‘nuovo', per uno spettatore che non c'è ancora, come fanno Straub e Godard, ma a cominciare dall'anno successivo, ma per rimettere a posto alcune cose vecchie da recuperare, restaurare. Le ‘avanguardie storiche', per esempio. Non sono bastate due guerre mondiali a cancellarle, a digerirle. Tutto ricomincia da Dziga Vertov, Vladimir Vladimirovic Majakovskji, Hans Eisler. Ricomincia da quel testo che Dusan Makavejev consegna ai critici assieme al suo film Uno questione di cuore. "Come un libro, il film deve essere letto tra le righe. E tra le righe non c'è nulla. Il mezzo è il messaggio. Non esistono grandi artisti che non abbiano provato a descrivere l'atto sessuale. Il problema era fare un film in cui avessero massima importanza il fascino della nullità, gli istanti senza senso, la gente che non pensa. Che fosse una storia d'amore simpatica, comica, semplice, buffa, erotica e un po' nevrotica, come ogni rapporto umano. L'immagine deve soddisfare lo spettatore, dargli la “gioia di vedere" e nient'altro. E il suono deve aggiungere a tutto ciò che è privato e grazioso una dimensione storica. Gli strutturalisti sono gentilmente pregati di far speciale attenzione ai seguenti elementi: a) i topi; b) il rapporto tra “signifié" e “signifiant"; c) la rivoluzione. ‘L'arte è tutto ciò che si può far passare come tale': Marshall McLuhan"(Dusan Makavejev).

=== I film ===

* [[The big mouth]] (Il ciarlatano) di Jerry Lewis
* [[La chinoise]] (La cinese) di Jean-Luc Godard
* [[La Cina è vicina]] di Marco Bellocchio
* [[Echoes of silence]] (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* [[Echoes of silence]] (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* [[Lapis]] di James Whitney
* [[Ljubavni Slucaj Ili Tragedija Sluzbenice P.T.T.]] (Un affare di cuore, ovvero la tragedia di una postelegrafonica) di Dusan Makavejev
* [[Loin du Viet Nam]] (Lontano dal Vietnam) di Alain Resnais, William Klein, Joris Ivens, Agnés Varda, Claude Lelouch, Jean-Luc Godard
* [[Marat/Sade]] di Peter Brook
* [[Nihon shunka-ko]] (Sulle canzoni sconce giapponesi) di Nagisa Oshima
* [[Ningen johatsu]] (Evaporazione dell'uomo) di Shohei Imamura
* [[Point Blank]] (Senza un attimo di tregua) di John Boorman
* [[The president's Analyst]] (La folle impresa del dottor Schaefer) di Theodore J. Flicker
* [[Privilege]] di Peter Watkins
* [[Le règne du jour]] (Il regno del giorno) di Pierre Perrault
* [[Terra em trance]] di Glauber Rocha
* [[Wavelenght]] (Lunghezza d'onda) di Michael Snow

== Aspettando il sessantotto ==

=== Alle origini dell'underground italiano ===
Di Antonio Costa

“Queste opere vivono nella memoria di chi le ha viste come macchine capaci di produrre illusione e desiderio". Queste parole di Vittorio Fagone (1990:182), critico d'arte che ha seguito con grande attenzione l'evoluzione dal cinema sperimentale alla videoarte, si riferiscono ai film di Gianfranco Baruchello. Il contesto è quello della stagione aurorale del cinema d'artista, cinema dei pittori (“una stagione che non mi vergogno di rimpiangere pubblicamente"), in cui oltre a Baruchello vengono citati, tra gli altri, Anna Lajolo, Guido Lombardi, Mario Schifano, Ugo Nespolo. Credo che si possano estendere anche a molti altri film che hanno segnato la nascita del film sperimentale italiano le parole di Fagone, che bene rendono il clima di quella stagione. Quella stagione, appunto. Quando comincia? E quando finisce? E ancora: quali sono i confini di quelle esperienze? Cosa si comprende sotto le varie etichette di cinema sperimentale, underground, d'artista, indipendente? La (non molta, in verità) letteratura sull'argomento ci ha trasmesso alcuni dati che finiamo per ritrovare ripetuti in ogni compilazione storiografica più o meno attendibile: dipendenza (se non altro dal punto di vista organizzativo) dal modello del cinema underground statunitense (la Cooperativa del Cinema Indipendente modellata sul NAC); prevalenza di singole poetiche e percorsi individuali piuttosto che autentico programma di gruppo; rapida evoluzione e crescita del movimento sessantottesco con conseguente disinteresse per gli esiti nel frattempo maturati sia individualmente che in gruppo. Una volta che si decida di ritornare -e le ragioni possono essere diverse, ma tutte ugualmente valide- su quella stagione, sui suoi protagonisti indipendentemente dai percorsi individuali successivamente compiuti, sui loro film e sui loro testi, ciò che emerge è un bisogno di esperienza di cinema. Come ricordava opportunamente Bacigalupo (1974), furono proprio i protagonisti della CCI i primi a far conoscere in Italia i film del NAC. E quindi esperienza del cinema altrui, ma soprattutto esperienza di un cinema da fare, al di fuori del cinema istituzionale. E inoltre esperienza di cinema che si confonde con altre esperienze: di vita e di arte. Insomma, il cinema visto come esperienza essenziale, necessaria: quasi una risposta a un imperativo interiore, ma non solo (il faut absolument étre moderne!). Uno dei tratti che più colpisce nel cinema underground italiano è la totale (o quasi) assenza di riferimenti a una tradizione sperimentale del cinema italiano che pure era esistita (Aprà 1975:157). Perché non conosciuta, dirà qualcuno. O semplicemente perché gli stimoli vennero da fuori, perché le fonti furono cercate altrove. Ma forse non fu senza conseguenze questa assenza di radicamento e di confronto con una tradizione propria. Non è un caso che qui a Bellaria insistiamo tanto, come stiamo facendo da alcuni anni, sulle esperienze degli anni Sessanta. Dopo la personale di Grifi e il cinema e i video del e sul Living Theatre (con una notevole selezione dei film di Alfredo Leonardi), proponiamo quest'anno le prime esperienze di Bacigalupo, Baruchello, De Bernardi, Schifano, Nespolo, Adamo Vergine e Pia Epremiam. Questa sistematica rivisitazione che abbiamo cominciato e continuiamo (e continueremo, se possibile) a fare, vuole (vorrebbe) essere un'occasione per stabilire un rapporto con il passato (più o meno prossimo): un rapporto problematico, magari anche critico, non certo celebrativo e rituale. Tant'è vero che nella nostra proposta che quest'anno è focalizzata sull'anno 1967, l'anno "prima della rivoluzione" è compreso non solo il cinema underground italiano, ma un panorama di più ampio respiro che comprende alcuni dei punti più avanzati della ricerca internazionale. Proponendo le “vedute di un anno", il 1967, con qualche piccolo -e motivato- sconfinamento avanti o indietro, si è voluto mostrare allo "statu nascenti" un fenomeno che conoscerà ben altri sviluppi, collegamenti e accelerazioni l'anno successivo. Ma è probabilmente nel tempo della vigilia che meglio si possono vedere radici, rapporti di parentela e di filiazione, cogliere il fenomeno nella sua complessità. Questo dovrebbe mettere al riparo da mitizzazioni, atteggiamenti celebrativi. E preparare le condizioni, quando sarà il momento, per un approccio non superficiale con l'anno 1968.

=== Massimo Bacigalupo ===

* [[Quasi una tangente]] - 1966
* [[60 metri per il 31 marzo]] - 1968

=== Gianfranco Baruchello ===

* [[Costretto a scomparire]] - 1967-68
* [[Perforce]] - 1967-68
* [[Complemento di colpa]] - 1967-68
* [[Non accaduto]] - 1967-68
* [[Norme per gli olocausti]] - 1967-68
* [[Per una giornata di malumore nazionale]] - 1967-68

=== Tonino De Bernardi ===

* [[Cronache del sentimento e del sogno]] - 1968

=== Pia Epremian ===

* [[Epremian e Gigliola]] (Dissolvimento)

=== Anna Lajolo e Guido Lombardi ===

* [[D - Non diversi giorni si pensa splendessero alle prime origini del nascente mondo o che avessero temperatura diversa]] - 1969

=== Ugo Nespolo ===

* [[La galante avventura del cavaliere dal lieto volto]] - 1966/67
* [[Le gote in fiamme]] - 1967

=== Luca Patella ===

* [[Terra animata]] - 1967
* [[Intorno-fuori. Materiale per camminare]] - 1967
* [[Fanimesto-Manifesto, oggettivo-razionale, soggettivo-irrazionale]] - 1966

=== Mario Schifano ===

* Serata
* Ricordo
* Anna Karina in agosto vista dalle farfalle
* Jean-Luc Cinema Godard

=== Adamo Vergine ===
[[Espiazione]] - 1968

== Spazio Aperto ==

* [[Against]] di Paolo Sabbatini
* [[L'agguato]] di Claudio Balestri, Nicola Zanobi
* [[Aloha!]] di Corrado Bernanzioli
* [[Amore cieco]] di Simone Mazzetti
* [[Un anno dopo]] di Massimiliano Mauceri
* [[L'ascensore]] di Gianni Del Corral
* [[Attenti al lupo]] di Andrea Di Luzio
* [[Autoscontro]] di Giancarlo Campagnani
* [[Avevo un appuntamento]] di Alessandro Pinto
* [[Bellinquadro]] di Francesco Azzini
* [[Una bionda suonò alla porta]] di Marco Catalucci
* [[Un brontolio di tuono sgretola l'altezza della notte]] di Annamaria Murdocca
* [[Buio obbligato]] di Andrea Di Luzio
* [[C'est la vie]] di Silvano Plank
* [[Il cappello]] di Lorisa Andreoli, Stefano Wiel
* [[Catastrofe]] di Francesco Brandi
* [[Catena]] di Luca Coeli
* [[La cena]] di Simone Ligabue, Stefano Pini
* [[Chi]] di Guglielmo Finazzer
* [[La chiave per il mare]] di Dario Ballantini
* [[Chiodi]] di Carlo Tombola, Corrado Benanzioli
* [[Clichè]] di Marcel Cordeiro, Barbara Pederzoli
* [[Colori nella Laguna]] di Antonello Chiaramida
* [[La corsa degli zingari]] di Pasquale Di lanni
* [[La cura]] di Simona Martella, Francesco Cappa
* [[Dialettica della leggerezza]] di Gianfranco Boiani, Paola D'Ignazi
* [[Driftin']] di Gianmarco Torri
* [[Due storie morali]] di Renato Maria Rogari
* [[È mpoze]] di Domenico Salierno
* [[L'equivoco]] di Daniele Marcovecchio
* [[L'esame]] di Sergio Seravalli
* [[Ex voto]] di Armando Tinnirello
* [[Una famiglia molto rispettabile]] di Roberto Romeo
* Fat funeral di Marta Storti, Maria Grazia Saccà
* Fatte a mano - case e cose della valle di Suessola di Fulvio De Lucia
* Finalmente persone di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* Fine di Salvatore Vitiello
* Forse per caso di Domenico Caraccia
* Fuoco fatuo di Davide Pensalfini
* Fuori orario di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* Il giudice di Andrea Busi, Armando Mozzetta
* Giuseppe Scarabelli e il Museo di Geologia e Preistoria di Imola di Carlo Sarti
* La giusta causa di Gloria Pera
* La goccia e il vetro di Giuseppe Marcoli
* Gommismo LCW 2630 di Marco Bongiovanni, Stefano Ricci
* Gorgheggi di Antonio Marino
* Il grido del cuore di Paola Amadesi
* Haircut (taglio di capelli) di Matteo Di Guida
* In un attimo di Riccardo Costa
* L'indifferenza di Michele Rosania
* Infezione e immunità di Vivian Tullio
* lonas di Armando Festa
* It's a Blue Blue Day di Graziano Misuraca
* L'italiota di Federico Rizzo
* U iurnatieri di Franco Turdo
* Lettera da Corniglio di Giovanni Martinelli
* Lettera 32 di Alessandro Errico
* Liberi e belli, ovvero, Del fardello del capello di Beppe Anderi, Filippo Loro
* Lovstori di Alessandro Avellis
* Il macchinista di Michele Banzato
* Matrjosca di Mainposa
* Mezzanotte e due di Valter Bucoli
* Momenti in movimento di Alberto Sant'Elia
* Mondavio, rievocazione storica dell'antica caccia al cinghiale di Loretta Dalola
* Il mondo non oggettivo di Gennaro Aquino
* Il muro di Enrico Satta
* Napoli 2020 di Rosario Gallone
* Non ti crucciar ma portami dall'altra sponda (oh, oh) di Corrado Ardone
* Nosside di Carmelo Milone
* Oltre le pareti di Roberto Romeo
* Ombre di Ivan Zuccon
* Opera al rosso di Antonio Meucci
* Orpo! di Gabriele Albanesi
* L'ospite di Domenico Caraccia
* Out di Michele Carillo
* Paulin au Lido de Venise di Federico Rizzo
* Per amore solo per amore di Davide Di Gandolfo
* Percorso di guerra di Frida Aimme
* Peter Pan di Nicola Zanobi
* Play-TV di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* Il pozzo di Gabriele Grotto
* Presenze di Antonella Gandini
* The Price of Freedom di Ayumu Jibuta
* Una prova di Lavinia Rosso
* Prozac e Anafranil di Nicola Nannavecchia
* Il punto nero di Ciro Tortorella
* Q 25 di Roberto Bartoli
* Questione di tempo di Oscar Sartori
* Quinto non uccidere di Giuseppe Coco
* Regina sui Sette Fratelli di Antonello Chiaramida
* Il regno dei piccioni di Marta Mambriani
* Rifiuti in campana di M. Francesca Diamanti, Stefano Ragazzi
* Riflessi di morte di Mario Tani
* Ritrovato di Francesca Peruzzi
* Riverberi di Elisabetta Filocamo
* Rose perdute di Silvano Plank
* Sarajlije di Alessandro Viani
* Secu di Luca Scivoletto
* Senza titolo di Davide Guerrini
* Il sesto giorno di Sergio Salvano
* Settepensieri di Giorgio Sabbatini
* Sille di Tommaso Ortino
* Sogni senza fissa dimora di Maurizio Maliore
* Sogno di un insonne di Cristian Granata
* Sogno solito di un insolito amore di Nicola Falcinella
* Lo spettacolo più bello del mondo di Egale Cerroni
* La spilla di Giancarlo Chiappani
* Stasera non esco di Francesco Minarini
* Stelle cadenti di Domenico Caraccia
* Le stelle di giorno di Lauro Crociani
* Storielle di Barbara Rossi Prudente, Michele Carillo
* Il tempo dei Tabarri di Maffeo D'Arcole
* Teneri barbari di Marco Boni
* La tigre dai denti a sciabola di Antonio Pedicini
* Titti e Silvestro (una storia penosa) di Giorgio Bonecchi Borgazzi, Marco Borroni
* La tunica di Federico Rizzo
* Turni di Brunella Audello, Vittorio Dabbene
* Tutti chi? di Alfonso Sabba
* Urbino memoriale di Cristiano Carloni, Stefano Franceschetti
* Via di Giovanni Bogani
* Il viaggio di Emanuele Miceli
* Il virus di Vito Dinatolo
* Vuoti a perdere di Roberto Campagna, Elena De Rosa
* L'atleta di Alessandro Bertani, Alberto Soncini
* Willer Angst di Guglielmo Finazzer
* Working Time at School di Federico Rizzo

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1997]]

1997

2025-03-18T11:24:50Z

Thomas: /* Ugo Nespolo */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Archivio del cinema indipendente italiano, con il contributo di: Presidenza del Consiglio dei Ministri, Dipartimento Spettacolo Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==
[[File:1997 Locandina Anteprima per il Cinema Indipendente Bellaria Film Festival.jpg|alt=Locandina disegnata da Mario Schifano|miniatura|Locandina Anteprima per il cinema indipendente italiano, 1997]]

=== Direzione artistica ===
Antonio Costa, Enrico Ghezzi, Morando Morandini, Roberto Silvestri

=== Direzione organizzativa ===
Gianfranco Miro Gori

=== Segreteria ===
Anna Gradara, Paola Gori, Antonio Tolo

=== Ufficio stampa ===
Marzia Milanesi

=== Amministrazione e servizi tecnici ===
Saverio Gori

=== Impaginazione cataloghi ===
Antonio Tolo, Catia Donini

=== Hanno collaborato ===
Catia Donini, Paola Gradara, Paolo Pagliarani, Mirko Ricci, Marco Tomasin

== Presentazione ==
Di Mara Garattoni, Assessore alla Cultura.

In questi anni si è osservata la nascita di festival del cinema indipendente in diverse regioni d'Italia, quasi si trattasse di una tendenza forse della ordinaria necessità di contenere la spesa, mentre nel 1983, quando Anteprima ha preso l'avvio, poche erano le rassegne che si occupavano di questo segmento di cinema. Oggi la manifestazione bellariese ha raggiunto una sua fisionomia e un ruolo significativo nel contesto nazionale. A Bellaria hanno presentato le loro opere prime giovani autori che ora sono affermati registi: Soldini, Segre, Lodoli, Ciprì e Maresco, Rezza... e ciò conferma la qualità del lavoro svolto. Fra gli obiettivi che Anteprima ha perseguito, due vanno particolarmente evidenziati: l'occasione di incontro fra giovani filmakers che hanno potuto disporre di una vetrina per le loro opere; e l'opportunità di confrontarsi con i maestri del nostro cinema e con i loro film d'esordio. Si pensi ai "compleanni" di Prima della rivoluzione di Bertolucci, de / pugni in tasca di Bellocchio, de La battaglia di Algeri di Pontecorvo, dei Sovversivi di Paolo e Vittorio Taviani nella presente edizione. Le retrospettive hanno proposto percorsi di lettura e spunti di ricerca attraverso libere rivisitazioni della cinematografia italiana e internazionale, al fine di indagare differenti orizzonti di conoscenza, e di aprirsi ad un confronto sul piano estetico, sul piano semantico e oltre. Quest'anno è la volta del cinema del 1967, l'anno di Blow up, La Cina è vicina, Lontano dal Vietnam... E' l'anno in cui si afferma il bisogno di sperimentare forme di arte e di vita libere dagli schemi della tradizione; con questa retrospettiva si intende suggerire uno sguardo problematico, magari anche perplesso sulle opere del primo underground italiano, esente da intenti nostalgici e celebrativi. Anteprima ha cercato di avviare un rapporto dialettico, talora critico, ironico o curioso con il passato, senza perdere di vista le espressioni del presente. Si tratta ora di aprire prospettive nuove per rafforzare i risultati raggiunti e per maturare il ruolo significativo riconosciuto alla nostra rassegna nel panorama del cinema indipendente. Si può ipotizzare che Anteprima, oltre che fornire la visibilità alle opere prime dei giovani registi, possa divenire un punto di riferimento anche di mercato per il cinema indipendente? E' plausibile immaginare un'opportunità di produzione e commercializzazione per gli autori? La formazione, lo studio, la sperimentazione possono sostanziare la valenza culturale d un festival? Probabilmente sì, se questo non si esaurisce con l'evento, con la vetrina, ma vengano avviate relazioni fra più soggetti: autori, Università, Archivio del cinema indipendente, associazioni impegnate nella promozione della cultura cinematografica. Il patrimonio culturale di Anteprima oggi necessita di un rafforzamento finanziario ed organizzativo per diversificare gli ambiti della ricerca, per sostenere esperienze, favorire contaminazioni con quei mondi che si raccordano intrinsecamente col cinema quali la musica, la narrativa, l'indagine sociale o antropologica, ma anche con i luoghi dell'arte e della poesia. Occorre allora approfondire la riflessione per animare un circuito di idee, di competenze, di esperienze che stimolano la tensione ideale, il coraggio artistico, la creatività dei giovani autori restituendo al cinema le sue straordinarie potenzialità espressive talvolta mortificate da un appiattimento diffuso e spesso povero di pensiero. Qualunque rielaborazione di progetto e di programma deve tuttavia individuare come proprio punto di forza il cinema indipendente, elemento qualificante di Anteprima, in una prospettiva che sappia coniugare le potenzialità positive del cambiamento con il senso della propria esperienza.

== Analisi di un disincanto ==
Di Morando Morandini.

Agli inizi degli anni Ottanta, quando si cominciò, eravamo soli. Riempire un vuoto, s'usa dire. Avevamo trovato/inventato uno spazio -soltanto una vetrina? - per il cinema indipendente. Lo sapevamo che la locuzione era approssimativa, incompleta, imprecisa (e il video?), ma in quindici anni non si è riusciti a trovarne un'altra. Negli anni Novanta siamo in tanti, su e giù per la penisola, ad arare lo stesso campo, e ci facciamo concorrenza. È un buon segno. Pur avendo i suoi inconvenienti, la concorrenza stimola. Impedisce di ripetersi, sedersi, adagiarsi, addormentarsi. Circostanza ancor più importante, la concorrenza indica la presenza crescente di un fenomeno, lo sviluppo di un'attività produttiva, se non un mercato, su un arco di artigianato che è più ampio e ha più sfumature di quel che si crede: si va dal dilettantismo più privato al lavoro collettivo, dalla libertà più anarchica (almeno a livello potenziale) alle committenze pubbliche di enti locali. Pur tralasciando le iniziative analoghe alla nostra, basta vedere quante sono le rassegne di “corti”. Il ritorno al cortometraggio di 35mm è un fenomeno interessante degli anni Novanta che non è stato ancora analizzato come merita anche perché - distaccandosi da una tradizione nefasta 0, comunque, riduttiva del cinema italiano, e delle leggi che l'hanno regolato - non ci si limita più al documentario, ma ci si cimenta con la “fiction” o con formule ibride. Passiamo alle cifre. Nel 1993 le opere - 0, come scherzosamente diciamo noia Bellaria, i "pezzi" - presentate per l'ammissione al concorso furono 220. Nel 1994, quando finalmente dall'ultima decade di agosto Anteprima si spostò all'inizio di giugno, il numero calò a una cifra di poco superiore alle 150. Era inevitabile: i filmakers, almeno quelli abituali, avevano avuto meno tempo per approntare i loro nuovi lavori. Nel 1996si arrivò a 202 “pezzi”. Quest'anno c'è stato un improvviso aumento sopra i 270 per un totale di circa 85. Il che corrisponde a una durata media di 15 minuti. Se si tiene conto che per il concorso i selezionatori avevano a disposizione circa dodici ore (“Anche meno, se vi riesce", ci dicevano quelli della direzione tecnica) si vede che il rapporto è di uno a sette. Quello della scelta non è un lavoro facile, direbbe il signor di La Palisse. Anche quest'anno, giunta alla 15° edizione, Anteprima propone quella che per abitudine e convenzione s'usa chiamare la cornice, e che negli ultimi anni ha rischiato di prevaricare sul quadro, cioè sul concorso, per l'attenzione - e i titoli - che le hanno dedicato i mass-media. Il che, non a torto, ha sollevato proteste, mugugni e lamentele degli autori in lizza per i due Gabbiani. Oltre ai film del premio Casa Rossa (che non è ancora, ma potrebbe diventarlo, il vero premio, il più ambito, per il cinema indipendente italiano nell'ambito dei lungometraggi su pellicola indirizzati a quel mercato delle sale dove spesso, invece, non riescono a penetrare) e ai video di 150 secondi del concorso a tema fisso (Un bel Po, tema di attualità una volta tanto), c'è la consueta "festa di compleanno" che, inaugurata nel 1994 con Prima della rivoluzione, tocca questa volta a Sovversivi a trent'anni dalla realizzazione. I festeggiati saranno i fratelli Paolo e Vittorio Taviani e i loro collaboratori. C'è la retrospettiva che quest'anno ha assorbito la sezione di mezzanotte, intitolata L'anno prima, inteso come il 1967. Con un pizzico di malignità nel suo giuoco d'anticipo, la rassegna intende aprire la strada quelle celebrazioni del Sessantotto che l'anno prossimo saranno organizzate da altri festival, ma soprattutto offrire piaceri, emozioni, occasioni di riflessione e di studio al pubblico di Anteprima, in modo particolare ai giovani filmakers, in concorso e non, che, invece, in passato non l'hanno frequentata come dovevano e potevano. È lo si vede dai film che fanno, aggiungerebbe un maligno. È giusto e necessario e inevitabile voltar pagina, ma non prima di averla letta e capita. C'è da dire, infatti, che durante il cosi lavoro di selezione vengono, complice la Stanchezza, i momenti di sconforto per la pochezza del materiale che arriva a Bellaria. In quei momenti ci si domanda: ma vanno al cinema? che film vedono? quali i loro registi preferiti? che libri leggono? che idee di cinema hanno in testa? come e da chi hanno imparato? In selezione si passa dai balbettii cine(video)amatoriali del più bieco minimalismo provinciale alle più dissennate velleità di globali metafore metafisiche. (Perla cronaca: i primi provengono soprattutto dal Nord, le seconde dal Sud). Emergono allo stato larvale i peggiori vizi del sedicente cinema d'autore che da vent'anni ha vivacchiato sul parassitismo sovvenzionato dell'articolo 28 e che tanto ha contribuito ad allontanare dalla produzione nazionale il pubblico delle sale. Senza impancarci a sociologi improvvisati della domenica, viene a galla un altro dato interessante e preoccupante, vista la giova- ne età media dei videomakers aspiranti al concorso: un diffuso disagio giovanile, un malessere che talvolta ha, in modo più o meno esplicito, concrete ragioni sociali (disoccupazione, difficoltà di trovare un posto, disaffezione e svogliatezza per lavori alienanti, umilianti e mal retribuiti), ma che più spesso ha ragioni esistenziali e ristagna in un disincanto, vicino alla depressione se non alla disperazione. Importa poco in questa sede stabilire in che misura questo malessere sia espresso in modi efficaci e con mezzi adeguati, senza ridursi a un compiaciuto “piangersi addosso" che, d'altronde, si riscontra anche in altri settori: è il rispecchiamento di una generazione, di una società, di un paese.

== Concorso anteprima ==

* [[AI confine tra il Missouri e la Garbatella]] di Carola Spadoni
* [[Altro da sé]] di Gerardo Forlenza
* [[Un angelo sulla pelle]] di Federico Olivetti
* [[Astratti furori]] di Antonio De Lucia, Enrico Venditti
* [[Ballata trash]] di Cristiano Palozzi, Antonella Sica
* [[Belli sciallati]] di Bruno Bigoni
* [[Bianco muove (vince in cinque mosse)]] di Filippo Bettelli
* [[Buongiorno Serbia]] di Massimo De Felice
* [[I cancelli della memoria]] di Osvaldo Verri
* [[La carne sulle ossa]] di Daniele Gaglianone
* [[100 anni]] di Nicola Barnaba
* [[Cold ground]] di Guido Santi
* [[Colpi]] di Enzo Procopio, Donato Di Bello
* [[Come una giornata]] di Alessandro Carpentieri
* [[La cura]] di Guido Giansoldati
* [[Destiny - Un pieno d'amicizia]] di Marco Bragaglia
* [[È I figli di Terror|I figli di Terror]] di Giuseppe Selva
* [[Una fumata di sigaretta]] di Saverio Cosentino
* [[Giorno]] di Giovanni Lucci
* [[Itinerarium]] di Mario Catto
* [[Kiss]] di Giovanni Bogani
* [[La matta dei fiori]] di Rolando Stefanelli
* [[Neve russa]] di Myrice Tansini
* [[La passeggiata dello Schizo]] di Monica Petracci, Lorenzo Bazzocchi
* [[Piccole epifanie berlinesi (Kleine Berliner Epiphanien)]] di Giorgio E. S. Ghisolfi
* [[The retreat (La ritirata)]] di Michele Mellara
* [[Rien ne va plus]] di Gian Luca Cozzolino
* [[Se il tuo occhio dà scandalo, cavalo!]] di Beniamino Catena
* [[Lo sfratto]] di Alessandra Pagano
* [[Solo per i tuoi occhi]] di Alessandro Amaducci
* [[Sta calando il soul]] di Licio Esposito
* [[Statici 5]] di Jacopo Quadri
* [[Una storia di amore in quattro capitoli e mezzo]] di Mariano Lamberti, Roberta Calandra
* [[A strange marriage]] di Filippo Piscopo, Lorena Luciano
* [[Unicuique suum (A ciascuno il suo)]] di Luca Olivieri

== Premio Casa Rossa ==

* [[Il caricatore]] di Eugenio Cappuccio, Massimo Gaudioso, Fabio Nunziata
* [[Escoriandoli]] di Antonio Rezza e Flavia Mastrella
* [[La freccia azzurra]] di Enzo D'Alò
* [[Gli occhi stanchi]] di Corso Salani
* [[Pizzicata]] di Edoardo Winspeare

== 150 secondi a tema fisso (Un bel Po) ==
Video in Concorso

* Profumo di Yuri Ancarani
* Creazion di Vito José Arena
* Chico de puta di Cristina Bernardi
* Esesà, esesà motrate mja (Nera, nera, sorella mia) di Cristina Bernardi
* Un po' di qua un po' di là di Andrea Busi
* Anche l'odiens è una questione d'onore di Alex De Luigi, Lorenzo Pecchioni
* Secondo piano di Ruggero Di Paola
* Fiumi di parole di Maurizio Failla
* Briosch di Giorgio Fipaldini, Giulio Innocenti
* Senza foce di Stefano Franceschetti, Cristiano Carloni
* Oltre il fiume di Stefano Giovagnoni
* Un bel po' ad caloig di Ivano Gobbi
* Porciepolli di Ivano Gobbi
* Un bel po di Giuliana Landoni
* Na mna side di Monia Lippi, Monica Petracci
* Un bel Po di Mainposa
* Il caffè di Andrea Minoglio
* Buio Omega 2 di Graziano Misuraca
* Cocatime di Luciano Monti
* Horror vacui di Luciano Monti
* Grr di Domenico Murdaca
* Il mattone di Antonio Nardelli
* Lo spiritoso di Luca Olivieri
* Ho “un bel po" e di Massimiliano Ottaviani
* N.B.D.D.R. Nel blu dipinto di rosso di Andrea Pellizzer
* Appunti sul Po per una possibile Medea di Sergio Porro
* Un bel po di Giovanni Raggi
* Capodanno sul delta di Giovanni Rubino
* Questione di scala di Dario Soldo
* Il brufolo di Edo Tagliavini
* L'io di Veronica Tanzi
* Ave verum corpus di Sandro Vasini

== Arti e Mestieri ==

* [[Caos: progetto 5/96]] di Leofreddi
* [[Consuetudine in formato di dittico]] di Manuel Frara
* [[Es Stiirmt]] di Stefano Cagol
* [[Facevo le nugatine]] di Adonella Marena
* [[Marc's polka]] di Biagio Gibilterra
* [[Nino Ventura - forme di terra e segni di colore]] di Antonio De Lucia
* [[Stanze]] di Massimo Cangiano, Francesca Nottoli, Luca Zoppi
* [[La storia]] di Esterina Milli Toja

== C'è poco da ridere ==

* [[Alzabarriera]] di Giacomo Ferrante
* [[Giorni d'estate]] di Fabio Del Greco
* [[Madness]] di Giulio Kinchmayr
* [[Milonga]] di Turi Greco
* [[Mimmo X]] di Diego Olivares, Carlo Luglio
* [[Il sole sul muro]] di Riccardo Bianchini
* [[Soluzione temporanea]] di Maurizio Mirai
* [[Studente modello]] di Alessandro Riccio, Ruggero di Paola
* [[Umana... ma non troppo]] di Domenico Caraccia
* [[L'urlo]] di Ruggero Di Paola

== Memorie e desideri (del cinema) ==
[[Caro Camillo]] di Luigi Simeone

[[Direttive dall'alto]] di Marcello Gori

[[Doom]] di Marco Pozzi

[[I frutti puri impazziscono]] di Marco Bertozzi

[[L'homme cinéma (L'uomo cinema)]] di Alessandro Carpentieri

[[Non sono partigiano del “non importa cosa, non importa come..." Henri Alekan, cineasta]] di Alessandro Barbadoro, Romano Guelfi

[[Parto]] di Rosario Compare

[[La professione e l'uomo]] di Francesco Bettin

[[R.S.V.P. (repondez s'il vous plaît)]] di Stefano Argentero, Rita Ghilardi, Maria Cristina Costa

[[Salaam cinema!]] di Andrea Calvo, Umberto Trichero

[[Una volta. Wim Wenders, le tracce dello sguardo]] di Giovanni Bogani

== 1967 L'anno prima ==
Il cinema sperimentale e industriale, l'emerso e il sommerso, del 1967. Anteprima cinema presenta una selezione parziale di questi film, realizzati allora, in ogni parte del mondo. 1967, un anno davvero particolare, non ancora vissuto pericolosamente. L'anno prima del '68. Eppure Jerry Rubin e Wilhelm Reich già sono stati tradotti da noi. E' il momento, in Italia, delle discussioni accanite tra i fans di Bella di giorno e di Blow up, tra quelli che rischiano il gioco al massacro della perversione estrema, della ‘personalità multipla dentro se stessi", o che giocano ancora con le perversioni cerebrali e il riequilibrio del soggetto, dell'lo scisso. 1967, è anche l'anno della nascita della Cooperativa Cinema Indipendente, affiliata al New American Cinema, disgustata dai modi di produzione industriali e affascinata dal progetto, narcisistico e politico, di rovesciare gli artisti dal piedistallo e scaraventare l'arte, situazionisticamente, nella vita dietro allo slogan: ‘siamo tutti tutti artisti’. 1967, l'anno della comparsa di La presa del potere di Luigi XIV (solo in tv) e L'Harem, La Cina è vicina e A ciascuno il suo, La bisbetica domata, il miglior film di Zeffirelli, e Edipo re, Lo straniero e II giardino delle delizie, l'esordio di Silvano Agosti. Il cinema colto e il cinema popolare vanno alla scissione. Incomunicabilità totale. L'industria italiana in mano a strani figuri ne risentirà, non sarà più in grado nei decenni successivi di assorbire i succhi creativi fertili e indipendenti, forse definitivamente. E' un momento magico, dentro e fuori le sale cinematografiche. L'Italia sta per vivere gli ultimi splendori della Cinecittà classica, che sarebbe già capace anzi, ma non se ne accorge e nessuno l'aiuta, di precorrere i tempi. | nostri sub-musical, western spaghetti, horror estremi, avventurosi visionari, film "alla 007", fantascientifici a budget zero, film-fumetto e polizieschi, per lo più coprodotti con la Francia, a basso costo e alto ingegno, sono testi sacri pop per i filmakers d'oltre manica più anticonformisti. Landis e Scorsese, Demme e Dante, Carpenter e Waters, Henenlotter e Bartel, Spielberg (che già vi vede ET. e Indiana Jones) e Lucas, coloro cioè che guideranno poco dopo l'immaginario, per la prima volta planetario, globalizzato, fino alla fine del secolo, intanto studiano, e prima di Quentin Tarantino, Lucio Fulci (Come rubammo la bomba atomica), Antonio Margheriti (La morte viene dal pianeta Aytin), Steno (Arriva Dorellik), Jess Franco (Agente speciale LK.), Giovanni Fago (Per 100 mila dollari ti ammazzo), Sergio Sollima (Faccia a faccia), Piero Vivarelli (Mister X), Riccardo Freda (Moresque, obiettivo allucinante e La morte non conta i dollari), Ugo Tognazzi (Il fischio al naso), Sergio Corbucci (Bersaglio mobile e | crudeli), e Vittorio Cottafavi, Mario Bava e Giulio Questi. Intanto. Siamo agli ultimi bagliori del crepuscolo hollywoodiano. Un attimo prima dell'insorgenza definitiva della "new Hollywood", della generazione dei decostruttivisti (Coppola, Altman, Woody Allen, Ashby, Peckinpah, Rafelson, SchatZberg, Pakula, Mulligan, Peerce, Pollack, Roy Hill...). E tenendo da parte chi fa cinema direttamente rivoluzionario: gli underground; lo spaesato britannico Boorman; Theodore). Flicker, il cineasta sostanzialmente di un solo film e punito per averlo realizzato come voleva; i newyorkesi volanti come Cassavetes che catturano il respiro asmatico e nevrotico della metropoli; Orson Welles e Jerry Lewis. Sono proprio nel loro momento più "cool" i grandi vecchi dello studio system, che hanno appena fatto, o gireranno tra breve, il loro ultimo film, come Cukor, Minnelli e Ford. Da Howard Hawks (E! Dorado) a Sam Fuller, da Nicholas Raya Billy Wilder, da Elia Kazan a Robert Aldrich (Quella sporca dozzina), da Blake Edwards (Gunn) a Anthony Mann, da Stanley Donen (Bedazzled) a Otto Preminger (Hurry Sundown), da Frank Tashlin (Caprice) a Charlie Chaplin (La contessa di Hong Kong), da Henry Hathaway (The last safari) a John Huston (Riflessi in un occhio d'oro), da Phil Karson (A time for killing) a Mitchel Leisen (Spree), da Anatole Litvak (La notte dei generali) a Don Siegel (Madigan), da John Sturges (Hour of the gun) a Leslie Martinson (Fathom), da Arthur Penn (Bonnie and Clyde) a Richard Brooks (A sangue freddo) e al "fuori gioco" Joseph Losey (L'incidente). Tranne quest'ultimo, definitivamente esiliato a Londra, sono cineasti che ci danno nel 1967 le loro opere più esizialmente perfette e curate, dai cromatismi e dal significato più barocchi, dai tempi perfetti: puro catalogo mozzafiato degli stereotipi, dei generi, delle seduzioni più glamour, dei movimenti di macchina più elaborati e delle tecniche prodigiose della Hollywood di fase bizantina (la Viennale del 1994 proprio al cinema "cool", quello realizzato nella decadenza di Hollywood, tra il 1958 e il 1968, data di nascita della “new Hollywood", ha dedicato la sua bellissima retrospettiva). Tutti quegli elementi sono pronti all'esplosione ma eccoli qui congelati, fermati nell'eternità, per sempre. Eppure, anche in quei capolavori della crisi, la magia del ‘deja vu' riesce: il racconto è mistero, l'immagine è sogno, l'onirismo insomma resta miracolosamente fluido e equilibrato, ogni dettaglio è studiatissimo. Manca l'errore. Mentre chi attacca Hollywood frontalmente cerca il jamais vu', squilibri, anarchie, errori, smascheramenti, rimasticamenti, decentramenti, ribaltamenti, innesti e confusioni di generi, disarmonie, distruzioni. Lo vedremo anche nelle opere di Snow, McBride, Goldman, Lewis, Boorman, Flicker, che valorizzeranno il superfluo invece del sostanziale, il doppio invece dell'originale, l'interpolazione invece del ‘filo conduttore’. Estrarranno, da immagini che disturbano e non consolano, il dolore, la violenza e la follia che nel genere ferreo della produzione in serie di sogni sono stati mimetizzati, occultati. E che intanto nella realtà, nella vita, nei ghetti neri esplodono, bruciano. Siccome l'ordine imperante è strutturalmente disordinato (già il ‘Rossellini televisivo' incolpava l'anarchia catastrofica dello sviluppo capitalista responsabile del genocidio per fame, facilmente evitabile date le risorse, della quasi intera umanità), si cercherà con l'arte, di introdurre caos nell'ordine lo scrive Adorno. Lo praticherà il controcinema, con maggiore rabbia Glauber Rocha, da allora fino alla sconfitta, un decennio dopo. Nasce e si esaurirà in quel decennio 1967-1977, infatti, anche il cinema militante. Chris Marker nel 1978 ne tesserà l'elogio funebre in Le fond de l'air est rouge, sottotitolo Scénes de la troisiéme guerre mondiale 1967-1977. Dando la palla, da allora, al consumatore di immagini liberato (almeno lui): che ordini in modo diverso gli elementi proposti, che non caschi più in alcun trabocchetto ideologico, etico, religioso, contenutista, formalista; che 4 inventi un immaginario interattivo attrezzato, fantasioso e non celibe. Poteva essere l'era della rivoluzione, è stata almeno l'era di David Lynch e Quentin Tarantino 1967. Viviamo intanto in Europa la miaturità delle nouvelles vagues -Francois Truffaut gira Farenheit 451 e diventa il regista francese numero uno, non è più outsider- penetrate anche nei luoghi più difficili da sconsacrare, come Bucarest, Mosca, Praga e Belgrado, nascono nouvelles vagues, con un po' di ritardo, perfino nel Medio Oriente e nel Bengala...Fassbinder deve ancora realizzare la sua opera prima. Abbiamo scelto qualcosa di ciò che fu prodotto in quell'anno anche dai tre mondi extraoccidentali (Glauber Rocha, Nagisa Oshima e Shohei Imamura, per esempio) o che arrivò in Italia in qualche modo. O di cui allora si discusse. Nei club off, come il Filmstudio di Roma, dove approdava prima o poi la produzione alternativa di tutto il mondo, ed erano di casa Straub, Warhol, Markopoulos, Mekas e Brakhage. O ciò che fu analizzato (e magari visto dal pubblico normale molto dopo o mai) nelle riviste di tendenza, come “Cinema e film," cui molto dobbiamo nella scelta di questi film, e che apparve folgorante proprio nel 1966-1967, come Echi del silenzio di Peter Goldman, che pure fu realizzato nel 1965, o il più visto Le Samourai di Jean Pierre Melville.

=== 1967, l'anno unico ===
Di Roberto Silvestri.

Come nei terremoti devastanti. Si spacca la terra, da una parte c'è il vecchio che ci abbandona per sempre, dall'altra c'è un nuovo magmatico e misterioso che avanza. In mezzo c'è il 1967 e qualche dinosauro sbruciacchiato dalla lava incandescente che, forse, sopravviverà e trasmetterà memoria genetica... L'antagonismo sociale dei primi giovani diseredati metropolitani, a Mosca come a Tokyo, ha già fatto sentire la sua voce, ma è ancora solo teppismo isolabile, facile da controllare e degradare a gang criminale. Sfugge il contro design del consumo soprattutto giovanile di massa, però, e criptici sono i segnali telepatici di comunicazione tra teenagers polimorfi che liberano i loro corpi, stranamente disincarnati, nel rock che dilata la coscienza, nel viaggio beat (dentro e fuori di sé), nella transmentalità lisergica, nel sesso zen, nelle religioni non comandate...del 1967 sono i seguenti film beat-rock: Catalina Caper di Lee Sholem con Little Richard, Clambakedi Arthur H. Nadel, Easy Come Easy Godi John Rich e Double trouble di Norman Taurog con Elvis Presley, il juke box musical C'mon let's live a little di David Butler con Jackie DeShannon e Bobby Vee, The cool ones di Gene Nelson con Glen Campbell, Don't make waves di Alexander Mackendrick con Claudia Cardinale e i Byrds, Four stars di Andy Warhol con i Velvet Underground, Good Times di William Friedkin con Sonny and Cher, The Greadful Dead di Robert Nelson, Here we go round the Mulberry Bush di Clive Donner con The Spencer Davis Group, How | win the war di Richard Lester con John Lennon, it's a bikini world di Stephanie Rothman e The Animals, Magical Mystery tour dei Beatles, Riot on Sunset Strip di Arthur Dreifuss con Chocolate Watch Band and The Standells, Separation di Jack Bond con i Procol Harum, Tonite let's all make love in London di Peter Whithead con Small Faces, The trip di Roger Corman con Mike Bloomfield, Up the Junction di Peter Collinson con Manfred Mann. Tanto per capire quale era la colonna sonora, tanto per ricordare l'Impero di Bandiera Gialla, di Renzo Arbore e Gianni Boncompagni. Il pianeta, inoltre, non accettava il bipolarismo. Rangoon e il movimento dei non allineati ricordano che non tutti i popoli, il vietnamita, per esempio, o l'indonesiano (appena sterminato: mezzo milione di persone) sono docili alle manovre delle multinazionali e dei suoi eserciti e che il modello delle “democrazie popolari" e della sovranità limitata sia iniquo e catastrofico, salta all'occhio di chiunque, a sinistra, e fin dall'inizio. Le lotte di fabbrica in tutto il mondo industriale, nei primi anni'60, hanno già dato lo ‘start', e il primo vero segnale inquietante. Una forza lavoro a basso costo e a professionalità zero, ma a circolarità mille, da sfruttare sadicamente ovunque, è diventata l'operaio massa multinazionale incontrollabile, soggetto antagonista che darà un bel filo da torcere: ispanico e nero in Usa; maghrebino, turco, italiano, spagnolo e portoghese in nord Europa. Un ‘mostro’ che cambierà il mondo, cercherà con le sue lotte di istillare un po' di civiltà responsabile ovunque, e farà tremare il vero Mostro, il Dominio del Capitale, privato, di stato o di corporation. Anche perché le operaie della casa, nel frattempo, fanno saltare anche l'ultimo luogo di comando del ‘maschio sposato con prole' creando non pochi problemi agli equilibri simbolici dei film a venire. Ma, nel 1967, il ‘mostro' sta solo per toccare la maniglia... Le nouvelles vagues nazionali, europee dell'est e dell'ovest, ma anche indiane, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente, da dieci anni, dal 1958, stanno intanto provocando un maremoto rovinoso, mentre l'immaginario africano emette i primi vagiti alternativi. Giovani filmakers ambiziosi e determinati, in cerca di aria pura e iconoclasti, visionari e pieni di talento, patricidi conseguenti, si sono sbarazzati della tecnica dei registi anziani, dei generi polverosi e abusati, dei modi di produzione rigidi e paralizzanti, della lavorazione in studio, del sistema divistico antiquato, della commedia che non fa più ridere, del dramma che non dà più emozioni. Dei cinema di papà autoritari, gerarchici, letterari, ottocenteschi. Hanno adisposizione armi teoriche raffinate per dichiararlo morto, sepolto dalla banalità. Il formalismo, lo strutturalismo e la semiologia. Il cinema di papà, analizzato, è smascherato. Falso, pericoloso, noioso, da museo. Hanno a disposizione tecnologie leggere per prescinderne. Ed ecco gettarsi, zavattinianamente, al fianco di Jean Rouch o dei fratelli Maysles, per le strade con troupe minimaliste e 16mm o 8mm o 35mm usati come ‘camera stylo', ‘cinema verità', cinema diretto, cinema personale... cinema che racconta un'altra realtà, lontana da quella tangibile, più chiara, individualmente: Andy Warhol ha un anno intenso: /, a man, Bike boy, Nude restaurant, Four star 24 hours movie e Imitation of Christ. Imitando i documentari sociali delle tv più critiche, come la BBC; portando l'osceno al livello della nostra comprensione critica, visto che la pornografia ha ormai diritto di accesso libero nelle nostre fantasie; cercando aria pura e fresca per sfuggire all'anidride carbonica delle immagini elettroniche intossicate. E non lavorano in nome del ‘nuovo', per uno spettatore che non c'è ancora, come fanno Straub e Godard, ma a cominciare dall'anno successivo, ma per rimettere a posto alcune cose vecchie da recuperare, restaurare. Le ‘avanguardie storiche', per esempio. Non sono bastate due guerre mondiali a cancellarle, a digerirle. Tutto ricomincia da Dziga Vertov, Vladimir Vladimirovic Majakovskji, Hans Eisler. Ricomincia da quel testo che Dusan Makavejev consegna ai critici assieme al suo film Uno questione di cuore. "Come un libro, il film deve essere letto tra le righe. E tra le righe non c'è nulla. Il mezzo è il messaggio. Non esistono grandi artisti che non abbiano provato a descrivere l'atto sessuale. Il problema era fare un film in cui avessero massima importanza il fascino della nullità, gli istanti senza senso, la gente che non pensa. Che fosse una storia d'amore simpatica, comica, semplice, buffa, erotica e un po' nevrotica, come ogni rapporto umano. L'immagine deve soddisfare lo spettatore, dargli la “gioia di vedere" e nient'altro. E il suono deve aggiungere a tutto ciò che è privato e grazioso una dimensione storica. Gli strutturalisti sono gentilmente pregati di far speciale attenzione ai seguenti elementi: a) i topi; b) il rapporto tra “signifié" e “signifiant"; c) la rivoluzione. ‘L'arte è tutto ciò che si può far passare come tale': Marshall McLuhan"(Dusan Makavejev).

=== I film ===

* [[The big mouth]] (Il ciarlatano) di Jerry Lewis
* [[La chinoise]] (La cinese) di Jean-Luc Godard
* [[La Cina è vicina]] di Marco Bellocchio
* [[Echoes of silence]] (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* [[Echoes of silence]] (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* [[Lapis]] di James Whitney
* [[Ljubavni Slucaj Ili Tragedija Sluzbenice P.T.T.]] (Un affare di cuore, ovvero la tragedia di una postelegrafonica) di Dusan Makavejev
* [[Loin du Viet Nam]] (Lontano dal Vietnam) di Alain Resnais, William Klein, Joris Ivens, Agnés Varda, Claude Lelouch, Jean-Luc Godard
* [[Marat/Sade]] di Peter Brook
* [[Nihon shunka-ko]] (Sulle canzoni sconce giapponesi) di Nagisa Oshima
* [[Ningen johatsu]] (Evaporazione dell'uomo) di Shohei Imamura
* [[Point Blank]] (Senza un attimo di tregua) di John Boorman
* [[The president's Analyst]] (La folle impresa del dottor Schaefer) di Theodore J. Flicker
* [[Privilege]] di Peter Watkins
* [[Le règne du jour]] (Il regno del giorno) di Pierre Perrault
* [[Terra em trance]] di Glauber Rocha
* [[Wavelenght]] (Lunghezza d'onda) di Michael Snow

== Aspettando il sessantotto ==

=== Alle origini dell'underground italiano ===
Di Antonio Costa

“Queste opere vivono nella memoria di chi le ha viste come macchine capaci di produrre illusione e desiderio". Queste parole di Vittorio Fagone (1990:182), critico d'arte che ha seguito con grande attenzione l'evoluzione dal cinema sperimentale alla videoarte, si riferiscono ai film di Gianfranco Baruchello. Il contesto è quello della stagione aurorale del cinema d'artista, cinema dei pittori (“una stagione che non mi vergogno di rimpiangere pubblicamente"), in cui oltre a Baruchello vengono citati, tra gli altri, Anna Lajolo, Guido Lombardi, Mario Schifano, Ugo Nespolo. Credo che si possano estendere anche a molti altri film che hanno segnato la nascita del film sperimentale italiano le parole di Fagone, che bene rendono il clima di quella stagione. Quella stagione, appunto. Quando comincia? E quando finisce? E ancora: quali sono i confini di quelle esperienze? Cosa si comprende sotto le varie etichette di cinema sperimentale, underground, d'artista, indipendente? La (non molta, in verità) letteratura sull'argomento ci ha trasmesso alcuni dati che finiamo per ritrovare ripetuti in ogni compilazione storiografica più o meno attendibile: dipendenza (se non altro dal punto di vista organizzativo) dal modello del cinema underground statunitense (la Cooperativa del Cinema Indipendente modellata sul NAC); prevalenza di singole poetiche e percorsi individuali piuttosto che autentico programma di gruppo; rapida evoluzione e crescita del movimento sessantottesco con conseguente disinteresse per gli esiti nel frattempo maturati sia individualmente che in gruppo. Una volta che si decida di ritornare -e le ragioni possono essere diverse, ma tutte ugualmente valide- su quella stagione, sui suoi protagonisti indipendentemente dai percorsi individuali successivamente compiuti, sui loro film e sui loro testi, ciò che emerge è un bisogno di esperienza di cinema. Come ricordava opportunamente Bacigalupo (1974), furono proprio i protagonisti della CCI i primi a far conoscere in Italia i film del NAC. E quindi esperienza del cinema altrui, ma soprattutto esperienza di un cinema da fare, al di fuori del cinema istituzionale. E inoltre esperienza di cinema che si confonde con altre esperienze: di vita e di arte. Insomma, il cinema visto come esperienza essenziale, necessaria: quasi una risposta a un imperativo interiore, ma non solo (il faut absolument étre moderne!). Uno dei tratti che più colpisce nel cinema underground italiano è la totale (o quasi) assenza di riferimenti a una tradizione sperimentale del cinema italiano che pure era esistita (Aprà 1975:157). Perché non conosciuta, dirà qualcuno. O semplicemente perché gli stimoli vennero da fuori, perché le fonti furono cercate altrove. Ma forse non fu senza conseguenze questa assenza di radicamento e di confronto con una tradizione propria. Non è un caso che qui a Bellaria insistiamo tanto, come stiamo facendo da alcuni anni, sulle esperienze degli anni Sessanta. Dopo la personale di Grifi e il cinema e i video del e sul Living Theatre (con una notevole selezione dei film di Alfredo Leonardi), proponiamo quest'anno le prime esperienze di Bacigalupo, Baruchello, De Bernardi, Schifano, Nespolo, Adamo Vergine e Pia Epremiam. Questa sistematica rivisitazione che abbiamo cominciato e continuiamo (e continueremo, se possibile) a fare, vuole (vorrebbe) essere un'occasione per stabilire un rapporto con il passato (più o meno prossimo): un rapporto problematico, magari anche critico, non certo celebrativo e rituale. Tant'è vero che nella nostra proposta che quest'anno è focalizzata sull'anno 1967, l'anno "prima della rivoluzione" è compreso non solo il cinema underground italiano, ma un panorama di più ampio respiro che comprende alcuni dei punti più avanzati della ricerca internazionale. Proponendo le “vedute di un anno", il 1967, con qualche piccolo -e motivato- sconfinamento avanti o indietro, si è voluto mostrare allo "statu nascenti" un fenomeno che conoscerà ben altri sviluppi, collegamenti e accelerazioni l'anno successivo. Ma è probabilmente nel tempo della vigilia che meglio si possono vedere radici, rapporti di parentela e di filiazione, cogliere il fenomeno nella sua complessità. Questo dovrebbe mettere al riparo da mitizzazioni, atteggiamenti celebrativi. E preparare le condizioni, quando sarà il momento, per un approccio non superficiale con l'anno 1968.

=== Massimo Bacigalupo ===

* [[Quasi una tangente]] - 1966
* [[60 metri per il 31 marzo]] - 1968

=== Gianfranco Baruchello ===

* [[Costretto a scomparire]] - 1967-68
* [[Perforce]] - 1967-68
* [[Complemento di colpa]] - 1967-68
* [[Non accaduto]] - 1967-68
* [[Norme per gli olocausti]] - 1967-68
* [[Per una giornata di malumore nazionale]] - 1967-68

=== Tonino De Bernardi ===

* [[Cronache del sentimento e del sogno]] - 1968

=== Pia Epremian ===

* [[Epremian e Gigliola]] (Dissolvimento)

=== Anna Lajolo e Guido Lombardi ===

* [[D - Non diversi giorni si pensa splendessero alle prime origini del nascente mondo o che avessero temperatura diversa]] - 1969

=== Ugo Nespolo ===

* [[La galante avventura del cavaliere dal lieto volto]] - 1966/67
* [[Le gote in fiamme]] - 1967

=== Luca Patella ===

* [[Terra animata]] - 1967
* [[Intorno-fuori. Materiale per camminare]] - 1967
* [[Fanimesto-Manifesto, oggettivo-razionale, soggettivo-irrazionale]] - 1966

=== Mario Schifano ===

* Serata
* Ricordo
* Anna Karina in agosto vista dalle farfalle
* Jean-Luc Cinema Godard

=== Adamo Vergine ===
[[Espiazione]] - 1968

== Spazio Aperto ==
Against di Paolo Sabbatini

L'agguato di Claudio Balestri, Nicola Zanobi

Aloha! di Corrado Bernanzioli

Amore cieco di Simone Mazzetti

Un anno dopo di Massimiliano Mauceri

L'ascensore di Gianni Del Corral

Attenti al lupo di Andrea Di Luzio

Autoscontro di Giancarlo Campagnani

Avevo un appuntamento di Alessandro Pinto
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1997]]

1997

2025-03-18T11:18:06Z

Thomas: /* I film */

1997

2025-03-18T10:57:35Z

Thomas: /* Memorie e desideri (del cinema) */

== Enti promotori ==
Comune di Bellaria Igea Marina, Assessorato alla Cultura, Archivio del cinema indipendente italiano, con il contributo di: Presidenza del Consiglio dei Ministri, Dipartimento Spettacolo Regione Emilia Romagna, Provincia di Rimini.

== Direzione ==
[[File:1997 Locandina Anteprima per il Cinema Indipendente Bellaria Film Festival.jpg|alt=Locandina disegnata da Mario Schifano|miniatura|Locandina Anteprima per il cinema indipendente italiano, 1997]]

=== Direzione artistica ===
Antonio Costa, Enrico Ghezzi, Morando Morandini, Roberto Silvestri

=== Direzione organizzativa ===
Gianfranco Miro Gori

=== Segreteria ===
Anna Gradara, Paola Gori, Antonio Tolo

=== Ufficio stampa ===
Marzia Milanesi

=== Amministrazione e servizi tecnici ===
Saverio Gori

=== Impaginazione cataloghi ===
Antonio Tolo, Catia Donini

=== Hanno collaborato ===
Catia Donini, Paola Gradara, Paolo Pagliarani, Mirko Ricci, Marco Tomasin

== Presentazione ==
Di Mara Garattoni, Assessore alla Cultura.

In questi anni si è osservata la nascita di festival del cinema indipendente in diverse regioni d'Italia, quasi si trattasse di una tendenza forse della ordinaria necessità di contenere la spesa, mentre nel 1983, quando Anteprima ha preso l'avvio, poche erano le rassegne che si occupavano di questo segmento di cinema. Oggi la manifestazione bellariese ha raggiunto una sua fisionomia e un ruolo significativo nel contesto nazionale. A Bellaria hanno presentato le loro opere prime giovani autori che ora sono affermati registi: Soldini, Segre, Lodoli, Ciprì e Maresco, Rezza... e ciò conferma la qualità del lavoro svolto. Fra gli obiettivi che Anteprima ha perseguito, due vanno particolarmente evidenziati: l'occasione di incontro fra giovani filmakers che hanno potuto disporre di una vetrina per le loro opere; e l'opportunità di confrontarsi con i maestri del nostro cinema e con i loro film d'esordio. Si pensi ai "compleanni" di Prima della rivoluzione di Bertolucci, de / pugni in tasca di Bellocchio, de La battaglia di Algeri di Pontecorvo, dei Sovversivi di Paolo e Vittorio Taviani nella presente edizione. Le retrospettive hanno proposto percorsi di lettura e spunti di ricerca attraverso libere rivisitazioni della cinematografia italiana e internazionale, al fine di indagare differenti orizzonti di conoscenza, e di aprirsi ad un confronto sul piano estetico, sul piano semantico e oltre. Quest'anno è la volta del cinema del 1967, l'anno di Blow up, La Cina è vicina, Lontano dal Vietnam... E' l'anno in cui si afferma il bisogno di sperimentare forme di arte e di vita libere dagli schemi della tradizione; con questa retrospettiva si intende suggerire uno sguardo problematico, magari anche perplesso sulle opere del primo underground italiano, esente da intenti nostalgici e celebrativi. Anteprima ha cercato di avviare un rapporto dialettico, talora critico, ironico o curioso con il passato, senza perdere di vista le espressioni del presente. Si tratta ora di aprire prospettive nuove per rafforzare i risultati raggiunti e per maturare il ruolo significativo riconosciuto alla nostra rassegna nel panorama del cinema indipendente. Si può ipotizzare che Anteprima, oltre che fornire la visibilità alle opere prime dei giovani registi, possa divenire un punto di riferimento anche di mercato per il cinema indipendente? E' plausibile immaginare un'opportunità di produzione e commercializzazione per gli autori? La formazione, lo studio, la sperimentazione possono sostanziare la valenza culturale d un festival? Probabilmente sì, se questo non si esaurisce con l'evento, con la vetrina, ma vengano avviate relazioni fra più soggetti: autori, Università, Archivio del cinema indipendente, associazioni impegnate nella promozione della cultura cinematografica. Il patrimonio culturale di Anteprima oggi necessita di un rafforzamento finanziario ed organizzativo per diversificare gli ambiti della ricerca, per sostenere esperienze, favorire contaminazioni con quei mondi che si raccordano intrinsecamente col cinema quali la musica, la narrativa, l'indagine sociale o antropologica, ma anche con i luoghi dell'arte e della poesia. Occorre allora approfondire la riflessione per animare un circuito di idee, di competenze, di esperienze che stimolano la tensione ideale, il coraggio artistico, la creatività dei giovani autori restituendo al cinema le sue straordinarie potenzialità espressive talvolta mortificate da un appiattimento diffuso e spesso povero di pensiero. Qualunque rielaborazione di progetto e di programma deve tuttavia individuare come proprio punto di forza il cinema indipendente, elemento qualificante di Anteprima, in una prospettiva che sappia coniugare le potenzialità positive del cambiamento con il senso della propria esperienza.

== Analisi di un disincanto ==
Di Morando Morandini.

Agli inizi degli anni Ottanta, quando si cominciò, eravamo soli. Riempire un vuoto, s'usa dire. Avevamo trovato/inventato uno spazio -soltanto una vetrina? - per il cinema indipendente. Lo sapevamo che la locuzione era approssimativa, incompleta, imprecisa (e il video?), ma in quindici anni non si è riusciti a trovarne un'altra. Negli anni Novanta siamo in tanti, su e giù per la penisola, ad arare lo stesso campo, e ci facciamo concorrenza. È un buon segno. Pur avendo i suoi inconvenienti, la concorrenza stimola. Impedisce di ripetersi, sedersi, adagiarsi, addormentarsi. Circostanza ancor più importante, la concorrenza indica la presenza crescente di un fenomeno, lo sviluppo di un'attività produttiva, se non un mercato, su un arco di artigianato che è più ampio e ha più sfumature di quel che si crede: si va dal dilettantismo più privato al lavoro collettivo, dalla libertà più anarchica (almeno a livello potenziale) alle committenze pubbliche di enti locali. Pur tralasciando le iniziative analoghe alla nostra, basta vedere quante sono le rassegne di “corti”. Il ritorno al cortometraggio di 35mm è un fenomeno interessante degli anni Novanta che non è stato ancora analizzato come merita anche perché - distaccandosi da una tradizione nefasta 0, comunque, riduttiva del cinema italiano, e delle leggi che l'hanno regolato - non ci si limita più al documentario, ma ci si cimenta con la “fiction” o con formule ibride. Passiamo alle cifre. Nel 1993 le opere - 0, come scherzosamente diciamo noia Bellaria, i "pezzi" - presentate per l'ammissione al concorso furono 220. Nel 1994, quando finalmente dall'ultima decade di agosto Anteprima si spostò all'inizio di giugno, il numero calò a una cifra di poco superiore alle 150. Era inevitabile: i filmakers, almeno quelli abituali, avevano avuto meno tempo per approntare i loro nuovi lavori. Nel 1996si arrivò a 202 “pezzi”. Quest'anno c'è stato un improvviso aumento sopra i 270 per un totale di circa 85. Il che corrisponde a una durata media di 15 minuti. Se si tiene conto che per il concorso i selezionatori avevano a disposizione circa dodici ore (“Anche meno, se vi riesce", ci dicevano quelli della direzione tecnica) si vede che il rapporto è di uno a sette. Quello della scelta non è un lavoro facile, direbbe il signor di La Palisse. Anche quest'anno, giunta alla 15° edizione, Anteprima propone quella che per abitudine e convenzione s'usa chiamare la cornice, e che negli ultimi anni ha rischiato di prevaricare sul quadro, cioè sul concorso, per l'attenzione - e i titoli - che le hanno dedicato i mass-media. Il che, non a torto, ha sollevato proteste, mugugni e lamentele degli autori in lizza per i due Gabbiani. Oltre ai film del premio Casa Rossa (che non è ancora, ma potrebbe diventarlo, il vero premio, il più ambito, per il cinema indipendente italiano nell'ambito dei lungometraggi su pellicola indirizzati a quel mercato delle sale dove spesso, invece, non riescono a penetrare) e ai video di 150 secondi del concorso a tema fisso (Un bel Po, tema di attualità una volta tanto), c'è la consueta "festa di compleanno" che, inaugurata nel 1994 con Prima della rivoluzione, tocca questa volta a Sovversivi a trent'anni dalla realizzazione. I festeggiati saranno i fratelli Paolo e Vittorio Taviani e i loro collaboratori. C'è la retrospettiva che quest'anno ha assorbito la sezione di mezzanotte, intitolata L'anno prima, inteso come il 1967. Con un pizzico di malignità nel suo giuoco d'anticipo, la rassegna intende aprire la strada quelle celebrazioni del Sessantotto che l'anno prossimo saranno organizzate da altri festival, ma soprattutto offrire piaceri, emozioni, occasioni di riflessione e di studio al pubblico di Anteprima, in modo particolare ai giovani filmakers, in concorso e non, che, invece, in passato non l'hanno frequentata come dovevano e potevano. È lo si vede dai film che fanno, aggiungerebbe un maligno. È giusto e necessario e inevitabile voltar pagina, ma non prima di averla letta e capita. C'è da dire, infatti, che durante il cosi lavoro di selezione vengono, complice la Stanchezza, i momenti di sconforto per la pochezza del materiale che arriva a Bellaria. In quei momenti ci si domanda: ma vanno al cinema? che film vedono? quali i loro registi preferiti? che libri leggono? che idee di cinema hanno in testa? come e da chi hanno imparato? In selezione si passa dai balbettii cine(video)amatoriali del più bieco minimalismo provinciale alle più dissennate velleità di globali metafore metafisiche. (Perla cronaca: i primi provengono soprattutto dal Nord, le seconde dal Sud). Emergono allo stato larvale i peggiori vizi del sedicente cinema d'autore che da vent'anni ha vivacchiato sul parassitismo sovvenzionato dell'articolo 28 e che tanto ha contribuito ad allontanare dalla produzione nazionale il pubblico delle sale. Senza impancarci a sociologi improvvisati della domenica, viene a galla un altro dato interessante e preoccupante, vista la giova- ne età media dei videomakers aspiranti al concorso: un diffuso disagio giovanile, un malessere che talvolta ha, in modo più o meno esplicito, concrete ragioni sociali (disoccupazione, difficoltà di trovare un posto, disaffezione e svogliatezza per lavori alienanti, umilianti e mal retribuiti), ma che più spesso ha ragioni esistenziali e ristagna in un disincanto, vicino alla depressione se non alla disperazione. Importa poco in questa sede stabilire in che misura questo malessere sia espresso in modi efficaci e con mezzi adeguati, senza ridursi a un compiaciuto “piangersi addosso" che, d'altronde, si riscontra anche in altri settori: è il rispecchiamento di una generazione, di una società, di un paese.

== Concorso anteprima ==

* [[AI confine tra il Missouri e la Garbatella]] di Carola Spadoni
* [[Altro da sé]] di Gerardo Forlenza
* [[Un angelo sulla pelle]] di Federico Olivetti
* [[Astratti furori]] di Antonio De Lucia, Enrico Venditti
* [[Ballata trash]] di Cristiano Palozzi, Antonella Sica
* [[Belli sciallati]] di Bruno Bigoni
* [[Bianco muove (vince in cinque mosse)]] di Filippo Bettelli
* [[Buongiorno Serbia]] di Massimo De Felice
* [[I cancelli della memoria]] di Osvaldo Verri
* [[La carne sulle ossa]] di Daniele Gaglianone
* [[100 anni]] di Nicola Barnaba
* [[Cold ground]] di Guido Santi
* [[Colpi]] di Enzo Procopio, Donato Di Bello
* [[Come una giornata]] di Alessandro Carpentieri
* [[La cura]] di Guido Giansoldati
* [[Destiny - Un pieno d'amicizia]] di Marco Bragaglia
* [[È I figli di Terror|I figli di Terror]] di Giuseppe Selva
* [[Una fumata di sigaretta]] di Saverio Cosentino
* [[Giorno]] di Giovanni Lucci
* [[Itinerarium]] di Mario Catto
* [[Kiss]] di Giovanni Bogani
* [[La matta dei fiori]] di Rolando Stefanelli
* [[Neve russa]] di Myrice Tansini
* [[La passeggiata dello Schizo]] di Monica Petracci, Lorenzo Bazzocchi
* [[Piccole epifanie berlinesi (Kleine Berliner Epiphanien)]] di Giorgio E. S. Ghisolfi
* [[The retreat (La ritirata)]] di Michele Mellara
* [[Rien ne va plus]] di Gian Luca Cozzolino
* [[Se il tuo occhio dà scandalo, cavalo!]] di Beniamino Catena
* [[Lo sfratto]] di Alessandra Pagano
* [[Solo per i tuoi occhi]] di Alessandro Amaducci
* [[Sta calando il soul]] di Licio Esposito
* [[Statici 5]] di Jacopo Quadri
* [[Una storia di amore in quattro capitoli e mezzo]] di Mariano Lamberti, Roberta Calandra
* [[A strange marriage]] di Filippo Piscopo, Lorena Luciano
* [[Unicuique suum (A ciascuno il suo)]] di Luca Olivieri

== Premio Casa Rossa ==

* [[Il caricatore]] di Eugenio Cappuccio, Massimo Gaudioso, Fabio Nunziata
* [[Escoriandoli]] di Antonio Rezza e Flavia Mastrella
* [[La freccia azzurra]] di Enzo D'Alò
* [[Gli occhi stanchi]] di Corso Salani
* [[Pizzicata]] di Edoardo Winspeare

== 150 secondi a tema fisso (Un bel Po) ==
Video in Concorso

* Profumo di Yuri Ancarani
* Creazion di Vito José Arena
* Chico de puta di Cristina Bernardi
* Esesà, esesà motrate mja (Nera, nera, sorella mia) di Cristina Bernardi
* Un po' di qua un po' di là di Andrea Busi
* Anche l'odiens è una questione d'onore di Alex De Luigi, Lorenzo Pecchioni
* Secondo piano di Ruggero Di Paola
* Fiumi di parole di Maurizio Failla
* Briosch di Giorgio Fipaldini, Giulio Innocenti
* Senza foce di Stefano Franceschetti, Cristiano Carloni
* Oltre il fiume di Stefano Giovagnoni
* Un bel po' ad caloig di Ivano Gobbi
* Porciepolli di Ivano Gobbi
* Un bel po di Giuliana Landoni
* Na mna side di Monia Lippi, Monica Petracci
* Un bel Po di Mainposa
* Il caffè di Andrea Minoglio
* Buio Omega 2 di Graziano Misuraca
* Cocatime di Luciano Monti
* Horror vacui di Luciano Monti
* Grr di Domenico Murdaca
* Il mattone di Antonio Nardelli
* Lo spiritoso di Luca Olivieri
* Ho “un bel po" e di Massimiliano Ottaviani
* N.B.D.D.R. Nel blu dipinto di rosso di Andrea Pellizzer
* Appunti sul Po per una possibile Medea di Sergio Porro
* Un bel po di Giovanni Raggi
* Capodanno sul delta di Giovanni Rubino
* Questione di scala di Dario Soldo
* Il brufolo di Edo Tagliavini
* L'io di Veronica Tanzi
* Ave verum corpus di Sandro Vasini

== Arti e Mestieri ==

* [[Caos: progetto 5/96]] di Leofreddi
* [[Consuetudine in formato di dittico]] di Manuel Frara
* [[Es Stiirmt]] di Stefano Cagol
* [[Facevo le nugatine]] di Adonella Marena
* [[Marc's polka]] di Biagio Gibilterra
* [[Nino Ventura - forme di terra e segni di colore]] di Antonio De Lucia
* [[Stanze]] di Massimo Cangiano, Francesca Nottoli, Luca Zoppi
* [[La storia]] di Esterina Milli Toja

== C'è poco da ridere ==

* [[Alzabarriera]] di Giacomo Ferrante
* [[Giorni d'estate]] di Fabio Del Greco
* [[Madness]] di Giulio Kinchmayr
* [[Milonga]] di Turi Greco
* [[Mimmo X]] di Diego Olivares, Carlo Luglio
* [[Il sole sul muro]] di Riccardo Bianchini
* [[Soluzione temporanea]] di Maurizio Mirai
* [[Studente modello]] di Alessandro Riccio, Ruggero di Paola
* [[Umana... ma non troppo]] di Domenico Caraccia
* [[L'urlo]] di Ruggero Di Paola

== Memorie e desideri (del cinema) ==
[[Caro Camillo]] di Luigi Simeone

[[Direttive dall'alto]] di Marcello Gori

[[Doom]] di Marco Pozzi

[[I frutti puri impazziscono]] di Marco Bertozzi

[[L'homme cinéma (L'uomo cinema)]] di Alessandro Carpentieri

[[Non sono partigiano del “non importa cosa, non importa come..." Henri Alekan, cineasta]] di Alessandro Barbadoro, Romano Guelfi

[[Parto]] di Rosario Compare

[[La professione e l'uomo]] di Francesco Bettin

[[R.S.V.P. (repondez s'il vous plaît)]] di Stefano Argentero, Rita Ghilardi, Maria Cristina Costa

[[Salaam cinema!]] di Andrea Calvo, Umberto Trichero

[[Una volta. Wim Wenders, le tracce dello sguardo]] di Giovanni Bogani

== 1967 L'anno prima ==
Il cinema sperimentale e industriale, l'emerso e il sommerso, del 1967. Anteprima cinema presenta una selezione parziale di questi film, realizzati allora, in ogni parte del mondo. 1967, un anno davvero particolare, non ancora vissuto pericolosamente. L'anno prima del '68. Eppure Jerry Rubin e Wilhelm Reich già sono stati tradotti da noi. E' il momento, in Italia, delle discussioni accanite tra i fans di Bella di giorno e di Blow up, tra quelli che rischiano il gioco al massacro della perversione estrema, della ‘personalità multipla dentro se stessi", o che giocano ancora con le perversioni cerebrali e il riequilibrio del soggetto, dell'lo scisso. 1967, è anche l'anno della nascita della Cooperativa Cinema Indipendente, affiliata al New American Cinema, disgustata dai modi di produzione industriali e affascinata dal progetto, narcisistico e politico, di rovesciare gli artisti dal piedistallo e scaraventare l'arte, situazionisticamente, nella vita dietro allo slogan: ‘siamo tutti tutti artisti’. 1967, l'anno della comparsa di La presa del potere di Luigi XIV (solo in tv) e L'Harem, La Cina è vicina e A ciascuno il suo, La bisbetica domata, il miglior film di Zeffirelli, e Edipo re, Lo straniero e II giardino delle delizie, l'esordio di Silvano Agosti. Il cinema colto e il cinema popolare vanno alla scissione. Incomunicabilità totale. L'industria italiana in mano a strani figuri ne risentirà, non sarà più in grado nei decenni successivi di assorbire i succhi creativi fertili e indipendenti, forse definitivamente. E' un momento magico, dentro e fuori le sale cinematografiche. L'Italia sta per vivere gli ultimi splendori della Cinecittà classica, che sarebbe già capace anzi, ma non se ne accorge e nessuno l'aiuta, di precorrere i tempi. | nostri sub-musical, western spaghetti, horror estremi, avventurosi visionari, film "alla 007", fantascientifici a budget zero, film-fumetto e polizieschi, per lo più coprodotti con la Francia, a basso costo e alto ingegno, sono testi sacri pop per i filmakers d'oltre manica più anticonformisti. Landis e Scorsese, Demme e Dante, Carpenter e Waters, Henenlotter e Bartel, Spielberg (che già vi vede ET. e Indiana Jones) e Lucas, coloro cioè che guideranno poco dopo l'immaginario, per la prima volta planetario, globalizzato, fino alla fine del secolo, intanto studiano, e prima di Quentin Tarantino, Lucio Fulci (Come rubammo la bomba atomica), Antonio Margheriti (La morte viene dal pianeta Aytin), Steno (Arriva Dorellik), Jess Franco (Agente speciale LK.), Giovanni Fago (Per 100 mila dollari ti ammazzo), Sergio Sollima (Faccia a faccia), Piero Vivarelli (Mister X), Riccardo Freda (Moresque, obiettivo allucinante e La morte non conta i dollari), Ugo Tognazzi (Il fischio al naso), Sergio Corbucci (Bersaglio mobile e | crudeli), e Vittorio Cottafavi, Mario Bava e Giulio Questi. Intanto. Siamo agli ultimi bagliori del crepuscolo hollywoodiano. Un attimo prima dell'insorgenza definitiva della "new Hollywood", della generazione dei decostruttivisti (Coppola, Altman, Woody Allen, Ashby, Peckinpah, Rafelson, SchatZberg, Pakula, Mulligan, Peerce, Pollack, Roy Hill...). E tenendo da parte chi fa cinema direttamente rivoluzionario: gli underground; lo spaesato britannico Boorman; Theodore). Flicker, il cineasta sostanzialmente di un solo film e punito per averlo realizzato come voleva; i newyorkesi volanti come Cassavetes che catturano il respiro asmatico e nevrotico della metropoli; Orson Welles e Jerry Lewis. Sono proprio nel loro momento più "cool" i grandi vecchi dello studio system, che hanno appena fatto, o gireranno tra breve, il loro ultimo film, come Cukor, Minnelli e Ford. Da Howard Hawks (E! Dorado) a Sam Fuller, da Nicholas Raya Billy Wilder, da Elia Kazan a Robert Aldrich (Quella sporca dozzina), da Blake Edwards (Gunn) a Anthony Mann, da Stanley Donen (Bedazzled) a Otto Preminger (Hurry Sundown), da Frank Tashlin (Caprice) a Charlie Chaplin (La contessa di Hong Kong), da Henry Hathaway (The last safari) a John Huston (Riflessi in un occhio d'oro), da Phil Karson (A time for killing) a Mitchel Leisen (Spree), da Anatole Litvak (La notte dei generali) a Don Siegel (Madigan), da John Sturges (Hour of the gun) a Leslie Martinson (Fathom), da Arthur Penn (Bonnie and Clyde) a Richard Brooks (A sangue freddo) e al "fuori gioco" Joseph Losey (L'incidente). Tranne quest'ultimo, definitivamente esiliato a Londra, sono cineasti che ci danno nel 1967 le loro opere più esizialmente perfette e curate, dai cromatismi e dal significato più barocchi, dai tempi perfetti: puro catalogo mozzafiato degli stereotipi, dei generi, delle seduzioni più glamour, dei movimenti di macchina più elaborati e delle tecniche prodigiose della Hollywood di fase bizantina (la Viennale del 1994 proprio al cinema "cool", quello realizzato nella decadenza di Hollywood, tra il 1958 e il 1968, data di nascita della “new Hollywood", ha dedicato la sua bellissima retrospettiva). Tutti quegli elementi sono pronti all'esplosione ma eccoli qui congelati, fermati nell'eternità, per sempre. Eppure, anche in quei capolavori della crisi, la magia del ‘deja vu' riesce: il racconto è mistero, l'immagine è sogno, l'onirismo insomma resta miracolosamente fluido e equilibrato, ogni dettaglio è studiatissimo. Manca l'errore. Mentre chi attacca Hollywood frontalmente cerca il jamais vu', squilibri, anarchie, errori, smascheramenti, rimasticamenti, decentramenti, ribaltamenti, innesti e confusioni di generi, disarmonie, distruzioni. Lo vedremo anche nelle opere di Snow, McBride, Goldman, Lewis, Boorman, Flicker, che valorizzeranno il superfluo invece del sostanziale, il doppio invece dell'originale, l'interpolazione invece del ‘filo conduttore’. Estrarranno, da immagini che disturbano e non consolano, il dolore, la violenza e la follia che nel genere ferreo della produzione in serie di sogni sono stati mimetizzati, occultati. E che intanto nella realtà, nella vita, nei ghetti neri esplodono, bruciano. Siccome l'ordine imperante è strutturalmente disordinato (già il ‘Rossellini televisivo' incolpava l'anarchia catastrofica dello sviluppo capitalista responsabile del genocidio per fame, facilmente evitabile date le risorse, della quasi intera umanità), si cercherà con l'arte, di introdurre caos nell'ordine lo scrive Adorno. Lo praticherà il controcinema, con maggiore rabbia Glauber Rocha, da allora fino alla sconfitta, un decennio dopo. Nasce e si esaurirà in quel decennio 1967-1977, infatti, anche il cinema militante. Chris Marker nel 1978 ne tesserà l'elogio funebre in Le fond de l'air est rouge, sottotitolo Scénes de la troisiéme guerre mondiale 1967-1977. Dando la palla, da allora, al consumatore di immagini liberato (almeno lui): che ordini in modo diverso gli elementi proposti, che non caschi più in alcun trabocchetto ideologico, etico, religioso, contenutista, formalista; che 4 inventi un immaginario interattivo attrezzato, fantasioso e non celibe. Poteva essere l'era della rivoluzione, è stata almeno l'era di David Lynch e Quentin Tarantino 1967. Viviamo intanto in Europa la miaturità delle nouvelles vagues -Francois Truffaut gira Farenheit 451 e diventa il regista francese numero uno, non è più outsider- penetrate anche nei luoghi più difficili da sconsacrare, come Bucarest, Mosca, Praga e Belgrado, nascono nouvelles vagues, con un po' di ritardo, perfino nel Medio Oriente e nel Bengala...Fassbinder deve ancora realizzare la sua opera prima. Abbiamo scelto qualcosa di ciò che fu prodotto in quell'anno anche dai tre mondi extraoccidentali (Glauber Rocha, Nagisa Oshima e Shohei Imamura, per esempio) o che arrivò in Italia in qualche modo. O di cui allora si discusse. Nei club off, come il Filmstudio di Roma, dove approdava prima o poi la produzione alternativa di tutto il mondo, ed erano di casa Straub, Warhol, Markopoulos, Mekas e Brakhage. O ciò che fu analizzato (e magari visto dal pubblico normale molto dopo o mai) nelle riviste di tendenza, come “Cinema e film," cui molto dobbiamo nella scelta di questi film, e che apparve folgorante proprio nel 1966-1967, come Echi del silenzio di Peter Goldman, che pure fu realizzato nel 1965, o il più visto Le Samourai di Jean Pierre Melville.

=== 1967, l'anno unico ===
Di Roberto Silvestri.

Come nei terremoti devastanti. Si spacca la terra, da una parte c'è il vecchio che ci abbandona per sempre, dall'altra c'è un nuovo magmatico e misterioso che avanza. In mezzo c'è il 1967 e qualche dinosauro sbruciacchiato dalla lava incandescente che, forse, sopravviverà e trasmetterà memoria genetica... L'antagonismo sociale dei primi giovani diseredati metropolitani, a Mosca come a Tokyo, ha già fatto sentire la sua voce, ma è ancora solo teppismo isolabile, facile da controllare e degradare a gang criminale. Sfugge il contro design del consumo soprattutto giovanile di massa, però, e criptici sono i segnali telepatici di comunicazione tra teenagers polimorfi che liberano i loro corpi, stranamente disincarnati, nel rock che dilata la coscienza, nel viaggio beat (dentro e fuori di sé), nella transmentalità lisergica, nel sesso zen, nelle religioni non comandate...del 1967 sono i seguenti film beat-rock: Catalina Caper di Lee Sholem con Little Richard, Clambakedi Arthur H. Nadel, Easy Come Easy Godi John Rich e Double trouble di Norman Taurog con Elvis Presley, il juke box musical C'mon let's live a little di David Butler con Jackie DeShannon e Bobby Vee, The cool ones di Gene Nelson con Glen Campbell, Don't make waves di Alexander Mackendrick con Claudia Cardinale e i Byrds, Four stars di Andy Warhol con i Velvet Underground, Good Times di William Friedkin con Sonny and Cher, The Greadful Dead di Robert Nelson, Here we go round the Mulberry Bush di Clive Donner con The Spencer Davis Group, How | win the war di Richard Lester con John Lennon, it's a bikini world di Stephanie Rothman e The Animals, Magical Mystery tour dei Beatles, Riot on Sunset Strip di Arthur Dreifuss con Chocolate Watch Band and The Standells, Separation di Jack Bond con i Procol Harum, Tonite let's all make love in London di Peter Whithead con Small Faces, The trip di Roger Corman con Mike Bloomfield, Up the Junction di Peter Collinson con Manfred Mann. Tanto per capire quale era la colonna sonora, tanto per ricordare l'Impero di Bandiera Gialla, di Renzo Arbore e Gianni Boncompagni. Il pianeta, inoltre, non accettava il bipolarismo. Rangoon e il movimento dei non allineati ricordano che non tutti i popoli, il vietnamita, per esempio, o l'indonesiano (appena sterminato: mezzo milione di persone) sono docili alle manovre delle multinazionali e dei suoi eserciti e che il modello delle “democrazie popolari" e della sovranità limitata sia iniquo e catastrofico, salta all'occhio di chiunque, a sinistra, e fin dall'inizio. Le lotte di fabbrica in tutto il mondo industriale, nei primi anni'60, hanno già dato lo ‘start', e il primo vero segnale inquietante. Una forza lavoro a basso costo e a professionalità zero, ma a circolarità mille, da sfruttare sadicamente ovunque, è diventata l'operaio massa multinazionale incontrollabile, soggetto antagonista che darà un bel filo da torcere: ispanico e nero in Usa; maghrebino, turco, italiano, spagnolo e portoghese in nord Europa. Un ‘mostro’ che cambierà il mondo, cercherà con le sue lotte di istillare un po' di civiltà responsabile ovunque, e farà tremare il vero Mostro, il Dominio del Capitale, privato, di stato o di corporation. Anche perché le operaie della casa, nel frattempo, fanno saltare anche l'ultimo luogo di comando del ‘maschio sposato con prole' creando non pochi problemi agli equilibri simbolici dei film a venire. Ma, nel 1967, il ‘mostro' sta solo per toccare la maniglia... Le nouvelles vagues nazionali, europee dell'est e dell'ovest, ma anche indiane, dell'America Latina e dell'Estremo Oriente, da dieci anni, dal 1958, stanno intanto provocando un maremoto rovinoso, mentre l'immaginario africano emette i primi vagiti alternativi. Giovani filmakers ambiziosi e determinati, in cerca di aria pura e iconoclasti, visionari e pieni di talento, patricidi conseguenti, si sono sbarazzati della tecnica dei registi anziani, dei generi polverosi e abusati, dei modi di produzione rigidi e paralizzanti, della lavorazione in studio, del sistema divistico antiquato, della commedia che non fa più ridere, del dramma che non dà più emozioni. Dei cinema di papà autoritari, gerarchici, letterari, ottocenteschi. Hanno adisposizione armi teoriche raffinate per dichiararlo morto, sepolto dalla banalità. Il formalismo, lo strutturalismo e la semiologia. Il cinema di papà, analizzato, è smascherato. Falso, pericoloso, noioso, da museo. Hanno a disposizione tecnologie leggere per prescinderne. Ed ecco gettarsi, zavattinianamente, al fianco di Jean Rouch o dei fratelli Maysles, per le strade con troupe minimaliste e 16mm o 8mm o 35mm usati come ‘camera stylo', ‘cinema verità', cinema diretto, cinema personale... cinema che racconta un'altra realtà, lontana da quella tangibile, più chiara, individualmente: Andy Warhol ha un anno intenso: /, a man, Bike boy, Nude restaurant, Four star 24 hours movie e Imitation of Christ. Imitando i documentari sociali delle tv più critiche, come la BBC; portando l'osceno al livello della nostra comprensione critica, visto che la pornografia ha ormai diritto di accesso libero nelle nostre fantasie; cercando aria pura e fresca per sfuggire all'anidride carbonica delle immagini elettroniche intossicate. E non lavorano in nome del ‘nuovo', per uno spettatore che non c'è ancora, come fanno Straub e Godard, ma a cominciare dall'anno successivo, ma per rimettere a posto alcune cose vecchie da recuperare, restaurare. Le ‘avanguardie storiche', per esempio. Non sono bastate due guerre mondiali a cancellarle, a digerirle. Tutto ricomincia da Dziga Vertov, Vladimir Vladimirovic Majakovskji, Hans Eisler. Ricomincia da quel testo che Dusan Makavejev consegna ai critici assieme al suo film Uno questione di cuore. "Come un libro, il film deve essere letto tra le righe. E tra le righe non c'è nulla. Il mezzo è il messaggio. Non esistono grandi artisti che non abbiano provato a descrivere l'atto sessuale. Il problema era fare un film in cui avessero massima importanza il fascino della nullità, gli istanti senza senso, la gente che non pensa. Che fosse una storia d'amore simpatica, comica, semplice, buffa, erotica e un po' nevrotica, come ogni rapporto umano. L'immagine deve soddisfare lo spettatore, dargli la “gioia di vedere" e nient'altro. E il suono deve aggiungere a tutto ciò che è privato e grazioso una dimensione storica. Gli strutturalisti sono gentilmente pregati di far speciale attenzione ai seguenti elementi: a) i topi; b) il rapporto tra “signifié" e “signifiant"; c) la rivoluzione. ‘L'arte è tutto ciò che si può far passare come tale': Marshall McLuhan"(Dusan Makavejev).

=== I film ===

* [[The big mouth]] (Il ciarlatano) di Jerry Lewis
* [[La chinoise]] (La cinese) di Jean-Luc Godard
* [[La Cina è vicina]] di Marco Bellocchio
* Echoes of silence (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* Echoes of silence (Echi del silenzio) di Peter Goldman
* Lapis di James Whitney
* Ljubavni Slucaj Ili Tragedija Sluzbenice P.T.T. (Un affare di cuore, ovvero la tragedia di una postelegrafonica) di Dusan Makavejev
* Loin du Viet Nam (Lontano dal Vietnam) di Alain Resnais, William Klein, Joris Ivens, Agnés Varda, Claude Lelouch, Jean-Luc Godard
* Marat/Sade di Peter Brook
* Nihon shunka-ko (Sulle canzoni sconce giapponesi) di Nagisa Oshima
* Ningen johatsu (Evaporazione dell'uomo) di Shohei Imamura
* Point Blank (Senza un attimo di tregua) di John Boorman
* The president's Analyst (La folle impresa del dottor Schaefer) di Theodore J. Flicker
* Privilege di Peter Watkins
* Le règne du jour (Il regno del giorno) di Pierre Perrault
* Terra em trance di Glauber Rocha
* Wavelenght (Lunghezza d'onda) di Michael Snow

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1997]]

1997

2025-03-18T10:16:30Z

Thomas: /* C'è poco da ridere */

1997

2025-03-18T10:10:11Z

Thomas: /* Premio Casa Rossa */

1997

2025-03-18T09:44:09Z

Thomas: /* Premio Casa Rossa */

1997

2025-03-18T09:38:59Z

Thomas:

1996

2025-03-17T11:13:01Z

Thomas: /* Spazio Aperto */

[[File:1996 Locandina Anteprima per il Cinema Indipendente Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Anteprima per il cinema indipendente italiano, 1996]]

== Enti promotore ==
Comune di Bellaria Marina, Assessorato alla Cultura, Archivio del cinema indipendente italiano. Con il contributo di: presidenza del consiglio dei ministri- dipartimento spettacolo regione Emilia Romagna.

== Direzione artistica ==
Antonio Costa, Enrico Ghezzi, Morando Morandini, Roberto Silvestri

== Direzione organizzativa ==
Gianfranco Miro Gori

== Segreteria ==
Anna Gradara, Paola Gori, Antonio Tolo

== Ufficio stampa ==
Mazzia Milesi

== Amministrazione e servizi tecnici ==
Saverio Gori

== Presentazione ==
L'Assessore alla Cultura Mara Garattoni

Anteprima è una manifestazione turistica o un evento culturale? È un interrogativo che ogni ogni anni si ripropone, a Bellaria, in varie sedi, da quelle del mondo associativo ed economico, ai banchi del Consiglio Comunale, qualche eco forse sfiora anche tanti bellariesi ormai presi dall'avvio a pieno ritmo della stagione turistica. È una domanda legittima dato l'investimento economico della Pubblica Amministrazione, tuttavia la riflessione dovrebbe essere intellettualmente onesta, libera da schieramenti pregiudiziali e soprattutto consapevole che la qualificazione culturale di una città percorre strade talvolta più accidentate di quelle volte al benessere economico. Losi può constatare ogni volta che si cerca di comparare questo dato con il grado di insoddisfazione psicologica, affettiva, spirituale, che assilla tanti individui delle aree più sviluppate del mondo. Dunque è certamente positivo mantenere la dialettica su temi legati alla promozione sociale e culturale di una città, come è avvenuto nel Consiglio Comunale del 20/5/96, che ha approvato una proposta di accordo di programma tra i Comuni di Bellaria Igea Marina e Rimini sui festival del cinema indipendente: Anteprima e Rimini cinema. Questa deliberazione esprime un indirizzo programmatico teso alla valorizzazione di forme espressive e produttive marginali in quanto sorte ed agite fuori dai circuiti della grande industria cinematografica. L'offerta di un luogo di emersione a idee e sensibilità innovative, la promozione di occasioni di contaminazione culturale fra autori provenienti da aree geografiche diverse e lontane, la formazione di operatori locali capaci di sviluppare una progettualità coerente ed organica in un fecondo rapporto con intellettuali di differente provenienza, contribuisce necessariamente alla crescita culturale della nostra città. La rassegna di film organizzata nei mesi di marzo-aprile (Periferie) in collaborazione con l'Archivio del Cinemalndipendente e la presenza, alle proiezioni, di un pubblico numeroso e attento, dimostra come l'interesse per il cinema si stia risvegliando nuovamente fra molti giovani che rifiutano la visione di opere ‘offese’ dalla mercificazione televisiva. L'obiettivo dell'accordo di programma fra Anteprima e Rimini cinema dovrebbe tendere a rafforzare la presenza delle due manifestazioni nel quadro delle proposte e degli eventi che segnano la stagione estiva della provincia riminese, salvaguardandone tutta via la rispettiva identità e specificità tematica. Una conseguenza implicita di questa scelta dovrebbe essere la realizzazione di un sistema integrato dell'offerta culturale a livello provinciale tesa alla razionalizzazione delle risorse, all'arricchimento della proposta culturale, ad una fruizione più articolata delle manifestazioni, al sostegno di relazioni dinamiche sempre feconde di incontri, di idee, di proposte. Il programma di questa 14“edizione propone il 30° compleanno de La battaglia di Algeri di Gillo Pontecorvo, un film sul Terzo Mondo e sul colonialismo che racconta sentimenti, emozioni, entusiasmi, sofferenze di tanti uomini che concentrarono i loro sforzi per liberarsi dal potere imperialistico per dar vita ad una nazione. Il film propone la storia vista dalla parte dei popoli coloniali che lottano contro l'oppressione, un'opera che offre l'occasione per parlare dei tanti drammi che affliggono il Terzo Mondo. L'Algeria di oggi, infatti, fornisce un esempio delle contraddizioni e delle lacerazioni interne, e ancora vive, di un popolo che ha vissuto l'esperienza del colonialismo. La retrospettiva, coerentemente con la scelta de La battaglia di Algeri è dedicata al cosiddetto Terzo Cinema, nato verso la metà degli anni ‘60. Esso si pone programmaticamente fra il cinema dipendente commerciale e quello d'autore, anch'esso influenzato da esigenze di mercato. Il Terzo Cinema, invece, è indipendente, politico, interculturale, è un cinema di frontiera che affronta tematiche internazionaliste, del Terzo Mondo, dei disoccupati, della droga, dell'antipsichiatria, della liberazione nazionale. I film proposti nella sezione ci introdurranno in geografie dell'immaginario poco frequentate, contribuendo ad accogliere nei nostri orizzonti emotivi e culturali il ’diverso da me”. In questa 14° edizione Anteprima, oltre al consueto Premio Casa Rossa, dedica un omaggio particolare atre esponenti significativi, ciascuno a proprio titolo, del panorama cinematografico italiano. Si tratta di Paolo Gobetti, figlio di Piero Gobetti, partigiano e responsabile per oltre trent'anni dell'Archivio Nazionale Cinematografico della Resistenza, recentemente scomparso; di Vittorio De Seta, regista ‘scomodo’ che racconta l'estraniazione, il viaggio interiore alla ricerca di sé, quindi il disagio esistenziale di chi non sa conciliarsi col mondo; di Gianfranco Mingozzi, voce impegnata nella produzione italiana di documentari di impegno civile. Dunque Anteprima, attraverso le sue sezioni, propone un intenso viaggio in quel cinema indipendente che sa rivolgere uno sguardo criticamente attivo sulla storia, sul mondo e sulle intrinseche contraddizioni che dovrebbero sempre inquietarci per elevarci dalla palude dell'indifferenza.

== Cinema ennesimo, cent'anni dopo ==
Di Enrico Ghezzi

Dopo molti (troppi) anni, infine non c'è completamente oscuro come il cinema indipendente che si impone all'attenzione (o che perfino si faccia amare con tensione e senza bisogno di intenzione) sia indipendente soprattutto da se stesso e dai propri autori. Non ci piace ammetterlo, perché la cosa ci porta vicino alla sostanza collettiva e politica di una comunicazione che non conosciamo e che ci eccede, misteriosamente più forte e intensa dei tentativi anche più accaniti folli, raffinati di orientarla cavalcarla mutarla. E non ci piace perché siamo invece costretti a attaccarci a nomi, progetti, stili precisi o in formazione, nella ricerca, nello studio, nel farsi di questo festival stesso, nel piacere. Con piacere si verifica quest'anno a Bellaria la congiunzione casuale e non voluta di due cinemi, di due diversissimi progetti di cinema in Italia, che nell'estate di un anno fa hanno segnato il dibattito politico culturale. Accettando e seguendo caparbiamente il criterio cronologico, il trentennale incontra quest'anno un grande film-problema, La battaglia di Algeri di Pontecorvo. Lo stesso Pontecorvo che dirige il maggior festival italiano di cinema, dove l'anno scorso era stato invitato solo a margine Lo zio di Brooklyn di Ciprì e Maresco. I quali rifiutarono l'invito, e si ritrovano oggi qui premiati come miglior film “indipendente” dell'anno (dopo esser stati bellamente e paradigmaticamente ignorati perfino nelle nomination del più ufficiale e ‘importante” premio italiano di cinema). Curiosamente, nella stessa estate scorsa, il cinema di Pontecorvo era stato evocato in occasione dell'uscita anche da noci di un libro postumo di Serge Daney, ossessivamente ritornante (come motivazione teorico biografica (non) casuale del suo fare critica) sul feticcio negativo del “carrello di Kapò”. Convinti come siamo che per il cinema e nel cinema siamo importanti come le immagini (insieme conservate e transeunti, fissate e passeggere, congelate e liquide) le parole prima e dopo film, i prolungamenti d'immagine nella memoria mutante, i rimpianti di futuro, i lapsus e le immagini più definitive e controllate e firmate, pensiamo che il confronto tra due film così distanti e eccentrici, e il planare di quel "carrello” come un fantasma retorico (giustamente Pontecorvo ha detto di non ricordarsene neanche, giustamente Daney e altri lo prendono come una perversione nascosta, forse "pericolosa” (!) proprio per la sua irrilevanza), possono sbatterci in faccia le incertezze del nostro accanimento intorno all'indipendenza e alla "libertà" del cinema (italiano). Italiano tra parentesi, da quando le retrospettive e le personali hanno spalancato un occhio apolide su esperienze di cinema libero in tutto il mondo, contaminando l'indipendenza italiana con il cinema living, o con autori (Ed Wood, Jack Hill) e generi nati intorno o dentro la fabbrica più costrittiva (quella hollywoodiana). Terzo cinema, quest'anno, che aldilà della contingenza storica della definizione ci consegna all'ipotesi di un terzo che non si dà ma è, oltre Lumière /Meliès, oltre Lang/Rossellini, oltre Kubrick /Vigo. Cinema della necessità e dell'assurdo, dell'indipendenza rispetto alle fabbriche dominanti, della volontà di moltiplicare fomi e fabbriche e sogni. Non lontano, nel luogo e nel tempo, dalla situazione oggi del cinema italiano. Trenta, venti, dieci anni dopo, il cinema geograficamente culturalmente politicamente esotico e diverso è diventato non più l'unica speranza ma la realtà necessaria dei festival internazionali intesi come circuito, anche mentre la battaglia per alcuni cinemi nazionali sembra a tratti persa (per esempio in America Latina). Da noi, con la televisione che per dieci anni ha sostituito e costituito il cinema italiano salvo schegge autoriali, esuli apolidi, e sopravvivenze auto conservative del piccolo sistema cinema assistito, i cineasti si trovano, svanita ora anche l'illusione barricadiera di resistenza e lunga marcia antiberlusconiana, a dover inventare il (proprio) cinema, a rendere fiammeggiante e necessaria la loro flagrante superfluità. Non è negativa, la nudità del cinema italiano. L'immagine opaca che continua a dare di sé anche nella vitalità, paragonato alla continuità brillante del cinema "giovane" francese inglese americano neozelandese giapponese portoghese kazakho. Come se tale opacità fosse autonomamente evidente rispetto all'interesse o all'eccezionalità di ormai numerosi "autori" e film nuovi (da Martone a Corsicato a Incerti a Ciprie Maresco, Capuano, Rezza, Misuraca, Scimeca, Infascelli, Benigni, Calogero, Fragasso a... De Bernardi, a Troisi), al proseguire di autori-guida riconosciuti anche all'estero dopo Bertolucci (Moretti e Tornatore, Amelio, Avati, Argento), al permanere attivo di alcuni anziani maestri, e di cineasti della generazione di mezzo (i Del Monte, Grifi, Giuseppe Bertolucci, Giordana, Faccini, Piscicelli, Paolo Benvenuti) ai giovani intelligenti rivitalizzatori di generi (Virzì, Baldoni, Piccioni, Verdone, De Lillo/Magliulo, Tognazzi e Risi), a altri seri percorsi d'autore (Archibugi, Segre, Soldini, Bigoni, Salvatores, Nichetti, Grimaldi, Alessandro Benvenuti, Mazzacurati, Ferrario) ai frutti del trapianto di cuore praticato da Moretti sul corpo del "cinema civile" (Luchetti, Calopresti)... e mi fermo senza pretese di esaustività (anzi affidando al caso del momento di memoria la (in)completezza del panorama, ricordando tra i molti visti a Bellaria almeno i nomi di Segatori e Gaudino, che ancora devono "chiudere" il primo lungometraggio dopo prove cache geniali). Per quanto insegua la realtà e proclami la propria, il cinema italiano stenta a trovare un luogo nell'immaginario, da noi e altrove. Come se il suo ennesimo manifestarsi restasse sempre secondo rispetto a se stesso prima di tutto (il cinema che da Rossellini a Antonioni a Fellini, da De Sica a De Santis a Visconti ha cambiato il modo d'essere del cinema, prima che le nouvelles vagues mutassero il modo di percepirlo e -ancor più- di percepirsi), e incerto rispetto ai vari "nuovi cinemi" nazionali che di volta in volta si sono presentati e affermati. Divorata un'ipotetica nouvelle vague dalla formidabile generazione dei padri (si salva, e quindi muore, Pasolini; come muoiono al cinema Schifano e Bene; fugge in uno straordinario estremismo "filmico" Bertolucci, oggi quasi "non riconosciuto" in quanto definitivamente approdato a un territorio "altro", più che apolide: l'Italia fiabata che balla da sola), smangiato e ricoperto il territorio dalla pervasività televisiva, il cinema italiano è costretto ben oltre le volontà di isolamento e di rigore autoriale, e ben altrimenti rispetto alle buone (pessime?) intenzioni di radicamento e di rappresentazione, a essere (solo) se stesso, a farsi conico in modo radicale di una nudità che il cinema altrove maschera, ma che il cinema stesso, diffondendosi oltre la sala e oltre gli apparati e le macchine, nell'etere e infine nella nostra testa, ha additato per sempre. A suo modo, già la giuria di Bellaria 1996, compresa tra De Seta e Asia Argento, tra un affascinante cineasta dall'opera interrotta e una fascinosa giovanissima attrice che ha appena dichiarato di esser stanca del cinema, manifesta questa incertezza, questo esistere venendo meno. E noi siamo necessariamente ridicoli, dovendo non comprendere nell'elenco “tecnico” dei film indipendenti dell'anno L'amore molesto o La seconda volta a causa della forte partecipazione Rai. Ancora costretti a valutare la provenienza dei capitali, come se infine l'indipendenza non fosse anche e soprattutto quella dal proprio capitale/budget, infimo o enorme, comunque dubbio per circolare provenienza. Ma, constatati i tenaci ma rarefatti legami con la tradizione, il cinema italiano è quasi tutto nella invidiabile (0 poco) situazione di doversi considerare “indipendente”, se si esce dalla questione infine ristretta di quali siamo i soggetti (produttore o regista o sceneggiatore) da misurare nell'indipendenza. E insieme è tutto fortissimamente dipendente dalla propria mancanza di sicurezza, dalla propria scarsa legittimazione in sala, dalla modesta forza contrattuale nei confronti della produzione televisiva. In questo Anno uno (dopo Lumière) del cinema italiano, Anno uno come il sublime film politico di Rossellini, l'attesa verso rinascite per via legislativa è certo eccessiva. Quanto alla rappresentatività di questo cinema, al suo probabile proporsi futuro come unico plausibile resoconto sociologico di questi giorni (lo afferma da tempo Mario Sesti), è lapalissianamente sicura. Ahimè o per fortuna in modo indipendente dagli autori, in pura virtù di cinema, di registrazione filmica in cui milioni di indizi e di tratti restano comunque impigliati, anche in assenza di virtù specifiche, in un testo unico e immenso in cui la più preziosa inquadratura di Ciprì e Maresco si trova contigua a quella del più piatto momento di un Salvatores, e entrambe hanno la stessa “portanza”, lo stesso “pieno* inevitabile. A noi, a Bellaria e altrove, interessa un cinema che non sia solo l'automatismo di questo pieno (magari aggravato da ridicole intenzioni d'autore o da più comprensibili e mediocri istanze di affermazione sociale), mail tentativo di trame dei vuoti, delle forme in negativo, delle traiettorie inattese di libertà dentro l'insopprimibile imprigionamento che è il fotogramma. Con l'arrivo tra un mese del festival Sacher di Nanni Moretti, sono ormai almeno cinque gli appuntamenti di un qualche peso stabilmente dedicati al cinema italiano giovane o indipendente o a piccolo budget o corto o “altro”. Un sotto circuito dentro il circuito dei festival maggiori nazionali e internazionali. Percorso e prodotto come sempre da aspirazioni almeno doppie: l'ansia di proporsi, di farsi conoscere e apprezzate (anche dai maneggiatori di capitali e dai soggetti situati in luoghi istituzionali della distribuzione) ai fini di un passaggio a circuiti superiori; e quella di esprimersi e spremersi e imprimersi un po' (nel nastro o nella pellicola), a qualunque (non) costo. Più tutti i terzi e ennesimi cinemi (da Grifi a...) che avvertono e praticano l'urgenza di altro, del proprio o altrui "altro", fino all'immagine più personale e solipsistica o a quella ancora oltre, meta personale o impersonale fino a essere "spossessaria". Serpeggia comunque l'insoddisfazione (di chi vede e di chi propone, di chi cerca e di chi (non) trova, di chi giudica, di chi classifica), in un luogo come questo: il luogo di Bellaria, il luogo cinema indipendente. Da sempre disordinato e babelico (nel suo piccolo), Anteprima, che forse è stato indispensabile, è ora costretto a divenirlo, indispensabile, per non essere solo il confortante o sconfortante anello del circuito. Forzando l'autosufficienza di esso con le aperture apolidi, non parallele, ma oblique, tangenti, perfino stridenti. Con l'improvviso incontro cronologico e fatale con le apparizioni di quando il cinema si illudeva di essere più sicuro. Proponendo in futuro una selezione sempre più rigorosa e di ‘tendenza’, ma anche (mentre il senso della stessa parola “anteprima” si perde appunto nel circuito) una panoramica esaustiva, sia pur mostruosamente esaustiva, accompagnata da una sorta di mercato, con ospiti e esiti magari perfino antitetici rispetto alle proposte e alle scelte e ai desideri di chi al festival darà o continuerà a dare forma. La forma che oggi (ripeto, orgogliosamente, quasi per caso) propone insieme il verosimile simil vero del film capitale di Pontecorvo (una sorta di rovesciamento (post)rosselliniano), così amato dal cinema mondiale e mitizzato da noi, e il radicalismo vuoto dello Zio di Brooklyn, film sbiancante (o annerente) di tutto il cinema italiano, che ci riporta a zero. Pronti impensabilmente a apprezzare scogli e iceberg e emersioni più precise, perfino a disegnare itinerari manuali, come se invece di spruzzi e spume si trattasse ancora di essere fatalmente qui, cresta ennesima di un cinema tutto assommato nella propria profondità liquida, srotolio di una smemoria (compattamente gassosa?) cui partecipano le telecamere di controllo e il set di Scorsese, la testa di Kubrick che immagina film e il meno riuscito, il più presuntuoso, il meno ambizioso dei video da un minuto che però è qui (non si accontenta della beatitudine di non esserci), in questo momento svanito. P.S.: Il titolo di un bel film della retrospettiva “Terzo Cinema”, Les Dupes ("gli ingannati”, i presi in giro), mi fa di nuovo pensare all'illusione politica che forse ci anima e che mima il cinema forzatamente indipendente e anche quello indipendente per elezione (e quello che presto sarà indipendente dalla realtà grazie al virtual sintetico digitale). E un vecchio gioco di parole lacaniano. Les non-dupes errent. I non ingannati sbagliano. Che si può mutare all'ascolto in Le nom du père (il nome del padre). Ingannati dal cinema, nel nome dei padri, infine voi e noi dotati di una certa ottusità che, non si sa perché, sono liberi di (non) sbagliare. E di errare.

== Concorso Anteprima ==

* [[L'acca non c'è più]] di Barbara Rossi Prudente
* [[Al centro del centro]] di Maurizio Maliore
* [[Ali di pongo]] di Antonio Lucorini
* [[Anatomia del desiderio]] di Roberta Brambilla
* [[Ba ba baciami]] di Raffaella Russo
* [[La beffa]] di Riccardo Acerbi
* [[Capodanno a Sarajevo]] di Giovanni Rubino
* [[Coincidenze]] di Marco Turco
* [[Disegni di sogni]] di Davide Schinaia
* [[DNA]] di Giorgio Valentini
* [[Ecuba]] di Roberta Torre
* [[La famiglia Adamo]] di Domenico Costanzo
* [[Flora]] di Marcel Cordeiro
* [[La Guinea verso Casarola]] di Giovanni Martinelli
* [[Liri-la stagione dei fiori tristi]] di Raffaele Schito
* [[Mothra - donnez l'esprit]] di Marco Bragaglia
* [[Neighbors - Vicini di casa]] di Carola Spadoni
* [[Normale]] di Flavio Bonetti
* [[Gli occhi stanchi]] di Corso Salemi
* [[Operazione Mergellina]] di Angelo Serio
* [[Pronto Soccorso e Beauty Case]] di Renato Ricatto, Renato Peronetto, Silvano Beltrame
* [[Queen be]] di Max Croci
* [[Ricordi]] di Stefano Pratesi
* [[Storia di Tonino]] di Andrea Bevilacqua, Cristina De Ritis
* [[Sventramento]] di Stefano Russo
* [[Todos os dias]] di Alberto Momo
* [[L'ultimo uomo]] di Beniamino Catena
* [[Il vento fra le mani - la violenza nemica]] di Daniele Gaglianone

== Casa Rossa ==

* [[Lo zio di Brooklyn]] di Daniele Ciprì e Franco Maresco
* [[I buchi neri]] di Pappi Corsicato
* [[Il verificatore]] di Stefano Incerti

== Fuori concorso ==

* [[Le mamme del Leoncavallo -isole di resistenza umana]] di lsabella Ciarchi
* [[La murciaola]] di Odetta Ciancarelli

== 150 secondi a tema fisso (Suspense) ==
Video in concorso

* La sentinella di Paolo Ameli
* O pallone di F. Armitti, E. Baldini, S.Tornatore, G. Zavota
* Dentro lo specchio di Katia Assuntini
* Lametta di Alessandro Avellis
* Blues di Matteo Balducci
* Piccolo museo da viaggio: Francis Bacon di Alberto Barbadoro, Paola D'ignazi
* Brutti sogni di Nicola Bamaba
* Give me the cure di Elisabetta Battazzi, Maria Bevilacqua
* Saluto di vino di Cristina Bernardi
* Parcheggio infuocato di Alessandro Bertami, Alberto Soncini
* Suspence di Giovanna Berti
* It really could happen... di Matteo Bertocchi
* L'inseguimento di Silvano Besozzi
* Suspense di Silvano Besozzi
* Happy end di Giovamni Bognetti
* 1998 di Luigi Bonizzato
* Il ribelle di Amedeo Borelli
* Prison di Daniela Borsese, Mauro Coni
* Andeira di Gianluca Cacciatori
* Lapsus di Giovanni Calamari
* La cattiva maestra di Cosimo Calamini
* Cuorridoio di Monica Capoferti, Mila Bagatin
* White traffic di Monica Castiglioni, Enzo Umbaca
* Fragilità di Giulia Cerulli
* Vieni nonno... di Agata Chiusano
* Affiorano di Stefano Cignola, Matteo Petterlini
* Ballo doppio di Francesco Paolo Cipriani
* Scambio di Rosario Compare
* Un curioso indizio di Jurij Paolo Crescentini
* Milkiller di Max Croci
* Toilette di Fulvio D'Aria, Max D'Ambrosio
* Kalari Pait di Paola D'Ignazi, Gianfranco Boiani
* Il bulimico di Sandy DaFré, Davide Pepe
* Fallimento oltre i confini di Enzo De Pascale
* ... di riflesso di Roberto Della Tone
* Giochi proibiti di Roberto Dordit
* Gratta e vinci con delitto di Maurizio Failla
* Il mostro di Guglielmo Finazzer
* Urbasme di Fulvia Frenquellucci, Julio Di Egidio
* Il viaggio di Luciano Galluzzi
* The doubt (Il dubbio) di Alga Geminiani
* Whodunit? di Sabrina Goria, Giammarco Mastore
* Stromboli di Valerio Governi
* Sous - penser di Monia Lippi, Monica Petracci
* Il telefono la tua croce di Giorgio Longo
* Cesareo in Peridurale di Jeon Paul Lustrissy
* Bum! di Elena Magliola
* Dear DEADdy di Federico Maraner
* Figaro di Daniele Marcovecchio
* Pic nic di Daniele Marcovecchio
* Where is my bloody chair! di Giovanni Martinelli
* Anticamera di Luigi Martinucci
* Senza soluzione n°1 di Maurizio Mirai
* A scuola di cinema di Antonio Nardelli
* Scatti di Francesco Maria Ocelli
* Lo scatto finale di Luca Olivieri
* Les observateurs di Daniela Panfili, Enzo Fenara
* Corto respiro di Andrea Pellizzer
* Suspense... (al cioccolato) di Rosario Pipolo
* Contemplazione di Riccardo Poma
* Orme piccine di Sergio Porro
* Stampe di Maurizio Quaglioma
* Blow in di Luca Rampoldi
* La cantina di Giovanni Romocchi
* Casa dolce casa di Giovanni Rossetti
* Driin di Marco Salotti
* Merde!(3 more minute...)di Claudio Saponara
* 25/04/96 di Leonardo Savioli
* Morbo d'Alzheimer di Davide Scalisi
* L'altro testimone di Massimo Schiavon
* Giochi d'adulti di Barbara Seghezzi
* La scatola di Michele Senesi
* Hitch Crock di Rocco Sestito, Giorgio Santorelli, Paolo Lazzaretto
* Incontro di Claudio Sorgi
* Ancora un jour di Gianluca Stuard
* 10:15 Saturday night di Valeria Tocchi
* Zero di Leonardo Valenti
* Suspance di Luigia Vecchiet
* Un telefono rosa di Cristina Vuolo

== Molti Media ==

* [[95-100]] di Tonino Forcisi
* [[Andando con brio... ovvero libertà a modo mio]] di Manuel Luise, Valeria Pagin
* [[Camera oscura]] di Marco Lanzafame
* [[Cento di questi anni]] di Lorenzo Perrone
* [[Cinema]] di Brunella Audello e Vittorio Dabbene
* [[La collina del cinema]] di Andrea Piccardo
* [[Emanuele Modica pittore]] di Luigi Simeone
* [[Memorie - I Bagaresi]] di Paolo Pintacuda
* [[Notturno, che è della notte, che appartiene alla notte]] di Stefano Cagol
* [[L'occhio della moto]] di Paolo Taddei
* [[Potrei farvi un film]] di Beppe Anderi
* [[Senza soluzione]] di Maurizio Mirai
* [[Starting from scratch]] di Filippo Piscopo
* [[TG Reporter]] di Paolo Cantarutti, Michele Lamon, Francesco Lodolo
* [[Il tipografo, l'apprendista e il libro]] di Nosrat Pomahi Nejad
* [[Videomaker]] di Maurizio Francabandiera

== Dedicato a ==

=== Vittorio De Seta ===

* [[Un uomo a metà]] di Vittorio De Seta
* [[Vittorio De Seta: lo sguardo in ascolto]] di Daniele Ciprì, Franco Maresco
* [[Il tempo di Vittorio De Seta]] di Salvo Cuccia, Marcello Alajmo, Ignazio Plaia, Maurizio Spadaro

=== Gianfranco Mingozzi ===

* [[La terra dell'uomo]] di Gianfranco Mingozzi

=== Paolo Gobetti ===

* [[Le prime bande]] di Paolo Gobetti
* [[Un'altra Italia nelle bandiere dei lavoratori]]

== Spazio Aperto ==

* [[L'afflato dell'’automa]] di Giuseppe Claudio Rizzo
* [[L'affluenza al forno]] di Giovanni Menicocci
* [[Alchemia]] di Ugo Pozzi
* [[Alla luce della notte]] di Antonio Bocchi
* [[L’altra]] di Rocco Sestito
* [[Appuntamenti]] di Sergio Salvano
* [[Arrest]] di Michele La Rosa
* [[Asterione]] di Stefano Bessone
* [[Avrei un problema]] di Alessandro Riccio
* [[Barricate]] di Alessandro Scippa
* [[Beyond the doorsill]] di Agata Chiusano
* [[Broadway via Emilia]] di Francesco Paladino
* [[Che]] di Guglielmo Finazzer
* [[Chicco G. Ado]] di Giuseppe Selva
* [[Come sono stretti questi panni]] di Compagnia Alcantara
* [[Cronaca di un film mai esistito]] di Chiara Bertoni, Cinzia Piccinini, Cristina Squarzoni
* [[Dalia nera]] di Antonio Pedicini
* [[Due amici]] di Stefano Melgara
* [[Due registi a Milano]] di Federico Rizzo
* [[ERTL]] di Francesco Calandra
* [[Escape]] di Beatrice Fiorentino
* [[Fame per un giorno]] di Manfredi Alessio Urbini
* [[Fiamma]] di Stefania Calatroni
* [[Forza di gravità]] di Manfredi Alessio Urbini
* [[Fuori campo]] (intorno alla scena) di Alessandro Pericciuoli
* [[Gente di Seveso]] di Massimo Schiavon
* [[Un giorno ideale per i pesci banana]] di Francesco Merini, Federico Scagliarini
* [[Gira e servi: idee per un suicidio]] di Domenico Salierno
* [[Gravidanza isterica]] di Jacopo Chessa
* [[L'ideologia del traditore]] di Fabio Sanvitale
* [[Immagini della memoria]] di Renato Ricatto, Renato Peronetto, Silvano Beltrame
* [[Impulse]] di Ranieri Poccianti
* [[In viaggio]] di Maria Teresa Cavallar, Alessandro Pinto
* [[Io volontario dell’arta Sarajevo]] di Giovanni Rubino
* [[Io, volontario dell’arte a Sarajevo - Cimitero unico a Iligzda]] di Giovanni Rubino
* [[Io, volontario dell’arte a Sarajevo - Garbavica]] di Giovanni Rubino
* [[Killer]] di Leonardo D'Itri
* [[Killer]] di Rocco Ministeri
* [[Lettera monsieur Cinema|Lettera a monsieur Cinema]] di Costanza Quatriglio
* [[Il letto]] di Corrado Ravazzini
* [[Lite nel campo]] di Alessandro Bertani, Alberto Soncini
* [[Mayamne e gli altri]] di Ita Cesa, Giuseppe Selva
* [[Mio fratello è figlio unico]] di Paola Amadesi
* [[Il molo di ottobre]] di Vito Amodio
* [[Occidentite - frammenti]] di Francesco Brandi
* [[Odisseo]] di Giorgio B. Borgazzi, Marco Borroni
* [[L'ombra del gatto]] di Gianni del Corral
* [[L'onda]] di Mattia Marini, Lorenzo Conte, Lea e Davide Barletti, Davide Di Gandolfo
* [[Optasia]] di Pietro Ales
* [[L'ora della cultura]] di Gianluca Stuard
* [[Pathos]] di Giovanni Tronci
* [[Pensieri invadenti]] di Alessandra Amenta
* [[Piccolo museo da viaggio]]: Caravaggio, Picasso, Bacon di Alberto Barbadoro, Paola D'Ignazi
* [[Pierrot]] di Marco Danieli
* [[Il racconto della piccola Allys]] di Jacopo Chessa
* [[Riflessi]] di Giuseppe Lo Cascio
* [[Rivelazione]] di Stefano Parigi
* [[Rubinetti raccordi]] di Costanza Quatriglio
* [[La sabbia del tempo]] di Michele Fiore, Enzo Rega
* [[La scelta di Filippo]] Loro, Domiele Comello
* [[Schwarzkunst- Arte del nero]] di Michele Fiore, Enzo Rega
* [[Sifoneide]] di Lauro Crociani
* [[Il silenzio delle bambine]] di Katia Assuntini
* [[Tutti in piazza - Speciale Verona (Cronaca di una crociata omofoba)]] di Claudio Cipelletti, Valerio Governi
* [[Twist]] di Massimiliano Mauceri
* [[L’ultima sera all’osteria dell'Isula]] di Dario Barezzi, Stefania Rossiello
* [[Ultime notizie]] di Rosanna Benvenuto
* [[Ultimo addio alla Sicilia di un emigrato in Australia]] di Salvatore Anversa
* [[Vendesi Bagnoli ed altre storie]] di Ciro Tortorella
* [[Il vento della pietra]] di Andrea Mazza
* [[La via del suono]] di Paola D'Ignazi, Gianfranco Boiani
* [[Vidi un sergente con un coniglio in bocca]] di Silvio Segabrugo
* [[Voci]] di Antonio Fabbri
* [[I volo]] di Maria di Lorisa Andreoli, Stefano Wiel
* [[Voices off]] di Guglielmo Finazzer

[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1996]]

1996

2025-03-17T11:08:49Z

Thomas: /* 150 secondi a tema fisso (Suspense) */

[[File:1996 Locandina Anteprima per il Cinema Indipendente Bellaria Film Festival.jpg|miniatura|Locandina Anteprima per il cinema indipendente italiano, 1996]]

== Enti promotore ==
Comune di Bellaria Marina, Assessorato alla Cultura, Archivio del cinema indipendente italiano. Con il contributo di: presidenza del consiglio dei ministri- dipartimento spettacolo regione Emilia Romagna.

== Direzione artistica ==
Antonio Costa, Enrico Ghezzi, Morando Morandini, Roberto Silvestri

== Direzione organizzativa ==
Gianfranco Miro Gori

== Segreteria ==
Anna Gradara, Paola Gori, Antonio Tolo

== Ufficio stampa ==
Mazzia Milesi

== Amministrazione e servizi tecnici ==
Saverio Gori

== Presentazione ==
L'Assessore alla Cultura Mara Garattoni

Anteprima è una manifestazione turistica o un evento culturale? È un interrogativo che ogni ogni anni si ripropone, a Bellaria, in varie sedi, da quelle del mondo associativo ed economico, ai banchi del Consiglio Comunale, qualche eco forse sfiora anche tanti bellariesi ormai presi dall'avvio a pieno ritmo della stagione turistica. È una domanda legittima dato l'investimento economico della Pubblica Amministrazione, tuttavia la riflessione dovrebbe essere intellettualmente onesta, libera da schieramenti pregiudiziali e soprattutto consapevole che la qualificazione culturale di una città percorre strade talvolta più accidentate di quelle volte al benessere economico. Losi può constatare ogni volta che si cerca di comparare questo dato con il grado di insoddisfazione psicologica, affettiva, spirituale, che assilla tanti individui delle aree più sviluppate del mondo. Dunque è certamente positivo mantenere la dialettica su temi legati alla promozione sociale e culturale di una città, come è avvenuto nel Consiglio Comunale del 20/5/96, che ha approvato una proposta di accordo di programma tra i Comuni di Bellaria Igea Marina e Rimini sui festival del cinema indipendente: Anteprima e Rimini cinema. Questa deliberazione esprime un indirizzo programmatico teso alla valorizzazione di forme espressive e produttive marginali in quanto sorte ed agite fuori dai circuiti della grande industria cinematografica. L'offerta di un luogo di emersione a idee e sensibilità innovative, la promozione di occasioni di contaminazione culturale fra autori provenienti da aree geografiche diverse e lontane, la formazione di operatori locali capaci di sviluppare una progettualità coerente ed organica in un fecondo rapporto con intellettuali di differente provenienza, contribuisce necessariamente alla crescita culturale della nostra città. La rassegna di film organizzata nei mesi di marzo-aprile (Periferie) in collaborazione con l'Archivio del Cinemalndipendente e la presenza, alle proiezioni, di un pubblico numeroso e attento, dimostra come l'interesse per il cinema si stia risvegliando nuovamente fra molti giovani che rifiutano la visione di opere ‘offese’ dalla mercificazione televisiva. L'obiettivo dell'accordo di programma fra Anteprima e Rimini cinema dovrebbe tendere a rafforzare la presenza delle due manifestazioni nel quadro delle proposte e degli eventi che segnano la stagione estiva della provincia riminese, salvaguardandone tutta via la rispettiva identità e specificità tematica. Una conseguenza implicita di questa scelta dovrebbe essere la realizzazione di un sistema integrato dell'offerta culturale a livello provinciale tesa alla razionalizzazione delle risorse, all'arricchimento della proposta culturale, ad una fruizione più articolata delle manifestazioni, al sostegno di relazioni dinamiche sempre feconde di incontri, di idee, di proposte. Il programma di questa 14“edizione propone il 30° compleanno de La battaglia di Algeri di Gillo Pontecorvo, un film sul Terzo Mondo e sul colonialismo che racconta sentimenti, emozioni, entusiasmi, sofferenze di tanti uomini che concentrarono i loro sforzi per liberarsi dal potere imperialistico per dar vita ad una nazione. Il film propone la storia vista dalla parte dei popoli coloniali che lottano contro l'oppressione, un'opera che offre l'occasione per parlare dei tanti drammi che affliggono il Terzo Mondo. L'Algeria di oggi, infatti, fornisce un esempio delle contraddizioni e delle lacerazioni interne, e ancora vive, di un popolo che ha vissuto l'esperienza del colonialismo. La retrospettiva, coerentemente con la scelta de La battaglia di Algeri è dedicata al cosiddetto Terzo Cinema, nato verso la metà degli anni ‘60. Esso si pone programmaticamente fra il cinema dipendente commerciale e quello d'autore, anch'esso influenzato da esigenze di mercato. Il Terzo Cinema, invece, è indipendente, politico, interculturale, è un cinema di frontiera che affronta tematiche internazionaliste, del Terzo Mondo, dei disoccupati, della droga, dell'antipsichiatria, della liberazione nazionale. I film proposti nella sezione ci introdurranno in geografie dell'immaginario poco frequentate, contribuendo ad accogliere nei nostri orizzonti emotivi e culturali il ’diverso da me”. In questa 14° edizione Anteprima, oltre al consueto Premio Casa Rossa, dedica un omaggio particolare atre esponenti significativi, ciascuno a proprio titolo, del panorama cinematografico italiano. Si tratta di Paolo Gobetti, figlio di Piero Gobetti, partigiano e responsabile per oltre trent'anni dell'Archivio Nazionale Cinematografico della Resistenza, recentemente scomparso; di Vittorio De Seta, regista ‘scomodo’ che racconta l'estraniazione, il viaggio interiore alla ricerca di sé, quindi il disagio esistenziale di chi non sa conciliarsi col mondo; di Gianfranco Mingozzi, voce impegnata nella produzione italiana di documentari di impegno civile. Dunque Anteprima, attraverso le sue sezioni, propone un intenso viaggio in quel cinema indipendente che sa rivolgere uno sguardo criticamente attivo sulla storia, sul mondo e sulle intrinseche contraddizioni che dovrebbero sempre inquietarci per elevarci dalla palude dell'indifferenza.

== Cinema ennesimo, cent'anni dopo ==
Di Enrico Ghezzi

Dopo molti (troppi) anni, infine non c'è completamente oscuro come il cinema indipendente che si impone all'attenzione (o che perfino si faccia amare con tensione e senza bisogno di intenzione) sia indipendente soprattutto da se stesso e dai propri autori. Non ci piace ammetterlo, perché la cosa ci porta vicino alla sostanza collettiva e politica di una comunicazione che non conosciamo e che ci eccede, misteriosamente più forte e intensa dei tentativi anche più accaniti folli, raffinati di orientarla cavalcarla mutarla. E non ci piace perché siamo invece costretti a attaccarci a nomi, progetti, stili precisi o in formazione, nella ricerca, nello studio, nel farsi di questo festival stesso, nel piacere. Con piacere si verifica quest'anno a Bellaria la congiunzione casuale e non voluta di due cinemi, di due diversissimi progetti di cinema in Italia, che nell'estate di un anno fa hanno segnato il dibattito politico culturale. Accettando e seguendo caparbiamente il criterio cronologico, il trentennale incontra quest'anno un grande film-problema, La battaglia di Algeri di Pontecorvo. Lo stesso Pontecorvo che dirige il maggior festival italiano di cinema, dove l'anno scorso era stato invitato solo a margine Lo zio di Brooklyn di Ciprì e Maresco. I quali rifiutarono l'invito, e si ritrovano oggi qui premiati come miglior film “indipendente” dell'anno (dopo esser stati bellamente e paradigmaticamente ignorati perfino nelle nomination del più ufficiale e ‘importante” premio italiano di cinema). Curiosamente, nella stessa estate scorsa, il cinema di Pontecorvo era stato evocato in occasione dell'uscita anche da noci di un libro postumo di Serge Daney, ossessivamente ritornante (come motivazione teorico biografica (non) casuale del suo fare critica) sul feticcio negativo del “carrello di Kapò”. Convinti come siamo che per il cinema e nel cinema siamo importanti come le immagini (insieme conservate e transeunti, fissate e passeggere, congelate e liquide) le parole prima e dopo film, i prolungamenti d'immagine nella memoria mutante, i rimpianti di futuro, i lapsus e le immagini più definitive e controllate e firmate, pensiamo che il confronto tra due film così distanti e eccentrici, e il planare di quel "carrello” come un fantasma retorico (giustamente Pontecorvo ha detto di non ricordarsene neanche, giustamente Daney e altri lo prendono come una perversione nascosta, forse "pericolosa” (!) proprio per la sua irrilevanza), possono sbatterci in faccia le incertezze del nostro accanimento intorno all'indipendenza e alla "libertà" del cinema (italiano). Italiano tra parentesi, da quando le retrospettive e le personali hanno spalancato un occhio apolide su esperienze di cinema libero in tutto il mondo, contaminando l'indipendenza italiana con il cinema living, o con autori (Ed Wood, Jack Hill) e generi nati intorno o dentro la fabbrica più costrittiva (quella hollywoodiana). Terzo cinema, quest'anno, che aldilà della contingenza storica della definizione ci consegna all'ipotesi di un terzo che non si dà ma è, oltre Lumière /Meliès, oltre Lang/Rossellini, oltre Kubrick /Vigo. Cinema della necessità e dell'assurdo, dell'indipendenza rispetto alle fabbriche dominanti, della volontà di moltiplicare fomi e fabbriche e sogni. Non lontano, nel luogo e nel tempo, dalla situazione oggi del cinema italiano. Trenta, venti, dieci anni dopo, il cinema geograficamente culturalmente politicamente esotico e diverso è diventato non più l'unica speranza ma la realtà necessaria dei festival internazionali intesi come circuito, anche mentre la battaglia per alcuni cinemi nazionali sembra a tratti persa (per esempio in America Latina). Da noi, con la televisione che per dieci anni ha sostituito e costituito il cinema italiano salvo schegge autoriali, esuli apolidi, e sopravvivenze auto conservative del piccolo sistema cinema assistito, i cineasti si trovano, svanita ora anche l'illusione barricadiera di resistenza e lunga marcia antiberlusconiana, a dover inventare il (proprio) cinema, a rendere fiammeggiante e necessaria la loro flagrante superfluità. Non è negativa, la nudità del cinema italiano. L'immagine opaca che continua a dare di sé anche nella vitalità, paragonato alla continuità brillante del cinema "giovane" francese inglese americano neozelandese giapponese portoghese kazakho. Come se tale opacità fosse autonomamente evidente rispetto all'interesse o all'eccezionalità di ormai numerosi "autori" e film nuovi (da Martone a Corsicato a Incerti a Ciprie Maresco, Capuano, Rezza, Misuraca, Scimeca, Infascelli, Benigni, Calogero, Fragasso a... De Bernardi, a Troisi), al proseguire di autori-guida riconosciuti anche all'estero dopo Bertolucci (Moretti e Tornatore, Amelio, Avati, Argento), al permanere attivo di alcuni anziani maestri, e di cineasti della generazione di mezzo (i Del Monte, Grifi, Giuseppe Bertolucci, Giordana, Faccini, Piscicelli, Paolo Benvenuti) ai giovani intelligenti rivitalizzatori di generi (Virzì, Baldoni, Piccioni, Verdone, De Lillo/Magliulo, Tognazzi e Risi), a altri seri percorsi d'autore (Archibugi, Segre, Soldini, Bigoni, Salvatores, Nichetti, Grimaldi, Alessandro Benvenuti, Mazzacurati, Ferrario) ai frutti del trapianto di cuore praticato da Moretti sul corpo del "cinema civile" (Luchetti, Calopresti)... e mi fermo senza pretese di esaustività (anzi affidando al caso del momento di memoria la (in)completezza del panorama, ricordando tra i molti visti a Bellaria almeno i nomi di Segatori e Gaudino, che ancora devono "chiudere" il primo lungometraggio dopo prove cache geniali). Per quanto insegua la realtà e proclami la propria, il cinema italiano stenta a trovare un luogo nell'immaginario, da noi e altrove. Come se il suo ennesimo manifestarsi restasse sempre secondo rispetto a se stesso prima di tutto (il cinema che da Rossellini a Antonioni a Fellini, da De Sica a De Santis a Visconti ha cambiato il modo d'essere del cinema, prima che le nouvelles vagues mutassero il modo di percepirlo e -ancor più- di percepirsi), e incerto rispetto ai vari "nuovi cinemi" nazionali che di volta in volta si sono presentati e affermati. Divorata un'ipotetica nouvelle vague dalla formidabile generazione dei padri (si salva, e quindi muore, Pasolini; come muoiono al cinema Schifano e Bene; fugge in uno straordinario estremismo "filmico" Bertolucci, oggi quasi "non riconosciuto" in quanto definitivamente approdato a un territorio "altro", più che apolide: l'Italia fiabata che balla da sola), smangiato e ricoperto il territorio dalla pervasività televisiva, il cinema italiano è costretto ben oltre le volontà di isolamento e di rigore autoriale, e ben altrimenti rispetto alle buone (pessime?) intenzioni di radicamento e di rappresentazione, a essere (solo) se stesso, a farsi conico in modo radicale di una nudità che il cinema altrove maschera, ma che il cinema stesso, diffondendosi oltre la sala e oltre gli apparati e le macchine, nell'etere e infine nella nostra testa, ha additato per sempre. A suo modo, già la giuria di Bellaria 1996, compresa tra De Seta e Asia Argento, tra un affascinante cineasta dall'opera interrotta e una fascinosa giovanissima attrice che ha appena dichiarato di esser stanca del cinema, manifesta questa incertezza, questo esistere venendo meno. E noi siamo necessariamente ridicoli, dovendo non comprendere nell'elenco “tecnico” dei film indipendenti dell'anno L'amore molesto o La seconda volta a causa della forte partecipazione Rai. Ancora costretti a valutare la provenienza dei capitali, come se infine l'indipendenza non fosse anche e soprattutto quella dal proprio capitale/budget, infimo o enorme, comunque dubbio per circolare provenienza. Ma, constatati i tenaci ma rarefatti legami con la tradizione, il cinema italiano è quasi tutto nella invidiabile (0 poco) situazione di doversi considerare “indipendente”, se si esce dalla questione infine ristretta di quali siamo i soggetti (produttore o regista o sceneggiatore) da misurare nell'indipendenza. E insieme è tutto fortissimamente dipendente dalla propria mancanza di sicurezza, dalla propria scarsa legittimazione in sala, dalla modesta forza contrattuale nei confronti della produzione televisiva. In questo Anno uno (dopo Lumière) del cinema italiano, Anno uno come il sublime film politico di Rossellini, l'attesa verso rinascite per via legislativa è certo eccessiva. Quanto alla rappresentatività di questo cinema, al suo probabile proporsi futuro come unico plausibile resoconto sociologico di questi giorni (lo afferma da tempo Mario Sesti), è lapalissianamente sicura. Ahimè o per fortuna in modo indipendente dagli autori, in pura virtù di cinema, di registrazione filmica in cui milioni di indizi e di tratti restano comunque impigliati, anche in assenza di virtù specifiche, in un testo unico e immenso in cui la più preziosa inquadratura di Ciprì e Maresco si trova contigua a quella del più piatto momento di un Salvatores, e entrambe hanno la stessa “portanza”, lo stesso “pieno* inevitabile. A noi, a Bellaria e altrove, interessa un cinema che non sia solo l'automatismo di questo pieno (magari aggravato da ridicole intenzioni d'autore o da più comprensibili e mediocri istanze di affermazione sociale), mail tentativo di trame dei vuoti, delle forme in negativo, delle traiettorie inattese di libertà dentro l'insopprimibile imprigionamento che è il fotogramma. Con l'arrivo tra un mese del festival Sacher di Nanni Moretti, sono ormai almeno cinque gli appuntamenti di un qualche peso stabilmente dedicati al cinema italiano giovane o indipendente o a piccolo budget o corto o “altro”. Un sotto circuito dentro il circuito dei festival maggiori nazionali e internazionali. Percorso e prodotto come sempre da aspirazioni almeno doppie: l'ansia di proporsi, di farsi conoscere e apprezzate (anche dai maneggiatori di capitali e dai soggetti situati in luoghi istituzionali della distribuzione) ai fini di un passaggio a circuiti superiori; e quella di esprimersi e spremersi e imprimersi un po' (nel nastro o nella pellicola), a qualunque (non) costo. Più tutti i terzi e ennesimi cinemi (da Grifi a...) che avvertono e praticano l'urgenza di altro, del proprio o altrui "altro", fino all'immagine più personale e solipsistica o a quella ancora oltre, meta personale o impersonale fino a essere "spossessaria". Serpeggia comunque l'insoddisfazione (di chi vede e di chi propone, di chi cerca e di chi (non) trova, di chi giudica, di chi classifica), in un luogo come questo: il luogo di Bellaria, il luogo cinema indipendente. Da sempre disordinato e babelico (nel suo piccolo), Anteprima, che forse è stato indispensabile, è ora costretto a divenirlo, indispensabile, per non essere solo il confortante o sconfortante anello del circuito. Forzando l'autosufficienza di esso con le aperture apolidi, non parallele, ma oblique, tangenti, perfino stridenti. Con l'improvviso incontro cronologico e fatale con le apparizioni di quando il cinema si illudeva di essere più sicuro. Proponendo in futuro una selezione sempre più rigorosa e di ‘tendenza’, ma anche (mentre il senso della stessa parola “anteprima” si perde appunto nel circuito) una panoramica esaustiva, sia pur mostruosamente esaustiva, accompagnata da una sorta di mercato, con ospiti e esiti magari perfino antitetici rispetto alle proposte e alle scelte e ai desideri di chi al festival darà o continuerà a dare forma. La forma che oggi (ripeto, orgogliosamente, quasi per caso) propone insieme il verosimile simil vero del film capitale di Pontecorvo (una sorta di rovesciamento (post)rosselliniano), così amato dal cinema mondiale e mitizzato da noi, e il radicalismo vuoto dello Zio di Brooklyn, film sbiancante (o annerente) di tutto il cinema italiano, che ci riporta a zero. Pronti impensabilmente a apprezzare scogli e iceberg e emersioni più precise, perfino a disegnare itinerari manuali, come se invece di spruzzi e spume si trattasse ancora di essere fatalmente qui, cresta ennesima di un cinema tutto assommato nella propria profondità liquida, srotolio di una smemoria (compattamente gassosa?) cui partecipano le telecamere di controllo e il set di Scorsese, la testa di Kubrick che immagina film e il meno riuscito, il più presuntuoso, il meno ambizioso dei video da un minuto che però è qui (non si accontenta della beatitudine di non esserci), in questo momento svanito. P.S.: Il titolo di un bel film della retrospettiva “Terzo Cinema”, Les Dupes ("gli ingannati”, i presi in giro), mi fa di nuovo pensare all'illusione politica che forse ci anima e che mima il cinema forzatamente indipendente e anche quello indipendente per elezione (e quello che presto sarà indipendente dalla realtà grazie al virtual sintetico digitale). E un vecchio gioco di parole lacaniano. Les non-dupes errent. I non ingannati sbagliano. Che si può mutare all'ascolto in Le nom du père (il nome del padre). Ingannati dal cinema, nel nome dei padri, infine voi e noi dotati di una certa ottusità che, non si sa perché, sono liberi di (non) sbagliare. E di errare.

== Concorso Anteprima ==

* [[L'acca non c'è più]] di Barbara Rossi Prudente
* [[Al centro del centro]] di Maurizio Maliore
* [[Ali di pongo]] di Antonio Lucorini
* [[Anatomia del desiderio]] di Roberta Brambilla
* [[Ba ba baciami]] di Raffaella Russo
* [[La beffa]] di Riccardo Acerbi
* [[Capodanno a Sarajevo]] di Giovanni Rubino
* [[Coincidenze]] di Marco Turco
* [[Disegni di sogni]] di Davide Schinaia
* [[DNA]] di Giorgio Valentini
* [[Ecuba]] di Roberta Torre
* [[La famiglia Adamo]] di Domenico Costanzo
* [[Flora]] di Marcel Cordeiro
* [[La Guinea verso Casarola]] di Giovanni Martinelli
* [[Liri-la stagione dei fiori tristi]] di Raffaele Schito
* [[Mothra - donnez l'esprit]] di Marco Bragaglia
* [[Neighbors - Vicini di casa]] di Carola Spadoni
* [[Normale]] di Flavio Bonetti
* [[Gli occhi stanchi]] di Corso Salemi
* [[Operazione Mergellina]] di Angelo Serio
* [[Pronto Soccorso e Beauty Case]] di Renato Ricatto, Renato Peronetto, Silvano Beltrame
* [[Queen be]] di Max Croci
* [[Ricordi]] di Stefano Pratesi
* [[Storia di Tonino]] di Andrea Bevilacqua, Cristina De Ritis
* [[Sventramento]] di Stefano Russo
* [[Todos os dias]] di Alberto Momo
* [[L'ultimo uomo]] di Beniamino Catena
* [[Il vento fra le mani - la violenza nemica]] di Daniele Gaglianone

== Casa Rossa ==

* [[Lo zio di Brooklyn]] di Daniele Ciprì e Franco Maresco
* [[I buchi neri]] di Pappi Corsicato
* [[Il verificatore]] di Stefano Incerti

== Fuori concorso ==

* [[Le mamme del Leoncavallo -isole di resistenza umana]] di lsabella Ciarchi
* [[La murciaola]] di Odetta Ciancarelli

== 150 secondi a tema fisso (Suspense) ==
Video in concorso

* La sentinella di Paolo Ameli
* O pallone di F. Armitti, E. Baldini, S.Tornatore, G. Zavota
* Dentro lo specchio di Katia Assuntini
* Lametta di Alessandro Avellis
* Blues di Matteo Balducci
* Piccolo museo da viaggio: Francis Bacon di Alberto Barbadoro, Paola D'ignazi
* Brutti sogni di Nicola Bamaba
* Give me the cure di Elisabetta Battazzi, Maria Bevilacqua
* Saluto di vino di Cristina Bernardi
* Parcheggio infuocato di Alessandro Bertami, Alberto Soncini
* Suspence di Giovanna Berti
* It really could happen... di Matteo Bertocchi
* L'inseguimento di Silvano Besozzi
* Suspense di Silvano Besozzi
* Happy end di Giovamni Bognetti
* 1998 di Luigi Bonizzato
* Il ribelle di Amedeo Borelli
* Prison di Daniela Borsese, Mauro Coni
* Andeira di Gianluca Cacciatori
* Lapsus di Giovanni Calamari
* La cattiva maestra di Cosimo Calamini
* Cuorridoio di Monica Capoferti, Mila Bagatin
* White traffic di Monica Castiglioni, Enzo Umbaca
* Fragilità di Giulia Cerulli
* Vieni nonno... di Agata Chiusano
* Affiorano di Stefano Cignola, Matteo Petterlini
* Ballo doppio di Francesco Paolo Cipriani
* Scambio di Rosario Compare
* Un curioso indizio di Jurij Paolo Crescentini
* Milkiller di Max Croci
* Toilette di Fulvio D'Aria, Max D'Ambrosio
* Kalari Pait di Paola D'Ignazi, Gianfranco Boiani
* Il bulimico di Sandy DaFré, Davide Pepe
* Fallimento oltre i confini di Enzo De Pascale
* ... di riflesso di Roberto Della Tone
* Giochi proibiti di Roberto Dordit
* Gratta e vinci con delitto di Maurizio Failla
* Il mostro di Guglielmo Finazzer
* Urbasme di Fulvia Frenquellucci, Julio Di Egidio
* Il viaggio di Luciano Galluzzi
* The doubt (Il dubbio) di Alga Geminiani
* Whodunit? di Sabrina Goria, Giammarco Mastore
* Stromboli di Valerio Governi
* Sous - penser di Monia Lippi, Monica Petracci
* Il telefono la tua croce di Giorgio Longo
* Cesareo in Peridurale di Jeon Paul Lustrissy
* Bum! di Elena Magliola
* Dear DEADdy di Federico Maraner
* Figaro di Daniele Marcovecchio
* Pic nic di Daniele Marcovecchio
* Where is my bloody chair! di Giovanni Martinelli
* Anticamera di Luigi Martinucci
* Senza soluzione n°1 di Maurizio Mirai
* A scuola di cinema di Antonio Nardelli
* Scatti di Francesco Maria Ocelli
* Lo scatto finale di Luca Olivieri
* Les observateurs di Daniela Panfili, Enzo Fenara
* Corto respiro di Andrea Pellizzer
* Suspense... (al cioccolato) di Rosario Pipolo
* Contemplazione di Riccardo Poma
* Orme piccine di Sergio Porro
* Stampe di Maurizio Quaglioma
* Blow in di Luca Rampoldi
* La cantina di Giovanni Romocchi
* Casa dolce casa di Giovanni Rossetti
* Driin di Marco Salotti
* Merde!(3 more minute...)di Claudio Saponara
* 25/04/96 di Leonardo Savioli
* Morbo d'Alzheimer di Davide Scalisi
* L'altro testimone di Massimo Schiavon
* Giochi d'adulti di Barbara Seghezzi
* La scatola di Michele Senesi
* Hitch Crock di Rocco Sestito, Giorgio Santorelli, Paolo Lazzaretto
* Incontro di Claudio Sorgi
* Ancora un jour di Gianluca Stuard
* 10:15 Saturday night di Valeria Tocchi
* Zero di Leonardo Valenti
* Suspance di Luigia Vecchiet
* Un telefono rosa di Cristina Vuolo

== Molti Media ==

* [[95-100]] di Tonino Forcisi
* [[Andando con brio... ovvero libertà a modo mio]] di Manuel Luise, Valeria Pagin
* [[Camera oscura]] di Marco Lanzafame
* [[Cento di questi anni]] di Lorenzo Perrone
* [[Cinema]] di Brunella Audello e Vittorio Dabbene
* [[La collina del cinema]] di Andrea Piccardo
* [[Emanuele Modica pittore]] di Luigi Simeone
* [[Memorie - I Bagaresi]] di Paolo Pintacuda
* [[Notturno, che è della notte, che appartiene alla notte]] di Stefano Cagol
* [[L'occhio della moto]] di Paolo Taddei
* [[Potrei farvi un film]] di Beppe Anderi
* [[Senza soluzione]] di Maurizio Mirai
* [[Starting from scratch]] di Filippo Piscopo
* [[TG Reporter]] di Paolo Cantarutti, Michele Lamon, Francesco Lodolo
* [[Il tipografo, l'apprendista e il libro]] di Nosrat Pomahi Nejad
* [[Videomaker]] di Maurizio Francabandiera

== Dedicato a ==

=== Vittorio De Seta ===

* [[Un uomo a metà]] di Vittorio De Seta
* [[Vittorio De Seta: lo sguardo in ascolto]] di Daniele Ciprì, Franco Maresco
* [[Il tempo di Vittorio De Seta]] di Salvo Cuccia, Marcello Alajmo, Ignazio Plaia, Maurizio Spadaro

=== Gianfranco Mingozzi ===

* [[La terra dell'uomo]] di Gianfranco Mingozzi

=== Paolo Gobetti ===

* [[Le prime bande]] di Paolo Gobetti
* [[Un'altra Italia nelle bandiere dei lavoratori]]

== Spazio Aperto ==
[[L'afflato dell'’automa]] di Giuseppe Claudio Rizzo

[[L'affluenza al forno]] di Giovanni Menicocci

[[Alchemia]] di Ugo Pozzi

[[Alla luce della notte]] di Antonio Bocchi

[[L’altra]] di Rocco Sestito

[[Appuntamenti]] di Sergio Salvano

[[Arrest]] di Michele La Rosa

[[Asterione]] di Stefano Bessone

[[Avrei un problema]] di Alessandro Riccio

[[Barricate]] di Alessandro Scippa

[[Beyond the doorsill]] di Agata Chiusano

[[Broadway via Emilia]] di Francesco Paladino

[[Che]] di Guglielmo Finazzer

[[Chicco G. Ado]] di Giuseppe Selva

[[Come sono stretti questi panni]] di Compagnia Alcantara

[[Cronaca di un film mai esistito]] di Chiara Bertoni, Cinzia Piccinini, Cristina Squarzoni

[[Dalia nera]] di Antonio Pedicini

[[Due amici]] di Stefano Melgara

[[Due registi a Milano]] di Federico Rizzo

[[ERTL]] di Francesco Calandra

[[Escape]] di Beatrice Fiorentino

[[Fame per un giorno]] di Manfredi Alessio Urbini

[[Fiamma]] di Stefania Calatroni

[[Forza di gravità]] di Manfredi Alessio Urbini

[[Fuori campo]] (intorno alla scena) di Alessandro Pericciuoli

[[Gente di Seveso]] di Massimo Schiavon

[[Un giorno ideale per i pesci banana]] di Francesco Merini, Federico Scagliarini

[[Gira e servi: idee per un suicidio]] di Domenico Salierno

[[Gravidanza isterica]] di Jacopo Chessa

[[L'ideologia del traditore]] di Fabio Sanvitale

[[Immagini della memoria]] di Renato Ricatto, Renato Peronetto, Silvano Beltrame

[[Impulse]] di Ranieri Poccianti

[[In viaggio]] di Maria Teresa Cavallar, Alessandro Pinto

[[Io volontario dell’arta Sarajevo]] di Giovanni Rubino

[[Io, volontario dell’arte a Sarajevo - Cimitero unico a Iligzda]] di Giovanni Rubino

[[Io, volontario dell’arte a Sarajevo - Garbavica]] di Giovanni Rubino

[[Killer]] di Leonardo D'Itri

[[Killer]] di Rocco Ministeri

[[Lettera monsieur Cinema|Lettera a monsieur Cinema]] di Costanza Quatriglio

[[Il letto]] di Corrado Ravazzini

[[Lite nel campo]] di Alessandro Bertani, Alberto Soncini

[[Mayamne e gli altri]] di Ita Cesa, Giuseppe Selva

[[Mio fratello è figlio unico]] di Paola Amadesi

[[Il molo di ottobre]] di Vito Amodio

[[Occidentite - frammenti]] di Francesco Brandi

[[Odisseo]] di Giorgio B. Borgazzi, Marco Borroni

[[L'ombra del gatto]] di Gianni del Corral

[[L'onda]] di Mattia Marini, Lorenzo Conte, Lea e Davide Barletti, Davide Di Gandolfo

[[Optasia]] di Pietro Ales

[[L'ora della cultura]] di Gianluca Stuard

[[Pathos]] di Giovanni Tronci

[[Pensieri invadenti]] di Alessandra Amenta

[[Piccolo museo da viaggio]]: Caravaggio, Picasso, Bacon di Alberto Barbadoro, Paola D'Ignazi

[[Pierrot]] di Marco Danieli

[[Il racconto della piccola Allys]] di Jacopo Chessa

[[Riflessi]] di Giuseppe Lo Cascio

[[Rivelazione]] di Stefano Parigi

[[Rubinetti raccordi]] di Costanza Quatriglio

[[La sabbia del tempo]] di Michele Fiore, Enzo Rega

[[La scelta di Filippo]] Loro, Domiele Comello

[[Schwarzkunst- Arte del nero]] di Michele Fiore, Enzo Rega

[[Sifoneide]] di Lauro Crociani

[[Il silenzio delle bambine]] di Katia Assuntini

[[Tutti in piazza - Speciale Verona (Cronaca di una crociata omofoba)]] di Claudio Cipelletti, Valerio Governi

[[Twist]] di Massimiliano Mauceri

[[L’ultima sera all’osteria dell'Isula]] di Dario Barezzi, Stefania Rossiello

[[Ultime notizie]] di Rosanna Benvenuto

[[Ultimo addio alla Sicilia di un emigrato in Australia]] di Salvatore Anversa

[[Vendesi Bagnoli ed altre storie]] di Ciro Tortorella

[[Il vento della pietra]] di Andrea Mazza

[[La via del suono]] di Paola D'Ignazi, Gianfranco Boiani
[[Categoria:Edizione]]
[[Categoria:1996]]